Classic Rock

We are the world and with beer

2006-09-29T12:48:00.000-03:00

Celebridades do punk suiço interpretando “We are the world”.

Que Popstar que nada!

2006-08-10T13:56:00.000-03:00

Enquanto aqui no Brasil a gente tem que aturar aqueles calouros do Raul Gil e cascatas como Rouge e Brozz, no canal pago People + Arts os americanos estão acompanhando o programa de calouros definitivos. Trata-se do Rockstar Supernova, um programa onde a banda Supernova, formada por Tommy Lee (Motley Crue) na bateria, Jason Newsted (ex-Metallica) e Gilby Clarke (que já tocou em várias bandas, inclusive Guns' n' Roses) na guitarra procura por um vocalista dentre vários candidatos. A estrutura do programa é bem manjada: a cada semana os concorrentes apresentam um música e são avaliados pelos membros da banda e depois do programa, votados pelo público. Os três menos votados apresentam uma nova música e depois um deles é eliminado. Para quem se interessou e não tem TV paga, estou postando alguns vídeos aqui de algumas apresentações que achei interessantes. Quem quiser ver mais, basta entrar no You Tube e procurar por "Rockstar Supernova". Um abraço!

Toby Rand - Knocking On Heavens Door

Magni - My Generation

Dana Andrews - Baba O'Riley

Jill Gioia - Piece of My Heart

Marky Ramone no Brasil

2006-08-02T11:23:00.000-03:00

O baterista fará um set especial no clube Vegas ( em São Paulo ) no dia 03 de Agosto. O clube realiza nas noites de quinta-feira o evento “Rockfellas” particularmente na ocasião, Marky irá tocar o melhor dos clássicos punks de Nova Iorque, utilizando vinil.
O músico está no Brasil para o lançamento do DVD “Ao Vivo” da banda gaúcha Tequila Baby, e para comemorar os 30 anos de lançamento do primeiro álbum de seu lendário grupo.
No dia 11 de Agosto, em Campinas (interior de SP), no Tênis Clube local, Marky se apresentará no tributo Ramones Fest 2006, com o Tequila Baby. Posteriormente, o tributo segue para São Paulo, no dia 5 de Agosto e Belo Horizonte, no dia 12 do mesmo mês.

Queimando tudo!

2006-07-27T16:40:00.000-03:00

Inegavelmente o Deep Purple sempre será lembrado mais pela formação com Ian Gillan, Ritchie Blackmore, Roger Glover, Jon Lord e Ian Paice. Mas isso não impede que não apreciemos essa fantástica banda em outras formações. E David Coverdale e Glen Hughes não são quaisquer músicos, eles têm um talento muito grande e colaboraram de forma decisiva para a criação de grandes músicas do Purple.
Nesse vídeo, que faz parte do DVD "California Jam", de 1974, a banda mostra toda a sua grande forma executando a clássica "Burn". Espero que vocês gostem!

Ilustres Desconhecidos...

2006-07-27T16:13:00.000-03:00

New Model Army - Carnival

01. Water
02. BD3
03. Prayer Flags
04. Carlisle Road
05. Red Earth
06. Too Close To The Sun
07. Bluebeat
08. Another Imperial Day
09. LS43
10. Island
11. Fireworks Night

A história do rock está repleta de bandas excelentes que infelizmente, por um motivo ou outro, não alcançaram o merecido sucesso, são as famosas bandas “injustiçadas”. E em meio a tantas que compõe essa lista, vale destacar o soberbo New Model Army, que acaba de lançar lá fora seu 8º álbum de estúdio, “Eight”. Uma das bandas mais inflamadas e estimulantes de todos os tempos, o NMA é o elo perdido entre o Clash e o Rage Against the Machine, fazendo de suas canções, verdadeiros hinos libertários; e de sua existência uma missão quase sagrada. Ausentes do mercado brasileiro há muitos anos, talvez os leitores mais novos só os conheçam pelo hit “51th State”, por isso vale a pena dar uma geral rápida na carreira desse incendiário power trio. Formada no subúrbio industrial de Bradford (o ABC paulista da Inglaterra) em 1980 por Justin Sullivan (mais conhecido como Slade, the Leveller), vocal e guitarras, Rob Heaton, bateria e guitarras, e Stuart Morrow, baixo; a banda roubou seu nome homônimo do exército revolucionário inglês do século 17, cujos membros eram conhecidos como “levellers” (niveladores ou igualitários) pois pregavam um modelo de sociedade sem diferenças sócio-econômico-cultural. Esquerdistas de carteirinha e politizados até a medula, a bandas começou com um punk rock crú e urgente, porém com características próprias bem marcantes, como uma bateria militar galopante e linhas de baixo extremamente agudas e acrobáticas, o que lhe conferiu desde o princípio uma sonoridade peculiar e inconfundível. As letras então, eram um capítulo a parte, pois o verborrágico e extremamente culto Slade consumia Bob Dylan em altas doses, tornando-se em pouco tempo, ao lado de Jello Biafra (Dead Kennedys) e do próprio Dylan, um dos melhores e mais lúcidos letristas da história do rock. Nada escapava de sua artilharia lírica: do imperialismo yankee às dificuldades da vida em família; da guerra das malvinas às estupidez do uso das drogas. Mas nem tudo eram flores, depois de gravarem dois discos “Vengeance” (1984) e “No rest for the wicked” (1985), o genial baixista Morrow deixa a banda. Imediatamente recrutaram Jason Harris para seu posto, que o substituiu com extrema competência. Passaram então a incorporar cada vez mais folks celtas e ciganos em seu trabalho, crescendo como músicos e alcançando uma sonoridade muito mais madura e consistente e cada vez mais original e viril. Com essa formação, transbordando energia e criatividade, gravaram 3 discos impecáveis: “The ghost of Cain” (1986), “Thunder of Consolidation” (1989) e o mini-lp “White Coats” (1987). Em 1989, porém, é a vez de jason deixar a banda e entrar o baixista nelson em seu lugar, com quem vieram tocar no Brasil em 1991, em 3 shows antológicos. Com a nova formação gravaram “Impurity” (1990), “The Love of hopeless causes” (1993) e “Strange Brotherhood” (1998). No final de 1998, nosso bravo exército sofre mais uma baixa, dessa vez o batera Rob Heaton, um dos fundadores da banda, sai para se dedicar a seu novo projeto musical “Gardeners of Eden”. Em seu lugar entra seu roadie Michael Dean, com quem acabara de gravar “Eight” (2000). Infelizmente, apesar da altíssima qualidade, originalidade e inteligência de sua obra, o NMA continua uma banda cult, pouco (re)conhecida for a da Inglaterra. Mas eles não se importam com isso, sempre tiveram uma postura rígida e nunca adimitiram qualquer interferência das gravadoras para “comercializar” mais seu som (seus contratos com as gravadoras chegavam a incluir uma cláusula que lhes garantia total liberdade de criação), recusaram muitos programas de TV com os quais não simpatizavam e nunca tiveram papas na língua, corneteando duramente contra o governo, multinacionais, gravadoras, mídia, modismos e tudo mais com o qual não concordavam. Seu carinho e lealdade, no entanto, guardaram sempre para os fãs em todo o mundo, chegando a interromper o show e a pular do palco para defendê-los de seguranças truculentos. No entanto todo esse caráter e atitude, tão raros atualemte tiveram seu preço: foram ignorados por boa parte da crítica, tivera músicas banidas de inúmeras rádio, são boicotados nesses famosos festivais patrocinados por cigarros (por serem abertamente contra o fumo) e chegaram a ser proibídos de entrar nos EUA. Em compensação tocaram (e tocam) em prol de todas as causas justas, possíveis e imagináveis: festivais ecológicos, anti-drogas e anti-racismo, sendo considerados a maior banda underground da Inglaterra, onde continuam entricheirados, gravando por selos independentes. Aliás, a independência sempre foi a palavra chave para o New Model Army. Afinal, não é justamente para defendê-la que surgem exércitos revolucionários?

Download :: Senha: http://lagrimapsicodelica.blogspot.com/

A banda dos sonhos!!

2006-07-11T09:54:00.000-03:00

Imagine um estúdio... você caminha por alguns corredores, cruza com algumas pessoas no caminho. De repente você começa a escutar os acordes de uma velha e conhecida canção. Mas ela parece um pouco diferente... talvez um pouco mais pesada, mas mesmo assim familiar. A música é Smoke On The Water do Deep Purple. Tocando o riff inconfundível de guitarra está Ritchie Blackmore, o original. Você vibra, mas percebe que existem mais guitarras tocando junto... ao lado de Ritchie estão Tommi Iomi, David Gilmour e Brian May. Você mal pode acreditar em seus olhos, mas ainda não acabou... Ian Gillan entra cantando com sua poderosa e característica voz... na bateria, Roger Taylor destruindo... espere, tem mais alguém cantando... é Bruce Dickinson!! E esse teclado... ele parece familiar e diferente ao mesmo tempo... espere... é o Jon Lord junto com o Rick Wakeman! Antes que alguém diga "ei, esse cara bebeu", tá ai o vídeo do "Rock Aid Armenia", um projeto que reuniu grandes figuras do rock para ajudar as vítimas de um terremoto que assolou aquele país. Infelizmente essa banda dos sonhos gravou apenas essa música...

Um pouco dos duetos da família Cash

2006-06-13T10:41:00.000-03:00

Johnny Cash - Duets With June Carter Cash
01. It Ain't Me Babe
02. Jackson
03. Long Legged Guitar Pickin' Man
04. Oh, What A Good Thiing We Had
05. Darlin' Companion
06. If I Were A Carpenter
07. Cause I Love You
08. No Need To Worry
09. Help Me Make It Through The Night
10. The Lovin' Gift
11. The Pine Tree
12. Old Time Feeling
13. One Way Rider
14. Brand New Dance
15. Far Side Banks Of Jordan
16. It Takes One To Know One

Nascido em Kingsland, Arkansas, Estados Unidos, no dia 26 de fevereiro de 1932, este famoso cantor e guitarrista-violonista tem sido sucesso desde suas primeira canção gravada "I Walk The Line", em 1956.
Nascido artisticamente no mesmo berço de Elvis, Jerry Lee Lewis, Carl Perkins, Roy Orbison e outros (Sun Records de Memphis, Tennessee), Johnny Cash regularmente tocava em prisões e compunha suas canções com esta temática.
Cash apareceu em filmes, televisão e no Grand Ole Opry, além de ter recebido três Grammys. Muitas de suas canções foram escritas em parceria com sua esposa, June Carter Cash. Rosanne Cash, sua filha, também segue carreira de cantora.
Em 2006, a vida de Cash está de volta ao centro das atenções e sendo contada em filme de título "Walk the Line", derivado do nome de sua primeira canção, com Joaquin Phoenix no papel título, Reese Witherspoon como June and Robert Patrick. Ambos ganharam o Globo de Ouro como Melhor Ator e Melhor Atriz de Musical, estão concorrendo ao Oscar 2006, além do filme ter ganho Melhor Filme Musical. Este ano também sairá um novo álbum, gravado pouco antes da morte de Cash, em 2003, com o produtor Rick Rubin, o disco trará a última composição inédita do ícone, "Like The 309". Regravações de nomes como Bruce Springsteen e Gordon Lightfoot, entre outros, completam o material.

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Mais um lançamento de um ex-Purple

2006-06-06T09:12:00.000-03:00

Joe Lynn Turner - Without Flame
01 - One Day Away
02 - Fire Without Flame
03 - Carnival Of Souls
04 - Heart Against Heart
05 - End Of The Line
06 - Forever Changed
07 - Bad Feeling
08 - Looking For Trouble
09 - Down and Dirty
10 - License To Kill
11 - Slow Burn

Joe Lynn Turner nasceu em 1951 e iniciou sua carreira como vocalista e guitarrista de uma banda chamada Fandango na década de 70. Em 1980 foi convidado por Ritchie Blackmore para substituir Graham Bonnet no Rainbow, onde gravou 3 álbuns até o fim do grupo em 1984. A partir de então iniciou sua carreira solo, que foi interrompida algumas vezes para que ele participasse de algumas bandas importantes. Em 1988 entrou para a banda de Yngwie Malmsteen e gravou os álbuns "Odyssey" e "Live In Leningrad". Nesse período colaborou em discos de gente diversificada como Michael Bolton, Cher, Bonnie Tyler e Billy Joel. Em 1990, mais uma vez foi convidado por Blackmore, agora no Deep Purple, para assumir os vocais no lugar de Ian Gillan.
No Deep Purple, gravou um único disco: o comercial e odiado "Slaves And Masters". Esse fato marcou negativamente seu nome, que passou a ser associado às piores fases de Rainbow e Deep Purple. Independentemente disso, seguiu em frente sendo os dos músicos que mais produzem na atualidade, tanto em seus próprios discos como "emprestando" sua voz para álbuns de diversos músicos e projetos. Gravou com Michael Schenker, Leslie West, Eddie Ojeda, Brazen Abbot, Mother's Army e Glenn Hughes (com quem formou o Hughes Turner Project) entre outros.

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O Veludo Subterrâneo

2006-06-05T10:40:00.000-03:00

The Velvet Underground - Loaded
01 Who Loves The Sun
02 Sweet Jane (full-length version)
03 Rock & Roll (full-length version)
04 Cool It Down
05 New Age (long version)
06 Head Held High
07 Lonesome Cowboy Bill
08 I Found A Reason
09 Train Round The Bend
10 Oh! Sweet Nuthin'

Embora tenham feito pouquíssimo sucesso durante a sua existência a banda Velvet Underground com o passar dos tempos tornou-se um cult e sua influência na história do rock é inegável. Foram das primeiras bandas a abordar temas obscuros em suas músicas, drogas (overdoses, não as divertidas viagens de ácido dos Beatles), prostituição, problemas, doenças, e morte. O estilo desleixado e do-it-yourself influenciaria profundamente o surgimento do punk rock uma década depois do fim da banda.
Lou Reed (vocalista e guitarrista) e Sterling Morrison (guitarrista) e John Cale (baixista e vocalista) conheceram-se na Universidade de Suracusa em New York. O primeiro nome da banda foi The Primitives. Com a entrada da baterista Maureen Tucker o nome foi modificado para The Velvet Underground (retirado de um romance de ficção barata). Patrocinados e financiados pelo artista plástico Andy Warhol (que trouxe para a banda a vocalista Nico e cedeu a clássica gravura da banana para a capa do disco) gravaram The Velvet Underground and Nico em 1966. Nico sairia da banda logo após. O álbum embora sem repercussão na mídia se tornou um clássico alternativo.
O segundo álbum saiu em 1967, White Light/White Heat. John Cale abandonou a banda para seguir carreira solo, sendo substituído por Doug Yule. Sem Cale, porém parte do experimentalismo e abuso tão característicos da banda foram perdidos. O terceiro álbum , Velvet Underground, foi lançado em 1969. Loaded, último álbum de verdade da banda, saiu em 1971.
Após Loaded Lou Reed abandonou a banda para se dedicar a sua carreira de junkie (apenas anos mais tarde voltaria com alguns dos mais inteligentes álbuns da história do rock em sua carreira solo). Em meados da década de 70 a banda Velvet Underground foi redescoberta pelo movimento punk.
Em 1992 Lou Reed e John Cale reuniram-se novamente para uma curta turnê pela Europa (mais celebrada do que qualquer uma durante os seus anos de carreira). Algumas datas gravadas resultaram no álbum Live MCMXCII. Sterling Morrison morreu de causas desconhecidas em 1995.

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Lançamento do Glenn Hughes

2006-05-30T10:13:00.000-03:00

Glenn Hughes - Music for the Divine
1. The Valiant Denial
2. Steppin’ On
3. Monkey Man
4. This House
5. You Got Soul
6. Frail
7. Black Light
8. Nights In White Satin
9. Too High
10. This Is How I Feel
11. The Divine

Nascido em 21 de agosto de 1952, na cidade de Cannock, Inglaterra, Glenn Hughes deixou a escola logo aos 16 anos para tocar em vários grupos locais. Um deles, chamado Finders Keepers, mudou o nome para Trapeze e entrou para o mundo da fama. A ilustre formação da banda incluia além de Hughes, o guitarrista Mel Galley (que viria a fazer parte do Whiteskane alguns anos depois) e Dave Holland (mais tarde baterista do Judas Priest). Eles lançaram três álbuns, dos quais "You Are The Music, We’re Just The Band" (1972) causou grande sensação.
Em setembro de 1973, o tecladista e o baterista do Deep Purple, Jon Lord e Ian Paice, estiveram em alguns shows do Trapeze para conferir se Hughes seria uma opção para os lugares de Ian Gillan e Roger Glover, que haviam deixado o Purple em junho daquele ano. Hughes aceitou o convite, recusando outro do Electric Light Orchestra. David Coverdale entrou simultaneamente no Deep Purple substituindo Gillan e a banda alcançou outro estágio da sua força criativa.
O álbum "Burn" é, sem dúvida, um dos melhores discos em toda a história do Deep Purple. Seu sucessor, "Stormbringer", seguiu a mesma linha. A combinação do timbre bluesy de Coverdale com a voz ilimitada de Hughes tornou-se uma das maiores características do Deep Purple.
Hughes levou a banda para uma direção mais funky, provavelmente o motivo da saída de Ritchie Blackmore em 1975, quando este formou o Rainbow junto com Ronnie James Dio. O substituto de Blackmore foi Tommy Bolin, que gravou "Come Taste The Band" em 1975.
Tragicamente, o guitarrista morreu de overdose de heroína em Miami, Estados Unidos, em dezembro do ano seguinte, precipitando o fim do Deep Purple. "Tommy foi o meu melhor amigo, ele era como um irmão para mim", lembra Glenn Hughes. "Eu não tinha idéia de que ele usava heroína. Sua morte foi o maior choque de toda a minha vida", lamenta o músico.
O término do Purple, que voltaria anos depois, marcou o começo da carreira solo de Hughes e uma infindável lista de participações em projetos de outros talentosos músicos durante os 25 anos seguintes. Entre estes projetos estão "Seventh Star", com o Black Sabbath em 1986; "Run For Cover", com Gary Moore, também em 1986; "Face The Truth", com o ex-guitarrista do Europe, John Norum (1992); e "Sacred Groove", álbum solo do guitarrista do Dokken, Gerge Lynch, (1989). Há ainda a participação nos backing vocals do disco "Slip Of The Tongue", que o Whitesnake gravou em 1989; XYZ no mesmo ano; Mötley Crue (1994); Linch Mob e "Wave Of Emotions", trabalho solo do guitarrista do Poison, Ritchie Kotzen, em 1996; além da participação em "Nostradamus", a opera rock do guitarrista búlgaro Nikolo Kotzev.
Tudo isso mostra como Hughes tem sido um popular músico de estúdio. Ele também chamou atenção com o seu envolvimento no mega hit americano "America: What Time Is Love", projeto inciado pelo ex-manager do Echo And The Bunnymen, Bill Drummond, para comemorar os 500 anos dos Estados Unidos. Hughes participou ainda de dois álbuns da trilogia "Phenomena", além de sua cooperação com Pat Thrall, Stu Hamm, Carine Appice e Paul Taylor em "Killer Queen", uma faixa para o tributo ao Queen, entre outros trabalhos de destaque.
Em sua carreira solo, Hughes também sempre mereceu elogios e alcançou o sucesso. Da sua discografia se destacam: "Burning Japan Live", uma coletânea ao vivo gravada com três integrantes do Europe; "Feel" (1995) e "Addiction" (1996), em que ele se aproximou mais da soul music e do blues.
Em 1999 Hughes retomou suas raízes hard rock, com "The Way It Is". Ele manteve esta orientação em "Return of the Crystal Karma", álbum lançado no ano 2000; e com "Building The Machine", que chegou ao mercado em 2001.
O seu último álbum sairá em 9 de Junho, via Frontier Records, sob o nome de “Music For The Divine”. A produção foi feita pelo próprio Hughes, ao lado do baterista Chad Smith, dos Red Hot Chili Peppers, que também emprestou a casa para que o disco fosse gravado. Além da dupla, a formação da banda traz JJ Marsh nas guitarras. “Music For The Divine” conta também com a participação do guitarrista John Frusciante (também do RHCP) e do tecladista Mark Killian.

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A grande fúria do Bellrays

2006-05-29T08:49:00.000-03:00

The BellRays - Grand Fury
1. Noise Fragment
2. Too Many Houses In Here
3. Fire On The Mountain
4. Snake City
5. Ska Driver
6. Screwdriver
7. Heat Cage
8. Evil Morning
9. Zero PM
10. Do You Speak English
11. Stupid Fuckin' People
12. Have A Little Faith In Me
13. Monkey House
14. Little Funky Jam
15. Warhead
16. Under The Mountain

Imagine Janis Joplin cantando no AC/DC. Essa pode ser a definição mais próxima do som da banda The Bellrays. A própria banda se define como "Maximum Rock & Soul". Lisa Kekaula [vocal], Bob Vennum [baixo], Tony Fate [guitarra] e Ray Chin [bateria] formam o The Bellrays. A banda, da cidade de Los Angeles, existe desde do início dos anos 90 e tem 4 albuns gravados. Se você tiver dúvida em baixar esta obra prima, escute no próprio site da banca o som deles ( www.thebellrays.com ).

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Obs.: desculpa pela falha, no post anterior, de não ter postado a senha (já corrigido), espero que com este álbum eu me remida do eqüívoco.

Isso sim que são pássaros

2006-05-25T09:22:00.000-03:00

The Yardbirds - Live Featuring Jimmy Page
1. The Train Kept A Rollin'
2. You're a Better Man Than I
3. Heartful of Soul
4. I'm Confused
5. My Baby
6. Over Under Sideways Down
7. Drinking Muddy Water
8. Shapes of Things
9. White Summer
10. I'm A Man

Uma das bandas mais pesadas e barulhentas de sua época, The Yardbirds criaram a mentalidade de volume e peso que seria explorado no hard rock da segunda metade da década de sessenta, além de serem um dos precursores do rock psicodélico. The Yardbirds, embora tendo um vocalista com uma voz fanhosa e sem muito carisma, tem nos seus guitarristas carisma de sobra. De fato, o tempo faria o nome Yardbirds sinônimo de grandes guitarristas. Infelizmente, a banda é mais lembrado hoje em dia, basicamente por ser aquela que nos ofereceu Eric Clapton, Jeff Beck e Jimmy Page, três dos guitarristas mais criativos e importantes da segunda geração do rock.
A história desta banda começa em 1963, quando os Rolling Stones se tornam banda residente no Crawdaddy Club, um clube localizado no longínquo subúrbio de Richmond, apresentando-se lá todo domingo. Inadvertidamente, os Stones tornam-se o olho de um furacão, atraindo um grande número de jovens de várias camadas sociais com sua musica. Entre os vários músicos que mais tarde se tornaram conhecidos, estão Paul Samwell-Smith e Jim McCarty, que juntos formam a cozinha (baixo e bateria) do Metropoliton Blues Quartet, um grupo de blues que tocavam em Norbiton. Eram um quarteto acústico que tocava o blues rural de Robert Johnson e afins. Ao ouvirem os Rolling Stones, logo passaram para instrumentos elétricos.
Paul Samwell-Smith sempre que podia chegava cedo aos shows dos Stones e procurava ajudar Bill Wyman a montar e depois desmontar seu equipamento, conseguindo no processo, algumas dicas sobre o instrumento e o feeling certo para o blues. Paul e Jim acabam conhecendo e convidando outro freqüentador assíduo do Crawdaddy para montar uma banda. Ele se chama Keith Relf, que por sua vez, convida seu colega de sala do Art Collage, Chris Dreja para unir-se ao grupo. Com mais a assistência de um jovem e promissor guitarrista de 16 anos chamado Anthony ‘Top’ Topham, formam em junho de 1963, The Yardbirds.
Paralelamente, outra banda de blues tocava no Marquee Club, em Londres. Era Cyril Davies & the All Stars que entre sets, tinha o habito de permitir jam sessions, que tinham em Jimmy Page, um constante participante. Ao assisti-lo tocar neste período, outro aluno de Art College, um jovem guitarrista de uma banda pouco conhecida, chamado The Roosters, se apresenta a Page como sendo Eric Clapton e faz questão de elogiá-lo. "Você soa como Mathew Murphey", então guitarrista do Memphis Slim, um elogio bem aceito. Quando Cyril Davies veio a falecer no inicio de 1964, Page desencantou com o palco e acabou sendo atraído por um convite de Glyn Johns para se tornar um sessionman, um músico de estúdio, trabalhando em discos alheios, acabando por conseguir boa fama nesta profissão.
O repertório inicial dos Yardbirds passou a espelhar o fascínio pelos Rolling Stones, tocando como eles, basicamente músicas de Bo Diddley, Howlin' Wolf e Jimmy Reed. Fazem isto porém, com a distinta preocupação de tocar versões que não pertencem ao repertório dos Stones. Preocupada em tocar estritamente rhythm & blues, a banda consegue cativar fãs e manter uma certa constância de gigs semanais. Com a crescente demanda para o blues na Inglaterra e consequentemente o aumento de shows que os Yardbirds passam a ter, em outubro de 1963, Top Topham, ainda um garoto, é obrigado pelo pai a deixar a banda para dar mais atenção aos estudos. Os demais membros, todos já com vinte anos, não quiseram influenciar o rapaz e respeitaram sua decisão.
Keith conhecia Eric Clapton do Art College, que a esta altura já havia sido expulso da faculdade por aparecer embriagado à aula. Sua banda, The Roosters, havia acabado, e Clapton foi então parar em setembro junto ao Casey Jones & the Engineers, amargando sua decisão e largando a banda depois de sete gigs. O momento não poderia ser mais propício para Keith convida-lo a entrar.
Pouco depois, The Yardbirds é convidado pelo dono do Crawdaddy, Giorgio Gomelsky, a substituir os Rolling Stones, uma vez que eles estavam agora, deixando de tocar nos clubes menores. Embora ainda puristas e sem estarem totalmente maduros, a banda assume o publico do Crawdaddy, órfão dos Stones e, aos poucos, os transformam em seu público também. Gomelsky, perdendo a oportunidade de empresariar os Rolling Stones, agarra a chance com os Yardbirds. É Gomelsky quem cria o apelido Slowhand para Eric Clapton, como também é ele que cria o famoso slogan da banda, "The five live Yardbirds" utilizado em suas apresentações.
Quando Sonny Boy Williamson (2) voltou a tocar em Londres pela ultima vez, Gomelsky consegue encaixar os Yardbirds como sua banda em alguns eventos. Williamson, que na década de trinta havia tocado com Robert Johnson, Howlin’ Wolf e Robert Jr. Lockwood, faz esses brancos ingleses sofrerem. Ele ensaia com a banda de uma maneira e propositadamente modifica os arranjos durante a apresentação. Embora a atitude de Williamson pudesse ser interpretado como a de quem está de má vontade com seus músicos, não havia como negar que o homem representa o blues em sua maior autenticidade. A experiência do encontro com o autêntico blues negro de Sonny Boy Williamson, que teve sua apresentação realizado no dia 8 de dezembro de 1963 gravada, foi um aprendizado extremamente benéfico para todos e, embora saindo chamuscados, amadurecem como banda.
A experiência leva Gomelsky a procurar um estúdio e um patrocinador para bancar a gravação da banda. Então, ainda em dezembro, os Yardbirds, patrocinados por Horst Lippmann, entram no RG Jones Studio em Surray para gravar pela primeira vez. Gomelsky atuando como produtor e ajudando no backing vocal, vai aprendendo enquanto faz. Gravam "Boom, Boom" de John Lee Hooker. Keith Relf depois é levado a compor "Happy In Your Hips" especialmente para que Lippmann possa ganhar algum dinheiro como o editor da canção. A banda grava tudo praticamente em um take, permitindo com a sobra de tempo que gravem mais uma, "Talkin’ ‘Bout You" de Chuck Berry. Satisfeitos com a sessão, Gomelsky passa a visitar as gravadoras com a fita. Decca Records demonstra interesse e a banda é convidado a fazer outra gravação que serviria como teste, para que seu representante Mike Vernon, possa levar para seus superiores e tentar um contrato. Essa sessão é realizado também em dezembro, antes do ano acabar, onde gravam "Baby, What’s Wrong?".
Não havendo ainda um conjunto de composições próprias e com um número ainda limitado de músicas no repertório, coube a Paul a idéia de aumentar o tamanho das canções com uma improvisação no miolo do tema. O conceito desta improvisação não seria da forma jazzista, onde cada músico vai tocando atrás de um solista, mas que a banda toda junta começa a criar um crescendo que quando em ápice, explode de volta para o refrão final. O estilo ou conceito foi batizado também por ele de "rave-up".
Rapidamente the Yardbirds se tornam falados no circuito de R&B, ganhando a fama de serem eletrizantes, graças aos seus rave-up's, forma diferente com que eles apresentam seu blues, bem mais pesado e selvagem. A popularidade da banda deslanchou a partir daí. É por volta desta época que surgem pichados em uma parede de Londres os dizeres "Eric Clapton is God", muito comentado então e sendo um incidente até hoje lembrado. Logo, em janeiro, com a evolução da carreira dos Stones, que passam a tocar agora somente em teatros, deixando a inviabilidade dos clubes para trás, é a vez dos Yardbirds de novamente os substituírem, desta vez no Marquee Club onde estreiam no dia 23.
Embora os esforços de Mike Vernon de convencer a Decca a assinar com os Yardbirds, é a EMI que em fevereiro, os contrata e os coloca como membros do seu outro selo, a Columbia Records. No ultimo dia do mês de fevereiro, voltam a tocar com Sonny Boy Williamson, pela ultima vez. A ocasião é o Primeiro Rhythm & Blues Festival, realizado em Birmingham. Também participando do festival estão bandas como Long John Baldry & the Hoochie Coochie Men (que também passa a ser empresariado por Gomelsky), the Spencer Davis Group e Rod Stewart & the Road Runners. O evento rende um disco, Sonny Boy Williamson & the Yardbirds, totalmente ao vivo, que só chegaria às lojas anos depois.
A banda ainda viria a lançar dois compactos, gravados em estúdio antes de trabalharem no seu primeiro album. O primeiro compacto, tinha em "A Certain Girl", o status de lado A até gravarem em inacreditáveis três minutos uma fantástica versão de "I Wish You Would". A canção é até hoje, um dos melhores e mais pesados registros da banda. Depois gravariam "Good Morning Little Schoolgirl," clássico de Sonny Boy Williamson (1). Mas para o album, Gomelsky está certo de que a melhor maneira de captar o clima de frenesi que a música da banda evoca seria gravá-los em seu habitat natural, o Marquee Club. Portanto, é ao vivo, que Gomelsky grava o album que seria chamado, "Five Live Yardbirds". Entre a firmeza da bateria de McCarty, a grave e forte presença do baixo de Smith, e as presenças marcantes das guitarras de Clapton e Dreja, como também da gaita de Relf, este disco é um clássico e primeiro registro de uma banda tocando o blues com tamanha intensidade, volume e peso. Apesar de o disco oferecer dados dando a data do evento como sendo no dia 10 de março, na realidade, ocorreu no dia 20 de março, uma sexta-feira.
O ano de 1964 não poderia ser melhor para a banda. Excursionam Inglaterra com os Stones e depois Escandinávia e outras partes da Europa, além de fazerem aparições em diversos programas de televisão de cada cidade grande em que passam. O esforço é tanto que Keith Relf, que desde a infância sofre de pneumonia, teve que faltar algumas datas de shows marcados. Na primeira vez que surgiu este problema, ele foi substituído por ninguém menos que Brian Jones, que basicamente tocou gaita para a banda. Em outras ocasiões, o próprio Mike Vernon da Decca Records, que se tornara um bom amigo do grupo, substituiu o cantor. Mas em agosto, Relf teve um problema sério no pulmão, cuja extensão foi mantido em segredo até pelos demais membros da banda. Hospitalizado, com os pulmões enfraquecidos, correu perigo de vida. Porém, após um mês de repouso, estava recuperado, voltando no dia 21 de setembro para continuar a excursão da banda, que acompanhava os Kinks. Neste meio tempo, a banda tinha nos vocais Mick O’Neill dos Authentics. O resto do ano correu relativamente bem, incluindo uma apresentação memorável no Richmond Jazz & Blues Festival.
Mas é no inicio de 1965 que a banda tem a primeiro grande crise, coisa que não será incomum na sua história. O empresário Giorgio Gomelsky, visando colocar uma canção da banda nas paradas de sucesso, passa a ditar material comercialmente viável, para eles gravarem. O primeiro exemplo desta influência é a canção "For Your Love" lançado em Março de 1965. Eric Clapton, purista e temperamental em relação a sua musica, achou ultrajante a guinada comercial proposta e aceita pelos demais. Ele então assume suas convicções e deixa a banda.
O tino comercial de Gomelsky estava certo. "For Your Love", mesmo só com Chris Dreja no violão, e mais a participação especial do jovem Brian Auger, tocando um cravo, chega a No.2 no Reino Unido e consegue entrar nas paradas americanas, um grande feito. Mas o preço foi a perda de seu guitarrista carismático. Gomelsky apazigua os ânimos prometendo trazer o guitarrista Jimmy Page, nome extremamente conhecido entre os estúdios profissionais ingleses e de fama muito mais comprovada do que a do então jovem Eric Clapton. Page porém recusa o serviço, por duas razões. Primeiro, ele andava com a saúde instável, uma das razões por escolher a profissão de músico de estúdio, ofício que não precisa lidar com viagens. Estava com uma cota boa de trabalho e com mais dinheiro no bolso, do que muito pop star. Page não tinha necessidade ou desejo de mudar de vida. O segundo motivo é que ele tem Clapton como um amigo e não deseja tomar o seu lugar. Com a insistência de Gomelsky, Page fala de seu amigo e vizinho Jeff Beck, um nome totalmente desconhecido.
Jeff Beck que chegou a tocar esporadicamente com Long John Baldry & the Hoochie Coochie Men em final de 1963, a esta altura estava tocando com sua banda The Trident, por quase um ano. Depois de um certo gig, Gomelsky, um homem muito grande, passa o braço pelo pescoço e ombro, quase dando uma gravata no magricelo Beck e já começa falando, "E se eu te dissesse que eu te colocaria na melhor banda do momento, tendo um contrato com uma gravadora, deixando você como guitarrista principal e com toda a liberdade de criar?" Os olhos do jovem brilharam com a proposta, mesmo que em momento algum, Giorgio tenha falado o nome Yardbirds. Como Jeff Beck mesmo diria em retrospecto: "Quem não iria querer tocar com os Yardbirds?"
Gomelsky bancou um banho de loja para Beck, além de um corte de cabelo, e até cordas novas pra sua guitarra velha e surrada. Mas Beck retribuiu em dobro. Inicialmente preocupado em tocar o material como Clapton, com intuito de agradar os fãs, aos poucos Jeff Beck começou a ajudar a banda a expandir seus horizontes, indo em direções impensáveis se tivessem ficado com Eric Clapton. Utilizando um pedal, especialmente desenvolvido e presenteado pelo seu amigo Jimmy Page, Jeff Beck distorce a guitarra e utiliza feedback, até estourar o seu amplificador. Toca pulando, toca com a guitarra nas costas e cria efeitos novos, que passam a ser chamados de psicodélicos. Logo serão imitados por quase todos as outras bandas.
Paul, Keith e aos poucos Jim, agora passam a compor seu próprio material com maior regularidade, e se por um momento, com a saída de Clapton, a direção da banda parecia ir para o pop chiclete, as composições novas, somadas às idéias ricas de Jeff Beck, Chris Dreja e Jim McCarty para o som geral, levam a banda a ser uma das precursoras do psicodelismo. A banda lança uma serie de compactos e passa a habitar com relativa constância as paradas de Top 20. O segundo album, "Having A Rave Up With The Yardbirds", é uma aglomeração de compactos, juntando as fases de Jeff Beck com as com Eric Clapton. Entre os destaques estão, canções como "Heart Full of Soul", "Still I’m Sad" e "The Train Kept A’ Rollin’".
É em 1965 que os Yardbirds passam a viajar freqüentemente para os Estados Unidos em excursões cansativas. Porém, às vésperas da primeira ida da banda para a America, Beck passa na casa de Jimmy Page e presenteia-lhe com uma rara Telecaster 1958, uma forma de agradecer o favor do amigo em tê-lo indicado. Nos Estados Unidos, The Yardbirds com Jeff Beck deixa o publico atônito com o volume, peso e zoeira dos seus rave-up’s. Em Memphis, Gomelsky consegue marcar hora no Sun Studio e convence Sam Phillips a pessoalmente assistir à sessão. Gravam "The Train Kept A’ Rollin’". Keith, já bêbado, precisou refazer seus vocais outro dia. Em Chicago, visitam o Chess Studios e gravam "Shapes of Things" e uma versão de estúdio de "I’m A Man", agora com Beck na guitarra.
A banda excursiona seguidamente por toda Europa e duas vezes pelos Estados Unidos, deixando os nervos de Jeff Beck em estado de caos, estressado por tantas viagens. Os rave-up's continuam, mas basta Jeff Beck não gostar do amp da casa, que o mal humor leva o espetáculo aos raios do absurdo. Beck passou a ser conhecido por chutar amplificadores durante o espetáculo. Certa vez, possivelmente em Novo Mexico - EUA, ele teria jogado um amp ruim, pela janela de uma casa noturna, durante um show. Temperamental, Beck tocaria bem um dia e mal nos próximos três. Reclama de seguidas dores de cabeça e falta shows para poder namorar. O ambiente entre os membros está cada vez mais pesado e estafante.
Gomelsky então pula fora e vende seu contrato para Simon Napier, que se torna o segundo empresário da banda. Napier ganha o grupo na conversa, falando sobre adiantamento sob direitos autorais da gravadora, coisa que nunca passou pela cabeça dos músicos. Já entrando no ano de 1966, Jeff Beck passa a ocasionalmente convidar Jimmy Page a se juntar à banda, para que os dois ex- vizinhos, possam tocar juntos novamente. Paul Samuel-Smith, também estafado, já está tomando conta dos arranjos e produção da banda, produzindo o proximo compacto "Over Under Sideways Down."
Jimmy Page declina seguidamente os convites de Beck, mas o ano de 1966 prova ser relativamente estafante também para ele. No íntimo, está cansado do trabalho de estúdio, tocando cada vez mais para artistas de qualidade duvidosa, mesmo que seja por um bom dinheiro. Aos poucos a idéia de participar de uma banda começa a amadurecer em sua cabeça. Então Page acaba aceitando um convite do Beck para assistir os Yardbirds no final de maio. Tocando para uma festa de gala de universitários, dividem o show com os Hollies, cada banda tendo que tocar três sets. No primeiro, a recepção do público estava bastante fria. Nos bastidores depois, Keith Relf passa a beber irresponsavelmente, enquanto brinca com Allan Clarke de judô, quebrando algumas bandejas, passando depois para pedaços de madeira. Em dado momento, com um golpe mal dado, Relf acaba quebrando dois dedos, o que o leva ele a beber ainda mais para anestesiar a dor. Durante o segundo set da banda, Keith Relf está totalmente trôpego, e evidentemente canta muito mal, sendo ostensivamente vaiado e por isso, se achando no direito de ocasionalmente mandar todo mundo pra aquele lugar. Para completar o vexame, Relf acaba tropeçando e caindo de costas sobre a bateria, desmaiado no meio do set. Saiu carregado enquanto Jimmy Page está na plateia às gargalhadas, assistindo o que ele considera um exemplo fantástico da vida em uma banda tocando ao vivo. No estúdio, não há lugar para imprevistos e surpresas desta natureza. Quando a banda volta para o palco pela terceiro vez, faz um set instrumental.
Totalmente enojado com a atitude displicente de Relf e já cansado dos aprontes de Beck, Paul Samuel-Smith avisa que não tocará mais com o grupo e convida Dreja e McCarty a saírem com ele. Os dois preferem continuar com o grupo. Smith seguiria trabalhando como produtor dos Yardbirds e, aos poucos, como empresário de alguns artistas, tendo administrado por um curto período, a carreira de Cat Stevens.
Beck ficou bastante sem graça ao ver Page assistindo todo o desenrolar da noite, logo quando ele veio para conferir a viabilidade de entrar na banda. Mas para a sua surpresa, Jimmy de muito bom humor, logo se oferece para assumir o baixo enquanto não arrumam outro baixista. A nova formação dos Yardbirds estreou ao vivo no Marquee Club em junho de 1966. Simon Napier ao saber da entrada do Jimmy Page na banda, chamou todos de loucos. Encostou Jeff Beck no canto para explicar que ele Beck, era o estrela da banda e convidar um músico tarimbado como Jimmy Page era uma loucura. Mas Page, ganhou todos na simpatia e a banda votou a favor de mantê-lo.
Embora Jimmy Page já tenha tirado férias na California em 1965, é como baixista dos Yardbirds que, pela primeira vez, ele chega ao país para dar um espetáculo. Sua estréia no Whiskey A-Go-Go de Los Angles foi marcado por sua ânsia de tocar. O som da banda, mesmo sem premeditar, instintivamente ficara ainda mais pesado, como também mais alto. Quando a banda chega em San Francisco, Jeff Beck com dor de garganta, novamente se recusa a tocar. Temperamental e vaidoso, essas crises de Beck vêm se tornando cansativos e estressantes para toda a banda. Concordou-se então que Chris Dreja e Jimi Page trocariam de instrumentos. Quando o publico viu Jimmy Page na guitarra e os Yardbirds sem Jeff Beck, as vaias e o mau humor geral se instalaram. Não obstante, bastou Page começar a tocar pra calar a boca de todos. Ou melhor, deixá-los de boca aberta, pois além de manter os estilos de Clapton e Beck nas canções marcados por esses artistas, Jimmy mostrou que ele tinha seu estilo próprio também. Para isso pegou um arco de violoncelo e usou na guitarra, conseguindo efeitos em um espetáculo nunca vistos antes na América, embora o truque já fora feito primeiramente na Inglaterra por Eddie Phillips, guitarrista dos Creations. Ao final do show, a banda tinha a certeza de que, caso Beck continuasse a ter seus "de repentes", o show agora estaria assegurado com Jimmy Page.
O restante da excursão é material lendário. Com a dupla de guitarristas Jeff Beck e Jimmy Page, com Chris Dreja agora fixo no baixo, a América assistiu história. Nunca se ouvira nada tão alto ou pesado antes. Se Page elevou o volume geral da banda estando no baixo, quando passou a tocar sua Telecaster '58 vermelha, a banda aumentou os decibéis ainda mais. Jim McCarty mal conseguia ouvir sua bateria e Keith Relf passava sufoco, com uma guerra inglória para tentar se ouvir também. Mas era o peso, alem da técnica, que destacava os Yardbirds de todas as outras bandas existentes.
De volta à Inglaterra, excursionam novamente abrindo os shows dos Rolling Stones. Foi difícil para os Stones manter seu status de atracão principal, com a diferença de volume, quase três vezes mais alto, e musicalidade entre as duas bandas. Nunca foi a intenção dos Rolling Stones de apresentar um show de exímia técnica na guitarra. Sua musica reflete rhythm & blues e rock & roll em sua expressão mais plena. Embora os Yardbirds começaram pelo mesmo enfoque, evoluiriam para esse massa sonora que a imprensa passava a comparar ao volume de uma Terceira Guerra Mundial.
Os amigos Page e Beck, quando em Londres, passavam o tempo ensaiando só os dois, para que os solos tivessem um efeito de estéreo ao vivo. Nesta época, Napier conseguiu atrelar os Yardbirds a um filme do diretor Antonioni, que veio a se chamar "Blow-Up". Antonioni queria fazer um filme sobre a "Swingin' London" e teria uma cena acontecendo em um clube que, em sua inspiração inicial, teria a banda The Who, com Pete Townshend destruindo sua guitarra. Sem conseguir entrar em um acordo com aquela banda, Napier aproveitou a oportunidade e colocou os Yardbirds, com Jeff Beck para a cena. Beck evidentemente recusou-se a destruir a sua guitarra e lhe foram entregues diversas guitarras de mentira, para ele praticar e depois fazer a cena. A canção escolhida, "Train Kept A- Rollin’" teve problemas em relação aos direitos autorais e não pôde ser incluída no filme. Então uma versão com nova letra foi rapidamente escrita por Keith Relf, nascendo assim a canção "Stroll On".
Em estúdio, a intenção de se ouvir duas guitarras em estéreo feito pela dupla de guitarristas é percebida na canção "Stroll On" e "Happenings Ten Years Ago". É importante destacar o fato que, em toda a carreira dos Yardbirds, nunca houve uma produção maior para suas gravações. Em geral, o que você escuta nos discos é o trabalho da banda tocando ao vivo no estúdio, salvo os vocais. Overdubs geralmente incluíam apenas a gaita ou detalhes, como palmas. Segundo Keith Relf, muitas vezes ele estava escrevendo uma letra na cabine de voz, aguardando a vez, enquanto a banda estava gravando a base. O processo geralmente incluía uma ou duas passagens da musica para se acertar equalização dos volumes e uma ou duas passagens já gravando valendo. Depois, passavam para gravar a voz, gaita, etc, em seguida mixando tudo. Até o final do ano, seria lançado o album Yarbirds, também conhecido como Roger The Engineer, título do desenho da capa. É o primeiro e único album da banda a não amontoar compactos de fases diferentes. O album apresenta a banda tomando riscos musicais ímpares, tendo a canção "Shapes of Things" como ápice de suas contribuições psicodélicas. Apresenta também uma maior participação de Jim McCarty e Chris Dreja nas composições novas da banda. Ainda seria gravada a canção "Psycho Daises", contendo a dupla de guitarristas Beck e Page como atração, mas este só seria lançado em compacto no final do ano, Jeff Beck já estando fora da banda.
The Yardbirds, já em outubro, voltam a excursionar América, tomando parte na "Caravana de Estrelas" de Dick Clark, em seu show ambulante. Por cinco semanas dentro de um ônibus, todos da troupe, que incluía grupos pop como Gary Lewis, Sam the Sham & the Pharaohs, e Brian Hyland, estarão viajando de costa a costa dos Estados Unidos de ônibus. As condições, dado o histórico do seu guitarrista temperamental, era um convite ao desastre. Fazendo dois shows por noite, após três dias viajando em um ônibus, Jeff Beck enlouqueceu. No meio do show ele derrubou uma pilha de amplificadores, destruiu sua guitarra e abandonou o palco. Sem esperar ninguém, ele deixou o local, pegou um avião para Los Angeles e esperou o resto da banda lá, o ponto final da excursão. Page assumiu a posição de guitarrista líder e quando chegaram finalmente em Los Angeles, apesar de Beck os receber cheio de mazelas e pedindo mil desculpas, ele foi dispensado. Ninguém da banda queria mais saber dele ou ter que lidar com seus descontroles emocionais em viagem.
Assim acabou a formação mágica e histórica. Em cerca de 18 meses em que Jeff Beck esteve com os Yardbirds, ele levou o grupo a explorar outros terrenos musicais, e no caminho mudou o conceito de guitarra mais do que qualquer outro guitarrista na década, excluindo Jimi Hendrix.
Enquanto isso, na Inglaterra, Simon Napier-Bell vende seu contrato com os Yardbirds para a dupla Mickie Most e seu sócio Peter Grant. Uma das razões possivelmente fosse a de estar cansado de ter que lidar com Jimmy Page, que como veterano de estúdio, vivia questionando os pagamentos feitos ao grupo e seus reais valores. Quando a banda chega da excursão, os novos donos de seus contratos descobrem sobre o descontentamento da banda em relação a Beck. Mickie Most então se mostrou mais interessado em trabalhar com Jeff Beck e deixou os Yardbirds na mão de Peter Grant, trabalhando com eles apenas como produtor de seus discos.
Mickie Most era nesta época um dos maiores e mais bem sucedidos produtores da Inglaterra. Mas o tipo de material que ele está acostumado a trabalhar é composto de canções pop de até três minutos, como atesta os seus maiores sucessos da época, Herman’s Hermits, Lulu e Donovan. Infelizmente as próximas gravações da banda refletem bastante esta mudança de mentalidade. Apesar de seus shows ao vivo serem comparados à "Terceira Guerra Mundial", o que é lançado é material típico de radio AM. Gravações como "Little Games", "Haha Says The Clown" e "Ten Little Indians" não são das mais felizes, e adicionam tensão nos já desgastados nervos da banda. Mesmo porque são canções compostas por desconhecidos e que sequer têm a participação da banda nas gravações. Apenas de Jimmy Page e uma equipe de músicos de estúdio, com a qual Mickie Most está acostumado a trabalhar. O mais constante entre estes sendo John Paul Jones, baixista e arranjador predileto de Most.
Esses trabalhos, bem aquém do potencial da banda, deterioram o bom nome dos Yardbirds, embora Chris Dreja, Jim McCarty e Keith Relf, os mais antigos, já nem se importam mais. Estão tão desmotivados com o material oferecido e o tratamento da gerência sobre a banda, que se satisfazem em ficar fumando maconha e tomando ácido, ignorando o futuro. Mickie Most promove compactos caprichados para consumo juvenil e não tem maior interesse em relação a LP's. Quando a banda exige gravar, Most permitia um take apenas e não deixa o grupo ouvir o resultado. O mal estar permanece e todos, principalmente Jimmy Page, se irritam com esta mentalidade antiquada de se trabalhar. Estava obvio para Page e Dreja que a música, como também o gosto musical do público já mudara. Já aparecem na cena roqueira, bandas como Cream, Traffic, Vanilla Fudge, Free e The Jimi Hendrix Experience, para elevarem o volume e as concepções para patamares incríveis. Jim Marshall, com a ajuda do The Who está desenvolvendo os amplificadores Marshall para logo poderem oferecer volumes impensáveis, retendo ainda qualidade sonora, sem rachar os alto falantes. O tempo não poderia ser melhor para os Yardbirds voltarem a atacar em grande estilo. Mas o grupo parecia desmotivado, perdido e cansado, como também, mal administrado.
Enquanto o desdém corrói os Yardbirds, Jeff Beck estava sendo bem assessorado por Mickie Most, que montou uma banda ao redor de seu talento. Em um ano ele estaria excursionando em um passo menos frenético com o seu recém criado Jeff Beck Group. Peter Grant, por sua vez, acaba optando por comprar de Most sua parte do contrato dos Yardbirds. Depois os leva novamente para a estrada, desta vez o grupo indo tocar em Singapura e Austrália. Diferente da maioria dos empresários, Grant acompanhava a banda nas viagens, protegendo seus interesses, e esse companheirismo aproximou muito as relações com a banda, principalmente com Jimmy. De fato, esta excursão é a primeira que a banda percebe como lucrativa. Depois, Page não volta pra Inglaterra, preferindo ir para a Índia, passando alguns dias ouvindo músicos intinerantes tocar pelas ruas. Já vestidos em roupas psicodélicos como todos os membros de sua geração, Relf e McCarty estão cansados da banda e passam a ter um crescente interesse em folk inglês. Mas Grant os deixam sempre ocupados, excursionando novamente Escandinávia, depois Japão e por último, França. Enquanto os demais estão tomando ácido diariamente, Page aceita o papel de representante do grupo para entrevistas, divulgando a banda e as propostas musicais.
Os Yardbirds voltam a gravar algumas coisas juntos durante 1967, as últimas coisas lançadas pela banda. Entre estas estão canções como "Glimpses" que oferece Jimmy Page tocando a guitarra com o arco, registrado em disco pela primeira vez. "White Summer" com fortes influencias de folk tradicional inglês, coisa que será mais explorado nas futuras bandas de Page, Relf e McCarty, e "Think About Me" primeira composição de Jimmy Page para o grupo, que inclui um solo de guitarra que seria reaproveitado em "Dazed And Confused" saindo em disco somente com o Led Zeppelin. O produto desta fase sai em 1968, apenas no mercado americano, com o nome de "Little Games".
Novamente é válido salientar a importância da presencia de Peter Grant, junto à banda durante as excursões e como essa presença se traduz em dinheiro para a banda. Grant, que continuou a trabalhar com Jimmy Page no Led Zeppelin; pode ser visto no filme "The Song Remains The Same" (Rock É Rock Mesmo) em dado momento, esculachando algum funcionário do Madison Square Garden, por deixar um ambulante vender posters não autorizados do Led Zeppelin, pelos corredores do estabelecimento. Grant acusa o responsável de permitir o ponto de venda ilícito em troca de um percentual. A cena ilustra bem seu poder de intimidação e como ele o usa, neste lado do seu trabalho. Com os Yardbirds, existe pelo menos uma história similar, porém em situação bem mais hostil. Em Warwick, Rhode Island, o menor estado dos Estados Unidos, os Yardbirds iriam tocar em algum parque de diversão no verão. À caminho, o ônibus foi obrigado a parar e dois promotores italianos entraram mostrando suas armas e avisando que todo mundo iria morrer. A idéia possivelmente era intimidar os músicos assim eles acabariam obrigados a trabalharem por bem menos do que previamente concordado. Grant levantou e encarou os dois, empurrando-os com seu corpo enorme pra trás, gritando "Vocês vão fazer o que? Vocês vão fazer o que?". Grant empurra a dupla de gangsters para fora do ônibus, ambos espantados e perplexos com o gigante intimidador.
É nesta excursão americana, precisamente em Nova York, que a banda vai ao Café A-Go-Go para assistir Janis Ian mas acabam impressionados com o trio folk que abre a noite. O trio era composto por Jake Holmes e mais dois amigos. Uma música em particular marcou a noite, com um baixo hipnotizante que chama a atenção de toda a banda. A canção se chamava "Dazed And Confused" e todos concordaram que ela serviria bem como material dos Yardbirds. Jim McCarty comprou o disco de Holmes e passaram a estudar a canção. Keith Relf reescreveu outra letra e Page reaproveitou uma idéia no solo utilizado anteriormente em "Think About Me". Chamando a canção de "I'm Confused", ela teve sua estreia quando a banda tocou no Madison Square Garden em dezembro de 1967.
Voltam à Inglaterra para o Natal e Ano Novo mas antes de janeiro terminar estão de volta aos Estados Unidos para o que acabou sendo a última excursão da banda. Terminando em Nova York, já em Abril, gravaram o último show, porém o equipamento foi microfonado amadoristicamente e o resultado auditivo foi catastrófico. Este material seria lançado em 1971 como Live Yardbirds Featuring Jimmy Page, mas em função do horrível trabalho feito na gravação, acoplando palmas falsas e equalizações equivocadas, a banda processou a gravadora e conseguiram tirá-lo do mercado. Material favorito entre pirateiros, o disco conseguiu finalmente uma versão decente após o surgimento de gravação digital. O CD hoje disponível no mercado é uma edição e remixagem da fita original somados a uma cópia pirata feito por alguém que estava presente na plateia naquela noite. Com uma qualidade auditiva de "baixa fidelidade", o disco é um registro histórico interessante onde podemos perceber pelo repertório, que inclui material antigo, recente e novo, a metamorfose em que a banda se encontra.
Antes de voltarem à Inglaterra, gravam no estúdio da Columbia Records uma seqüência de composições pensando em um futuro álbum. Este ultimo álbum acaba nunca acontecendo, mas entre o material que fora gravado nesta sessão consta as canções "Spanish Blood", "Avron Knows", "Knowing That I'm Losing You", "Taking A Hold On Me", além de duas versões alternativas para os já lançados "White Summer" e "Tinker Tailor". Também havia uma canção que reapareceria na década de setenta no material de Led Zeppelin, com o nome de "Tangerine".
De volta à Inglaterra, Relf e McCarty estão prontos para entregar a toalha. Estão cansados de estarem tocando praticamente as mesmas musicas desde 1963 e ambos estão apreciando mais o som de bandas que trabalham com o folk, mormente o Fairport Convention. Após uma apresentação no Luton Technical Collage, os dois informam Grant que não desejam continuar com o grupo, assim terminando melancolicamente em julho de 1968, a trajetória de uma das melhores bandas ao vivo da primeira metade da década de sessenta. Peter Grant informa Jimmy Page da posição tomada pelo seu baterista e vocalista. Com shows marcados para o outono na Escandinávia, e mais opções para show na Austrália e Japão, Grant e Page concordam que o melhor seria continuar com os Yardbirds, procurando novos membros. Mas quando Dreja resolve também deixar o grupo para se dedicar a fotografia, os Yardbirds passam a se apresentar como The New Yardbirds, com três novos membros e abandonando todo o repertório associado ao antigo Yardbirds. Pouco depois, mudariam de nome para Led Zeppelin, mas essa já é outra historia.
Precisaria as excelentes carreiras de Jimmy Page no Led Zeppelin e Jeff Beck com seu Jeff Beck Group na década de setenta, para levar jovens a pesquisar seus trabalhos anteriores e redescobrirem os Yardbirds. Descobrir também que a carreira do Eric Clapton não começa com Cream ou The Bluesbreakers. Mas se a banda foi tão importante assim, porque foram tão pouco vangloriados em sua época?
Grande parte da culpa está na incapacidade da banda de compor canções para o ouvinte de rádio. Apesar do sucesso de "For Your Love", em cinco anos de banda, apenas nos 18 meses com Jeff Beck foi que the Yardbirds teve uma maior quantidade de músicas entre o Top 20. Outra contribuição negativa reside na falta de percepção da banda e de seus produtores para a mudança do mercado que passava a dar cada vez mais importância a álbuns com uma identidade própria, e não apenas a união de alguns compactos mais canções com intuito de apenas preencher o espaço restante do vinil. Outro mal que assolou constantemente a banda foi má gerenciamento por parte dos empresários. Apesar da banda ao vivo não ter igual, dificilmente foram atrações principais em festivais e grandes concertos. Por conseguinte, o status da banda era extremamente inferior ao de bandas que foram relativamente influenciados por eles, como Cream e Vanilla Fudge entre outros.
The Yardbirds voltaria a surgir as vésperas do novo milênio. Mas para entender melhor como e porque, vale a pena seguir as carreiras de alguns de seus dissidentes.
Assumindo de vez o descontentamento com suas carreiras no Yardbirds, Jim McCarty e Keith Relf inicialmente começaram um projeto que se chamou Together. Mas o projeto sofreria uma metamorfose transformando-se em 1969 na banda Renaissance. Na formação, além dos dois ex- Yardbirds, está Annie Haslem e a irmã de Keith, Jane Relf nos vocais; Loui Cenammo no baixo, John Tout nos teclados e Michael Dunbar na guitarra. Inicialmente influenciados pela música de bandas como The Fairport Convention, lançam dois discos de folk-rock progressivo, ambos produzidos por Paul Samuel-Smith, com um elenco variado de músicos extras. O segundo álbum, lançado em 1971, já está inclinando para a direção na qual a banda ganharia maior fama. Antes porém, discussões internas acabam por afugentar dois dos três membros iniciais. Jim McCarty deixaria finalmente o Renaissance em 1973, depois do disco "Ashes Are Burning", a banda ficando agora sob o comando da Annie Haslem.
McCarty volta a trabalhar com os irmãos Relf montando em 1976, Illussion, banda que segue a linha inicial de Renaissance. Antes de iniciarem o que seria o segundo disco do grupo, Keith Relf toma um choque de sua guitarra, morrendo eletrocutado no porão de sua casa, onde ficava seu estúdio. Ele foi encontrado pelo seu filho na manha seguinte, ainda com headfones. O disco que seguiu, "Out of The Mist", é gravado em tom de requiem para o cantor e contou com a participação de Paul Samuel-Smith não só na produção, como também nos vocais.
Illussion não durou muito depois disto e McCarty reapareceria em 1983 ao lado de Chris Dreja e Paul Samuel-Smith, mais John Fiddler nos vocais, formando the Box of Frogs, banda que tinha a intenção de apenas marcar a inauguração do novo Marquee Club, que acaba de ser reaberto. O que começou inicialmente como apenas uma apresentação acaba se transformando em uma banda que lança dois discos muito bem aceitos pela critica especializada. O disco de estréia, lançado em 1984, oferece uma formação eclética com guitarristas convidados Jeff Beck e Rory Gallagher e tecladista Max Middleton entre outros. O disco seguinte, saindo em 1986, tem novamente outra série de convidados como Jimmy Page, Steve Hackett, Ian Dury, Graham Gouldman, Graham Parker, John Knightsbridge, além de Rory Gallagher e Max Middleton, entre outros. Pouco depois, Paul Samuel-Smith deixa o grupo, mas o Box of Frogs acaba viabilizando a possibilidade do ressurgimento dos Yardbirds na década de noventa.
Mas antes, em 1988, McCarty volta a fazer música com seus ex-companheiros de Renaissance e Illussion, Loui Cenammo e Jane Relf. Investem em um som mais para new-age, tendência musical da época. Participando de uma feira Yardbirds, Jim encontra Top Topham, primeiro guitarrista dos Yardbirds, que não vê a mais de vinte anos. Este encontro muda a orientação musical de McCarty novamente para o blues, montando assim The Jim McCarty Band. Além de Jim McCarty na bateria e Top Topham na guitarra, a formação da banda inclui um jovem fã dos Yardbirds chamado John Idan na outra guitarra e Loui Cenammo no baixo. O repertório passou a naturalmente incluir material dos Yardbirds. Com algumas metamorfoses e tentativas falidas de gravar o combo, Topham e Cenammo desentendem-se e os dois deixam o grupo. Músicos são substituídos como também o nome do conjunto, passando a se chamar The Jim McCarty Group para depois ganhar o pomposo nome de The British Invasion All Stars. Esta ultima formação, é de longe a mais interessante, pois já inclui os esforços somados de Eddie Phillips ex-Creations, Ray Phillips do Nashville Teens, mais Keith Grant e Don Craine do Downtown Sect. Gravam o disco "Regression", tocando números fortes como "Train Kept A Rollin'", "House of the Rising Sun", "My Generation", "Honky Tonk Woman" e "Around and Around".
No ano seguinte junta-se a este grupo Matthew Fisher, ex-Procol Harum, Phil May e Dick Taylor ex-Pretty Things e Mick Green ex-Pirates, formando uma química forte, porém mais suavizada, com um repertório que também passa a incluir números como "Green Onions" "Don't Let Me Be Misunderstood" e "Bright Lights, Big City". Com a saída de Fisher e a entrada de Noel Redding ex-Experience em 1990, o som volta a puxar mais para o pesado e a banda é rebatizada agora de The Yardbirds Experience. A banda aceita o desafio de gravar uma versão de "Communication Breakdown" e "Whole Lotta Love" além de um tributo a Hendrix com um medley que inclui "Hey Joe", "Wind Cries Mary" e "Purple Haze", no CD que saiu deste trabalho.
Quando em 1992 The Yardbirds é nomeado para ser incluído no Rock n’ Roll Hall of Fame, o evento instiga uma reunião da banda que, apresentam-se para a cerimônia com uma formação que inclui além de Jim McCarty e Chris Dreja, Jeff Beck, Jimmy Page e o ex-10cc Graham Gouldman, autor de "For Your Love", entre outros hits do repertório original da banda. A partir da aceitação do publico neste show, Chris Dreja e Jim McCarty passam a contemplar seriamente reavivar o nome Yardbirds.
Mas foi somente em 1996 que Dreja e McCarty passam a excursionar novamente utilizando o nome. Desta vez com uma formação fixa que inclui Alan Glen que já tocara com gente como Alvin Lee e Dr. Feelgood na gaita e percussões; Gypie Mayo, outro ex-Dr. Feelgood, um talentoso guitarrista que mantém a tradição da banda por grandes guitarristas e John Idan ex-Jim McCarty Band, no baixo e vocalista principal, fechando o grupo. A banda além de representar o repertório clássico da banda, viabiliza a inserção de material novo, composto geralmente pela dupla Dreja e McCarty.
Somente na década de oitenta a a critica especializada voltaria a refletir e conceder a devida importância the Yardbirds merece, ofuscados em parte, pelas incríveis carreiras de seus guitarristas Eric Clapton, Jeff Beck e Jimmy Page. Os rave-up's, concepção criado pelos Yardbirds, antecipa em até três anos a concepção de power blues tão em voga a partir de 66/67. Cream, tão respeitado por instituir o improviso livre no rock, nada mais fez, do que esticar a concepção do rave-up criado pelos Yardbirds. Enquanto a demanda nas rádios era regido por canções pop melódicos, como a dos Beatles em 1965, the Yardbirds com Jeff Beck, estavam criando os princípios do psicodelísmo. Intuitivamente na vanguarda, má gerenciamento somados a falta de profissionalismo por parte dos seus integrantes, fizeram a banda perder aos poucos, quase todo o seu público, especialmente na Inglaterra. A nova banda que hoje excursiona com o nome Yardbirds, mesmo que usurpando esta historia para vender ingressos, é a última oportunidade de se assistir um pouco da energia que emanava deles na década de sessenta.

Download: Parte 1 - Parte 2
Senha: chrisgoesrock.blogspot.com

As revelações do Genesis ( link corrigido )

2006-04-26T08:28:00.000-03:00

Genesis - From Genesis To Revelation
01. Where The Sour Turns To Sweet
02. In The Beginning
03. Fireside Song
04. Serpent
05. Am I Very Wrong?
06. In The Wilderness
07. Conqueror
08. In Hiding
09. One Day
10. Window
11. In Limbo
12. Silent Sun
13. Place To Call My Own
Bonus:
14. Winter's Tale
15. That's Me
16. Silent Sun

No decorrer de mais de 20 anos de carreira a banda Genesis foi representante entre as melhores e mais influentes bandas do rock progressivo da década de 70, se tornando aos poucos, no decorrer da década de 80, mais uma entre tantas outras bandas de rock pop que infestam as rádios e MTV. Embora os últimos passos de sua carreira não tenham sido dos mais gloriosos a sua importância na evolução do rock foi inegável.

A primeira formação da banda contou com Tony Banks (teclados), Peter Gabriel (vocal), Anthony Phillips (guitarra, que logo seria substituído por Steve Hackett), Mike Rutherford (guitarra) e Chris Stewart (baterista que logo após a formação da banda seria substituído por John Silver) todos estudantes da Chaterhouse British School. Logo abandonariam a escola para se dedicar exclusivamente à banda, conseguindo um contrato com a Decca Records para lançar seu primeiro disco, "From Genesis to Revelation" em 1969. Logo após o lançamento deste primeiro disco assumiu a bateria John Mayhew que sairia logo após a gravação do segundo disco, "Trespass", para ser substituído por Phill Colins.
Com a nova formação lançaram em 1972 o terceiro disco, "Nursery Cryme" e passaram a desenvolver em palco uma performance teatral multimídia (visual e sonora) que era uma das marcas das primeiras bandas progressivas. Peter Gabriel se apresentava com maquiagem e máscaras, recitando poemas e narrando contos entre as músicas.
Apenas com o quarto álbum, "Foxtrot", de 1972 e o primeiro registro ao vivo ("Genesis Live" de 1973) conseguiriam uma boa repercussão e vendas em seu país natal. "Selling England By The Pound" de 1973 seria o primeiro disco a alcançar o mercado americano, sendo que desde então todos os álbuns da banda foram sucessos absolutos de vendas.
A esta época o estilo do Genesis já havia evoluido e se classificava entre bandas de rock progressivo, marcadas por arranjos musicais complexos, conceitos que uniam várias músicas de um mesmo álbum e letras profundas.

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John Dawson Winter III

2006-04-25T17:54:00.000-03:00

Johnny Winter - Second Winter
1. Memory Pain
2. I'm Not Sure
3. The Good Love
4. Slippin' and Slidin'
5. Miss Ann
6. Johnny B. Goode
7. Highway 61 Revisited
8. I Love Everybody
9. Hustled Down in Texas
10. I Hate Everybody
11. Fast Life Rider

John Dawson Winter III, mais conhecido como Johnny Winter (nascido em 23 de fevereiro de 1944) é um guitarrista e cantor de blues norte-americano.
Nascido em Beaumont, Texas, Johnny começou a se apresentar ainda jovem com seu irmão Edgar Winter, que, assim como ele, é albino. Seu primeiro disco (Schoolboy Blues) foi lançado quando Winter tinha 15 anos de idade. Em 1968 ele começou a tocar em um trio com o baixista Tommy Shannon e o baterista Uncle John Turner. Um artigo na revista Rolling Stone ajudou a gerar interesse no grupo. O álbum Johnny Winter foi lançado no final do ano. Em 1969 o trio se apresentou em vários festivais, incluindo Woodstock.
Em 1973, depois de se livrar das drogas, Winter retornou em forma com Still Alive and Well. Em 1977 ele produziu o álbum Hard Again de Muddy Waters. A parceria resultaria em várias indicações ao Grammy, e Johhny gravou o álbum Nothing But Blues com os integrantes da banda de Muddy.
Em 1988 ele foi incluído no "Hall da Fama do Blues".

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Venha Zentirr o Barulio... :-) - Link Corrigido

2006-04-07T09:21:00.000-03:00

Slade - Greatest Hits: Feel The Noize

01. Get Down And Get With It
02. Coz I Love You
03. Look Wot You Dun
04. Take Me Bak 'ome
05. Mama We're All Crazy Now
06. Goodbye T`Jane
07. Cum On Feel The Noize
08. Skweeze Me Pleeze Me
09. My Friend Stan
10. Everyday
11. The Bangin' Man
12. Far Far Away
13. Run Run Away
14. In for a penny
15. We'll Bring The House Down
16. Lock Up Your Daughters
17. My Oh My
18. How Does It Feel
19. All Join Hands
20. Radio Wall Of Sound
21. Merry Xmas Everybody

Uma das mais importantes banda inglesas de todos os tempos, o quarteto de ferro do Slade é formado por Noddy Holder (vocals, guitar), Dave Hill (guitar), Jimmy Lea (bass) e Don Powell (drums). Esses quarto músicos despontaram no cenário em 1966, com o single “You better Run” produzido por Kim Fowley.
Os anos seguinte não trariam nenhuma novidade para os músicos. O cenário não dava espaço para novas bandas com o tipo de som que o Slade fazia e com o visual que tinham seus integrantes.
Com a entrada da década de 70, o Slade viu no chamado glam rock uma boa oportunidade de aparecer. A banda fez fotos promocionais no visual da época e lançou o single do cover "Get Down And Get With It", que chegou ao Top 20 em 1972.
Os músicos se empolgaram e Jim Lea e Noddy Holder começaram a investir em composições próprias. ”Cuz I Love You” chegou ao número 1 das paradas. Até a presente data o Slade já havia lançado quatro discos: “Ambrose Slade Beginnings” (69), “Play It Loud” (70), “Alive!” (72), “Slayed?” (72).
Nos anos seguintes o Slade se tornaria um campeão dos charts, enquanto músicas como "Mama Weer All Crazee Now", "Cum On Feel The Noize" e "Skweeze Me Pleeze Me” surgiam nas paradas.
Em 73, o Slade participa de um famoso festival de natal no Reino Unido, e isso rende um álbum. A banda chegava ao topo do rock inglês.
Os próximos álbuns foram: “New, Borrowed And Blue” (74), “Nobody's Fools” (76), “Whatever Happened To Slade” (78) e “Return To Base” (79).
Fato curioso é que o Slade tinha o mesmo álbum com nomes diferentes para EUA e Reino Unido. “Old, New, Borrowed And Blue”, por exemplo, saiu na América com o título de “Stomp Your Hands, Clap Your Feet”.
Em 1980, a banda faz uma apresentação no Reading Festival. Esta apresentação se tornaria o álbum “Slade Alive”.
Em 1983, a banda ganha o mundo (inclusive o Brasil) com a balada “My oh My” do disco “The Amazing Kamikazee Syndrome”.
Os anos 80, foram muito competitivos para a banda que disputava o espaço com grupos como Def Leppard (na Inglaterra) e com o Quiet Riot na América.
Álbuns como “Rogues Gallery”, que traz a excelente “Hey Ho wish Well” e “You Boyz Make Big Noize”, não conseguiram emplacar, e a banda acabou dando um tempo na carreira, só vindo a lançar um novo álbum em 1996.
O Slade é uma daquelas bandas que possuem milhares de coletâneas, para quem não conhece a banda, uma boa opção. Sugestões? “Smashes” (80), “Slade's Greats” (84) e “Greatest Hits: Feel The Noize” (97).

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"O maior espetáculo da terra!"

2006-03-31T11:07:00.000-03:00

Rolling Stones - Rock' n' Roll Circus

01- Song For Jeffrey - Jethro Tull
02- A Quick One While He´s Away - The Who
03- Ain´t That a Lot of Love - Taj Mahal
04- Something Better - Marianne Faithful
05- Yer Blues - The Dirty Mac
06- Whole Lotta Yoko - Yoko Ono, Ivry Gitlis, The Dirty Mac
07- Jumping Jack Flash - The Rolling Stones
08- Parachute Woman - The Rolling Stones
09- No Expectations - The Rolling Stones
10- You Always Get What You Want - The Rolling Stones
11- Sympathy For The Devil - The Rolling Stones
12- Salt Of the Earth - The Rolling Stones

Em 1968, os Rolling Stones decidiram fazer um especial de televisão para divulgar seu disco Beggar's Banquet, juntando outras bandas e músicos num picadeiro de circo. The Rolling Stones Rock and Roll Circus tornou-se um filme histórico por diversos motivos. Foi a última apresentação ao vivo da banda com Brian Jones; é o único vídeo do Jethro Tull com Tony Iommi (Black Sabbath) na formação; tem a única apresentação gravada que o The Who fez de sua primeira opereta A Quick One While He's Away; e a única apresentação de um supergrupo formado por Eric Clapton, John Lennon, Mitch Mitchell e Keith Richards. Como a apresentação dos Stones foi a última a ser gravada no dia, após supervisionarem tudo que acontecia, eles estavam cansados e não fizeram uma boa performance, ficando aquém dos convidados. Essa foi a razão principal do especial ter sido vetado, além de alguns problemas contratuais com os artistas envolvidos. Só foi lançado oficialmente em 1996. A direção é de Michael Lindsay-Hogg, que havia feito dois clipes da banda e depois dirigiria Let It Be, dos Beatles.

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Tequila e rock 'n' roll

2006-03-31T11:05:00.000-03:00

Santana - All That I Am
1. Hermes
2. El Fuego
3. I'm Feeling You - (with Michelle Branch/The Wreckers)
4. My Man - (with Mary J. Blige/Big Boi)
5. Just Feel Better - (with Steven Tyler)
6. I Am Somebody - (with Will.i.am)
7. Con Santana
8. Twisted - (with Anthony Hamilton)
9. Trinity - (with Kirk Hammett/Robert Randolph)
10. Cry Baby Cry - (with Sean Paul/Joss Stone)
11. Brown Skin Girl - (with Bo Bice)
12. I Don't Wanna Lose Your Love - (with Los Lonely Boys)
13. Da Tu Amor

Nascia em 20 de julho de 1947, na cidade de Autlan de Navarro, no México, Carlos Santana, um dos mais talentosos e criativos guitarristas das últimas décadas. Desde o início da carreira, aos treze anos de idade, como a banda The Strangers, Santana já buscava unir sua influência de ritmos latinos com os acordes do blues e do rock. No início da década de sessenta, ele deixa o México e segue com a família para São Francisco (E.U.A).
Em 1966, nas folgas do trabalho como lavador de pratos, Santana ensaia com a sua banda, a Blues Band. Poucos dias antes de completar vinte anos, o guitarrista faz sua estréia nos palcos, se apresentando com a Blues Band, que posteriormente se chamaria apenas Santana, no consagrado Filmore West e, no mesmo ano, também faz sua estréia em estúdio, como guitarrista convidado do The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper. Mas é no ano de 1969 que Santana alcança seu maior sucesso até então: apresenta-se no festival de Woodstock e grava seu primeiro disco “Santana”, um enorme sucesso que permaneceu nas paradas por mais de dois anos e vendeu aproximadamente 4 milhões de cópias.
No ano seguinte faz sua primeira apresentação no Montreux Jazz Festival e lança “Abraxas”, que conquista disco de ouro. Na seqüência, vem o disco “Santana III”, que marca o fim da formação original da banda e passagem dos direitos do nome apenas para o guitarrista Carlos Santana.
Em 1972, para deleite dos fãs, dois álbuns são lançados: “Fillmore The Last Days’’ gravado no último show da casa Fillmore West e “Live - Carlos Santana and Buddy Miles”. No mesmo ano conhece duas importantes figuras em sua vida: a futura esposa, Deborah e o Guru Sri Chinmoy, de quem seria seguidor por nove anos. Em 1973, divide o palco com os Rolling Stones em um show beneficente pelas vítimas de um terremoto na Nicarágua
Santana segue para sua primeira turnê mundial. No Japão grava e lança com exclusividade, “Lótus” e de volta aos Estados Unidos, entra em estúdio para gravar “Love, Devotion and Surrender with John McLaughlin” e “Welcome”. Mais um álbum em parceria, agora é “Illuminations-Carlos Santana and Turiya Alice Coltrane”. A criatividade de Santana não tem limite, e em 74 lança mais um disco, “Borboletta”.
Com tantos sucessos, não poderia faltar na história do guitarrista uma coletânea: “Greatest Hits”, que também ganha disco de ouro. Ganha o prêmio de melhor guitarrista pelo Bay Area Music Awards e em 1976, coloca no mercado mais dois trabalhos: “Amigos” e “Festival”. Em abril do ano seguinte, faz um show com Joan Baez na prisão de Soledad e no mesmo período lança, “Moonflower”. Santana se apresenta no programa humorístico Saturday Night Live e em outubro de 79 vem com o álbum, “Inner Secrets”.
Durante a década de oitenta, a banda Santana comemora 20 anos de carreira, o guitarrista ganha diversos prêmios tanto pelo seu trabalho como músico como pelas ações em prol da sociedade, sai em turnê pela Europa com Bob Dylan, lança cinco álbuns, além de três trabalhos solos do guitarrista, que garante o seu primeiro prêmio Grammy. Em 1991, os fãs brasileiros vibram com a apresentação da banda no Rock in Rio II. No ano seguinte é lançado o 16° trabalho da banda, “Milagro”. O disco não vai bem nas paradas de sucesso, assim como os próximos trabalhos.
A grande reviravolta na carreira de Santana aconteceu com o lançamento em 1999, de “Supernatural”. O álbum é um sucesso estrondoso: vende mais de 10 milhões de cópias e ganha nove prêmios Grammy e três prêmios Grammy Latino. O trabalho conta com as participações de Eagle-Eye Cherry, Wyclef Jean, Eric Clapton, Lauryn Hill, Rob Thomas da banda Matchbox 20, Everlast e Dave Matthews. Canções como "Smooth" e “Maria, Maria”, entre outras, são as mais pedidas nas rádios do mundo todo.
Em 2002 é lançado “Shaman”, trabalho que carrega o peso de superar o sucesso anterior, mas não consegue. O disco ganha o prêmio Grammy pela música “The Game of Love”, com a participação de Michelle Branch. Sai em turnê para promover o disco mas no mesmo ano lança o disco duplo, “The Essential Santana”.

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"Clapton Is God"

2006-03-31T09:35:00.000-03:00

Eric Clapton - Me and Mr. Johnson
1. When You Got A Good Friend
2. Little Queen Of Spades
3. They´re Red Hot
4. Me And The Devil Blues
5. Traveling Riverside Blues
6. Last Fair Deal Gone Down
7. Stop Breakin´ Down Blues
8. Milkcow´s Calf Blues
9. Kind Hearted Woman Blues
10. Come On In My Kitchen
11. If I Had Possession Over Judgement Day
12. Love In Vain
13. 32-20 Blues
14. Hell Hound On My Tail

Eric Clapton nasceu em Ripley, Inglaterra, em 30 de março de 1945. A paixão pelo R&B de artistas como Robert Johnson e Muddy Watters o levou a desde cedo aprender a tocar guitarra e participar de todas as bandas que pudesse.
Expulso da escola de artes por rebeldia, aprendeu a tocar em pubs e pequenos shows. Se juntou aos Yardbirds, banda inglesa de grande influência que teve o mérito de reunir três dos maiores guitarristas de todos os tempos em sua formação: Eric Clapton, Jeff Beck e Jimmy Page (que mais tarde formaria o Led Zeppelin).
Abandonou os Yardbirds em 1966 e após duas passagens pelos Bluesbreakers, da qual saiu por não suportar a rigidez de J. Mayall, formou, juntamente com o baterista Ginger Baker e o baixista Jack Bruce, a banda Cream, que gravou três álbuns e se desfez por diferenças musicais após menos de dois anos de carreira muito produtiva.
Com o fim do Cream Clapton se tornou músico de estúdio, gravando um disco solo e tendo uma rápida passagem pela banda Blind Faith com quem gravou um único disco. Entre outras participações especiais gravou com os Beatles o solo de guitarra da música While My Guitar Gently Weeps. A sua ligação com os Beatles porém infelizmente não se resumiu a sua participação em algumas músicas; durante anos manteve um relacionamento mais do que amigável com Patty Boyd, esposa de George Harrison, num triângulo amoroso que durou anos, a início às escondidas e depois abertamente, o que incrivelmente não abalou a amizade entre os guitarristas.
Juntamente com dissidentes da banda Delanie and Bonnie and Friends (que abria shows para o Blind Faith), Clapton montou a banda Derek and The Dominos, com quem lançou um de seus maiores sucessos, a música "Layla", abertamente dedicada à esposa de George Harrison. Participava também da banda Duane Allman (do Allman Brothers)
"Layla and other assorted songs" foi um fracasso de vendas, e por isso a gravadora imprimiu nos discos a frase "Derek is Eric", afim de alavancar as vendas. Não só a música "Layla" como todo o resto do album é dedicado à Patty Boyd, inclusive uma inspiradíssima "Have you ever loved a Woman", onde ele canta "Have you ever loved a Woman so much you drown in pain, 'cus everytime you know she belongs to your very best friend"
No início da década de 70 os problemas pessoais e conflitos emocionais levaram Clapton a uma difícil fase de vício em heroína, e um consequente ostracismo durante alguns anos. A volta ocorreu em 1974 com a inesperada "I Shot The Sheriff", um reggae. Clapton foi o responsável pelo lançamento para as paradas mundiais de Bob Marley. A boa fase musical rendeu também o clássico "Cocaine" em 1978. Durante a década de 80 a aceitação por parte do público foi crescente.
Em 1990 Clapton ganhou seu primeiro Grammy com a música Bad Love. Sua fama aumentava ainda como compositor de excelentes trilhas sonoras para filmes (entre outras, "Rush").
Em 1992 ironicamente alcançou o maior sucesso de sua carreira com a música "Tears In Heaven", dedicada ao filho morto aos quatro anos ao cair da janela do apartamento da namorada de Clapton. O disco acústico contendo a música e regravações de outros clássicos foi um sucesso absoluto e ganhou dezenas de prêmios, inclusive seis Grammys. O disco Unplugged marcou ainda uma volta de Clapton às suas raízes de blues, confirmada com o álbum "From The Craddle", apenas de canções tradicionais, um tributo aos clássicos que influenciaram o seu estilo.
Eric Clapton é considerado um dos mais perfeitos guitarristas da história, tocando com extrema técnica e sentimento, além de um estilo inconfundível. No auge da adoração de seus fãs na década de 70 uma pichação em um muro de Londres resumia o fascínio que sua música exercia: "Clapton Is God".
Seu último trabalho foi o "Me And Mr. Johnson", onde reinterpreta clássicos do bluesman Robert Johnson.

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Elvis, o rei do rock ‘n’ roll.

2006-03-31T09:00:00.000-03:00

Elvis Presley - Closing Night
01. Also Sprach Zarathustra
02. See See Rider
03. I Got A Woman/amen
04. Love Me
05. Steamroller Blues
06. You Gave Me A Mountain
07. Trouble
08. Long Tall Sally / Whole Lotta Shakin' Goin' On /
Your Mamma Don't Dance/ Flip
09. Love Me Tender
10. Fever
11. What Now My Love
12. Suspicious Minds/bridge Over Troubled Water
13. Bridge Over Troubled Water
14. Suspicious Minds
15. Introductions
16. My Boy
17. I Can't Stop Loving You
18. American Trilogy
19. Big Hunk O' Love
20. First Time Ever I Saw Your Face
21. Mystery Train/tiger Man
22. How Great Thou Art
23. Help Me Make It Through The Night
24. Softly As I Leaveyou
25. Can't Help Falling In Love

Embora sem o nome de rock ‘n’ roll ainda, o rhythm & blues foi uma música que surgia nos anos quarenta, embora suas raízes sejam mais antigas do que o mercado escravo que trouxera os primeiros imigrantes forçados da África para as Américas. Foi, porém, nos anos cinqüenta que essa música passou a atrair cada vez mais atenção de jovens brancos. E este interesse, e todos os tumultos e convulsões sociais que seriam provocados é o que reconhecemos como a história do rock ‘n’ roll. E no topo desta montanha, um nome é repetido por todos os demais que começaram embalados por ele. Este nome é Elvis Presley.
Sem Elvis Presley não haveria Beatles e sem Beatles todo o rock inglês seria diferente e provavelmente restrito à Inglaterra. Sem Elvis não haveria Carl Perkins, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly ou Gene Vincent. Sem Elvis, o rock provavelmente teria sido apenas uma música americana. Porquê? Porque até o surgimento de Elvis, todo mau comportamento era restrito aos negros. E dentro desta lógica racista, música negra era música pagã, portanto tabu e pecado. Elvis, ao rebolar e se portar instigantemente sexual, atropelou o grande tabu anglo-saxão protestante (sexo). Ao fazer sucesso com isso permitiu o apoio comercial que foi decisivo na evolução do estilo musical, e no processo deu passe livre para mais de uma geração artística seguir o mesmo caminho.
É impossível negar que grande parte do material produzido por Elvis Presley depois da década de cinqüenta, é em termos de rock ‘n’ roll, de qualidade duvidosa, senão medíocre. No entanto, sua carreira foi importante demais para seus trabalhos menos inspirados terem alguma relevância. Considere os seguintes fatos:
Nenhum outro artista tem um número maior de canções a entrar nas 100 Mais nas Paradas de Sucesso dos Estados Unidos. São 149 hits dos quais 114 ficaram entre os 40 Mais, 40 ficaram entre os 10 Mais e 18 chegando a No.1. Estes 18 conferem a Elvis o gabarito de ser o artista de segundo maior número de hits a chegar a No.1, perdendo apenas para os Beatles com 21. Elvis empata com The Supremes com 10 hits consecutivos a chegar a No.1; recebeu o maior número de Discos de Ouro, 81 contra 42 de Barbara Streisand e 41 dos Beatles; e Discos de Platina, 43 contra 26 dos Beatles. Elvis tem o segundo maior número de discos Multi-Platinados, 19, perdendo para os Beatles com 24 e seguido de longe por Led Zeppelin com 13.
Todas essas estatísticas são referentes ao mercado americano, segundo a Billboard, e são todos números realmente impressionantes se tratando mesmo daquele mercado tão vasto. Mas se forem englobadas vendas ao redor do mundo, as cifras são estimadas na casa dos bilhões de discos vendidos.
Foi em Tupello, Mississipi, no dia 8 de janeiro de 1935, que Vernon Elvis Presley e Gladys Love Smith Presley viram pela primeira vez seus filhos gêmeos, Jessie Garon Presley e Elvis Aaron Presley. Em um parto caseiro, a alegria foi tingida por tristeza ao verificarem que Jessie deixara o ventre de sua mãe já morto.
O menino Elvis Aaron Presley cresceu em uma casa bem humilde de dois cômodos construída pelo pai e seu irmão. Por treze anos ele cresceu junto aos tios, primos e avós, todos morando relativamente perto um do outro. Familia temente a Deus, Elvis é fortemente influenciado pela conduta da igreja, a Assembléia de Deus, mesma de seus pais. Os cânticos da igreja, assim como a música negra das ruas que ele ouvia, serão absorvidos pelo menino.
Tanto que aos dez anos de idade, em uma das muitas feiras que eram realizadas anualmente na região, a ‘Mississippi-Alabama Fair and Dairy Show’, Elvis Presley tira segundo lugar em um concurso de talentos ao cantar “Old Shep” de pé em um banco para poder alcançar o microfone. As apresentações daquele concurso foram transmitidas ao vivo pela estação WELO Radio e portanto, este pode ser considerado o ‘debut’ de Elvis no rádio. Seu premio foi de $5 dólares e voltas gratuitas em todos os brinquedos da feira.
No ano seguinte, Elvis quer uma bicleta mas sua familia não tem meios de pagar por uma. Então sua mãe lhe convence a aceitar um violão no lugar. O instrumento custou $12.50. Aos treze anos de idade, Elvis se despede de sua escola, a Miliam Junior High School em Tupello com uma apresentação para a classe tocando o violão e cantando a canção “Leaf On A Tree.” Sua família se muda para Memphis, Tennessee, em busca de melhores oportunidades e condições de vida. Outros parentes da familia Presley e da familia Smith seguirão essa jornada. Elvis estuda só até terminar o Segundo Grau no L. C. Humes High School, onde se forma em 1953.
Vivendo em Memphis, ele cresceu em contato direto com os músicos de rua negros na hoje decantada Beale Street, local onde surgiram nomes como Bobby Bland, Johnny Ace e BB King. Além do country que tocava nas rádios ele passa a frequentar as festas para brancos e pretos que acontecem na cidade. Lá Elvis entra em maior contato com gospel e a música negra em geral. Destas influências para a sua futura e inesperada carreira, destaca-se necessariamente Wynonie Harris, o homem que gravou a versão original de “Good Rockin’ Tonight”. Quando Elvis passou a rebolar o seu pelvis de forma tão instigante, ele nada mais fazia do que imitar o negro Wynonie Harris, que vira tantas vezes ao vivo.
Trabalhando desde a adolescência para ajudar os pais no orçamento caseiro, Elvis logo se mostrou diferente da maioria dos outros meninos. Gostava de deixar o cabelo crescer mais comprido do que o costume para os padrões da sua época. Ele fazia um topete e usava suas costeletas largas e compridas.
Diferente do que se costuma contar, Elvis não era um caminhoeiro quando em junho, ele resolveu parar na Memphis Recording Service para ver como sua voz soava em um disco. Ele trabalhava para Parker Machinists Shop, seu primeiro emprego depois de deixar a escola. Na M.R.S. ele gravou duas canções, "My Happiness" e "That’s When Your Heartaches Begin." A empreitada lhe custou $4 dólares e Elvis presenteou o resultado a sua mãe que apesar de aniversariar em abril, recebeu o acetato como sendo um segundo presente de aniversário.
The Memphis Recording Service produzia discos para o selo Sun e era extra oficialmente chamado de Sun Studios, um nome que só ganharia oficialmente muitos anos depois. Quem cuida desta histórica sessão é Marion Keisker, assistente do dono Sam Phillips que não está presente nesta ocasião, viajando promovendo outro artista. Marion vê neste rapaz, tanto em aparência quanto em voz, um talento que poderia interessar seu patrão. Sam Phillips era um homem que há anos gravava artistas negros, responsável por inúmeros discos clássicos de blues e rhythm & blues. Phillips dissera em certa ocasião que se encontrasse um rapaz branco que pudesse soar como um negro, ele ficaria rico.
Em setembro Elvis mudaria de emprego, trabalhando por algumas semanas para The Precision Tool Company e depois como motorista de um caminhão de entregas da Crown Electric Company. Foi então em janeiro de 1954 que Elvis estacionava o seu caminhão na frente da Memphis Recording Service com intuito de gravar outro acetato. Desta vez, Sam Phillips está presente. Segundo algumas versões, seria somente no verão (junho) de 1954 que Marion sugere a Sam a hipótese de que aquele rapaz poderia ser o menino de voz negra de seus sonhos. Phillips acaba convidando Elvis para uma sessão de teste e lhe dá a canção "Without You" para cantar. O resultado não lhe satisfaz, contudo uma das razões que faz Sam Phillips ser um ótimo produtor é sua habilidade de fazer o artista se sentir à vontade no estúdio. Sam então lhe pede para tocar e cantar o que quisesse e o menino passeia por um repertório basicamente de música popular da época. Nada desta sessão foi aproveitado, porém deixou Sam Phillips ainda interessado.
Foi no dia 3 de julho de 1954 a histórica sessão que deu início em sua carreira. Phillips chamou dois músicos de estúdio que já trabalharam com Sam em outras tantas ocasiões. São eles Scotty Moore na guitarra e Bill Black no baixo. Novamente a sessão estava rendendo poucos resultados e durante uma parada para descanso, Elvis passou a cantar sem pretensões “That’s Alright Mama.” Conta a lenda que Sam Phillips pulava de alegria enquanto gritava “É isso, é isso que eu quero!” “That’s Alright Mama” e “Blue Moon of Kentuckey” se torna o primeiro compacto de Elvis Presley pela Sun Records e vendeu razoavelmente bem.
O disco passou a ser tocado em estações de rádios de música negra, onde os ouvintes eram basicamente negros. Portanto, é natural supor que os primeiros compradores deste compacto fossem negros pensando ironicamente se tratar de um artista negro. Porém, bastou Elvis começar a falar, em uma entrevista feita em uma dessas visitas promocionais a estação de rádio, para logo se perceber que se trata de um rapaz branco.
Elvis, Scotty e Bill formam uma banda, The Hillbilly Cat And The Blue Moon Boys, fazendo apresentações variadas em pequenos bares e clubes da cidade e da região. Em outubro daquele ano, após uma apresentação na estação de radio KWKH Radio na cidade de Shreveport, no estádo de Louisiana, conseguem um contrato de um ano para cinqüenta e duas aparições todos os sábados à noite na cidade de Hayride. Este é até o momento, sua maior oportunidade como artista, porém com sua popularidade crescendo, o contrato acaba impedindo ele e a banda de viajar muito longe. É em Hayride que Elvis Presley conhece o Coronel Tom Parker.
Tom Parker é um ‘promoter’ e um empresário de artistas de sucesso como Hank Snow e Eddy Arnold, ambos estrelas de country music. O fato de Parker se interessar por Presley é uma razão de grande status para este jovem rapaz. Mas Elvis acaba assinando um contrato com o empresário Bob Neal em janeiro de 1955. Neal coloca Elvis e sua banda em uma excursão junto com artistas de Tom Parker, e organizado por ele. Para esta excursão, o baterista D.J. Fontana é adicionado ao grupo. Observando a reação do público feminino para Elvis, que rebola e incendeia o público, a ponto de sair brigas entre a multidão, Parker cada vez mais se interessa pelo rapaz.
Em agosto de 1955, Elvis assina um contrato com a Hank Snow Attractions que passa a empresariá-lo, com Bob Neal permanecendo apenas como um conselheiro. A Hank Snow Attractions pertence igualmente a Hank Snow e Tom Parker. Em menos de dois meses, Hank Snow está sem nenhuma participação no contrato com Elvis que pertence agora exclusivamente ao Coronel Parker. Uma das suas primeiras providências foi de negociar um contrato com um selo de maior porte do que o pequeno Sun Records.
Habilmente colocando as gravadoras Mercury, Atlantic, Decca e Columbia uma contra as outras, em um leilão pelo contrato de Elvis Presley, Parker acaba acertando com a RCA. Neste acordo, a RCA compra todo o catálogo de Elvis na Sun Records, o que inclui os cinco compactos mais o material que ainda não fora lançado. O valor desta operação rendeu ao Sam Phillips o valor extraordinario de $40.000 dólares, além de $5.000 como uma porcentagem para o bolso de Elvis. Como Elvis sequer tem vinte e um anos ainda, o contrato tem que ser assinado pelo seu pai, Vernon Presley.
Enquanto RCA relança o material recém-comprado da Sun, agora saindo nacionalmente pelo selo RCA, Parker acerta para Elvis um contrato com a Hill and Range Publishing Company. Segundo este acordo, é criada a Elvis Presley Music Inc., na qual Elvis recebe uma porcentagem dos direitos autorais de todas as canções que Hill e Range lhe trouxerem para gravar. Em outras palavras, mesmo não sendo compositor de nenhuma das canções que canta, Elvis recebe uma porcentagem dos direitos autorais que caberia a Hill and Range Publishing.
Aos vinte e um anos, Elvis Presley tem um dos melhores contratos no país com uma gravadora e com uma editora, um feito extraordinário graças a boa negociação do Coronel Tom Parker. Ele grava então no dia 10 de janeiro de 1956 seu primeiro compacto para o seu novo selo, “Heartbreak Hotel.” A RCA colocou o grupo The Jordanaires como sua nova banda. O compacto vendeu 300.000 cópias em três semanas, um marco que comprovou rapidamente que o investimento da RCA em Elvis Presley foi lucrativo.
Em 28 de janeiro de 1956, Elvis estréia em cadeia nacional, aparecendo no programa “Stage Show”, da CBS, produzido pelo ator e comediante Jackie Gleason e estrelando Tommy e Jimmy Dorsey. Até março, ele terá feito seis participações no programa e criado uma pequena sensação ao redor do país em torno de seu nome. A esta altura “Heartbreak Hotel” já vendera um milhão de cópias e se tornara o primeiro Disco de Ouro desta nova sensação. RCA lança então "I Forgot to Remember to Forget" que igualmente chega a No. 1 nas paradas de sucesso country. Seu primeiro álbum: Elvis Presley, igualmente chega a um milhão de discos vendidos se tornando igualmente um Disco de Ouro.
Em abril de 1956, Elvis faz um teste para Paramount Studios em Hollywood, para o filme The Rainmaker onde ele faz mímica ao som de "Blue Suede Shoes" em playback. Apesar de acabar sendo rejeitado para este filme, Paramount fecha um contrato de sete anos com ele para estrear em uma série de películas, acreditando no poder de atração do jovem revelação.
Suas apresentações causam cada vez mais histeria entre o público feminino, graças aos seus rebolados e atitudes sexuais no palco. As invasões por vezes obrigam organizadores a encerrarem cedo o espetáculo com medo de alguém sair ferido. Em meio a isto, durante uma apresentação no programa de televisão The Milton Berle Show, Elvis apresenta uma versão de “Hound Dog” que acaba chocando a parte mais puritana dos Estados Unidos. Motivo de controvérsia, Elvis se torna ainda mais atraente para os jovens.
A controvérsia cria o apelido, Elvis The Pelvis, o que irritaria o artista que chamaria esse nome de a maior criancice que ele já tenha ouvido. Tentando apagar um pouco o fogo de sua instigante apresentação no mês anterior, Elvis aparece no Steve Allen Show vestido de fraque novamente cantando “Hound Dog”, desta vez de forma menos instigante e para um bassê. Idealizado por Steve Allen, Elvis considerou a jogada publicitária ridícula, mas aceitou, na esperança de acalmar certos grupos religiosos que o classificam como amoral.
No fundo, toda esta controvérsia se torna lucrativa para o cantor quando Ed Sullivan lhe oferece o valor absurdo de $50.000 dólares por três apresentações em seu programa. Sullivan que não gostava dos rebolados ofensivos deste artista, aceitou tê-lo no seu programa dado aos índices que se registravam cada vez que Elvis aparecia em algum programa. Para não ofender seu público, Sullivan instruiu sua equipe a partir do terceiro programa, de filmá-lo apenas da cintura para cima. Cartas inundaram o escritório no dia seguinte de jovens reclamando que queriam assistir o ‘verdadeiro’ Elvis em seu programa.
Em agosto de 1956 ele começaria as filmagens para o seu primeiro filme, “The Reno Brothers.” O filme é da Twentieth Century Fox que aluga o seu contrato com a Paramount. Durante a filmagem, houve um acordo e foi adicionada uma cena onde Elvis cantaria seu próximo lançamento, “Love Me Tender.” Com clara intenção de capitalizar no que julgam corretamente ser um hit certo, o filme passa a se chamar “Love Me Tender.”
Elvis retorna a Tupelo onde nascera para o que passa a ser chamado Elvis Presley Day, no dia 26 de setembro de 1956. Lá ele faz duas apresentações durante o Mississippi-Alabama Fair and Dairy Show, o mesmo que disputara o concurso de talentos ainda com dez anos de idade. Elvis se tornara grande sensação em todo o país e ao final daquele ano, estatísticas comprovam que Elvis Presley havia vendido cerca de $22 milhões de dólares em produtos variados que levavam o seu nome. Não só discos, como tambem camisetas, chapéus, carteiras, bolsas, batom, perfume, cintos, roupas, revistas, cachorrinhos de pelúcia, canecas, pratos, canetas e mais.
Entre apresentações pelo país e aparições na televisão, Elvis se tornara a maior sensação jovem do mercado. Seu estilo particular misturando country e pop branco com rhythm & blues e gospel dos negros, aleados ao seu carisma pessoal e talento natural lhe transformam em símbolo do jovem americano moderno. Entre 1956 e 57, como uma figura nacional, Elvis Presley já terá feito o suficiente para ser considerado um icone cultural de sua geração. A música, assim como os costumes nunca mais serão os mesmos e embora essas mudanças não tenham sido violentas como as iniciadas pelos Beatles na década de sessenta, são radicais o suficiente para atrair jovens para música negra, o que acabaria sendo o principal fator para a criação de bandas como os Beatles, para início de conversa.
O ano de 1957 começa com as filmagens de seu segundo filme em janeiro e seu terceiro filme em maio. Elvis se apresenta três vezes no Canadá, suas únicas apresentações fora dos Estados Unidos, e compra Graceland em Memphis para ele, seus pais e sua avó morarem. Faz a primeira doação para o Elvis Presley Youth Recreation Center, um Centro de Recreação para Jovens em Tupelo, Mississippi. O terreno do Centro inclui a casa onde Elvis havia nascido. Elvis fará substanciais doações para este centro pelo resto de sua vida, doações que continuarão até o presente, mantidas pelo Elvis Presley Estate. A casa onde Elvis nasceu é hoje um museu para visitações do publico, mantido pelo Centro.
Em outubro de 1957 estréia “Jailhouse Rock”, seu terceiro filme rodado em maio. Além do sucesso da canção, o filme é facilmente seu melhor trabalho como ator, perdendo apenas para “King Creole” rodado no ano seguinte antes de Elvis servir o Exército. Clássico do cinema rock ‘n’ roll, a cena dançante onde se canta a canção título é para muitos, o padrão copiado para muitas cenas musicais posteriores no meio rock. Será também, segundo alguns, o molde para o que passaria a ser chamado filmes promocionais de rock na década de sessenta, e que mais tarde ganharia o nome de vídeos musicais nos anos oitenta.
Elvis e familia se mudam para Graceland em dezembro e antes do Natal, Elvis é chamado para servir o Exército. Entre janeiro e março de 1958, Elvis filma “King Creole” e se apresenta ao vivo pela ultima vez antes de servir. Serve inicialmente em Fort Hood no Texas onde recebe treinamento básico por seis meses. Neste ínterim, sua mãe Gladys fica doente com hepatite e morre em 14 de agosto de 1958, aos 46 anos.
Depois de chorar a perda da mãe e retornar para seu posto em Fort Hood, Elvis é transferido para Friedberg na Alemanha onde permanecerá por 18 meses. Chega a conhecer Munich e até Paris durante algumas folgas. Durante seu periodo na Alemanha, Elvis conhece a enteada do Coronel Joseph Beaulieu, a menina Priscilla Ann Wagner, então com apenas 14 anos. Seu pai era James Wagner, um piloto da marinha que morreu em um acidente de avião, e sua mãe Ann casaria, pela segunda vez, com o Coronel Joseph. Voltariam a se ver mais vezes nos Estados Unidos.
Enquanto isto, Coronel Parker garante que a carreira de Elvis continue em evidência autorizando uma serie de coletâneas lançadas pela RCA. Elvis deixaria o Exército em março de 1960 com a patente de sargento. Ele chega aos Estados Unidos e imediatamente é obrigado a dar longas entrevistas. Frank Sinatra coloca sua filha Nancy Sinatra para recebê-lo e lhe dar as boas-vindas em nome da juventude americana, uma jogada promocional que teve boa repercussão na epoca. No mês seguinte, ele volta aos estúdios e depois começa a rodar o seu quinto filme, “GI Blues.”
Elvis ainda faz duas apresentações ao vivo antes de dedicar sua carreira exclusivamente para filmes. Elvis quer realmente ser um bom ator e leva sua carreira de cinema a sério. No entanto, os roteiros de filmes aceitos pelo Coronel Parker e dados ao Elvis são sempre de produções simplórias visando claramente explorar a sua figura popular sem nenhuma consideração real para dramatização ou expectativas para Oscars.
Mantendo Elvis ocupado com filmes simples, às vezes três em um ano, acoplado de discos em torno da trilha-sonora e discos natalinos, o Coronel garantiu uma mina de ouro anual sem maiores esforços para ele ou o seu artista. Neste ponto, o trabalho de Tom Parker foi lúcido e benéfico. No entanto, artisticamente, Elvis havia morrido como uma figura representativa para o jovem. E isto ficou ainda mais óbvio após a chegada à América do fenômeno Beatles e toda a invasão Britanica que se seguiu.
A década de sessenta na carreira de Elvis Presley é marcado pela super-exploração do mito, forçado a gravar cada vez mais músicas, nem sempre primando pela qualidade, ao mesmo tempo que lançava filmes e compilações de seus maiores sucessos. Todos estes discos e filmes vendem bem. A voz de Elvis Presley é soberba e sua dedicação a cada trabalho que leva o seu nome é total. Apenas não se trata mais de rock ‘n’ roll, Elvis estando claramente fora do que está acontecendo na música contemporânea. Seu material é para os pais e não mais para os filhos e filhas.
Após um namoro discreto, Elvis Presley casa com Priscilla dia 1 de maio de 1967 em Las Vegas. Entre uma rápida lua-de-mel em Palm Springs e os toques finais no filme “Clambake”, o casal se muda para Graceland onde vestidos à carater, performam outra cerimônia de casamento para amigos e parentes que não puderam estar presente ao verdadeiro. Dia 1 de fevereiro de 1968 nasce Lisa Marie Presley, filha única do casal. Coincidência ou não, são nove meses exatos desde a data do casamento.
A exceção acontece em 1968 quando Elvis retorna para o palco depois de quase sete anos e faz uma apresentação filmada do que pode ser considerado o que há de melhor em rock/rockabilly. Trazendo de volta sua antiga banda com Scotty Moore e DJ Fontana, (Bill Black já havia falecido) mais the Jordanaires e outros músicos profissionais, abriu um espaço no set para ele mesmo tocar o violão fazendo o que hoje costuma se chamar de um set Unplugged ou Acústico. O filme, chamado simplesmente de ELVIS, foi gravado entre 27 e 30 de junho. O filme tambem pode ser encontrado pelo nome The 68 Special ou 68 Comeback.
Apesar das ótimas criticas e sucesso geral da empreitada, Elvis não seguiu o bom momento com uma excursão americana de grande porte, o que seria provavelmente a melhor manobra. No lugar, o Coronel preferiu fixar as atenções do Elvis para terminar o seu contrato cinematográfico que foi encerrado em 1969. Elvis estava mais do que frustrado com a forma com que Hollywood encarava sua carreira de ator. Uma vez terminado o contrato, Elvis só queria saber de uma coisa; tocar ao vivo novamente.
Elvis então acerta um contrato para tocar em Las Vegas, inaugurando um cassino dentro do International Hotel, em um contrato milhonário. Em apresentações com banda, orquestra (conduzido por Bobby Morris) e cantores de gospel masculino (The Imperials) e femininos (The Sweet Inspirations) fazendo backing, Elvis de roupa de palco branca inicia em julho de 1969 e continua pela maior parte da década de setenta como atração de cassino em temporadas ao vivo em Las Vegas que duravam geralmente um mês. A primeira temporada no International Hotel acaba rendendo o primeiro álbum ao vivo de Elvis, “Elvis in Person at the International Hotel.” Em setembro deste ano, Elvis consegue com a canção “Suspicious Minds” seu primeiro hit desde 1962. É tambem seu último grande sucesso na parada.
Após uma série de apresentações no Texas em 1970, especulava-se muito sobre a primeira excursão americana de Elvis desde a década de cinqüenta. O que surgiu foi uma pequena excursão em nove cidades que foi filmado e teria momentos apresentados no filme “Elvis - That’s The Way It Is”. Depois de uma pausa para gravações em Nashville, Elvis retorna a excursionar por oito cidades. Elvis retornaria para outra temporada de um mês em Las Vegas, novamente no International Hotel que depois de 1971 passaria a se chamar The Las Vegas Hilton International Hotel. Para aguentar a maratona de shows e gravações, Elvis passa a consumir avidamente medicamentos, antidepressivos, moderadores de apetite e anfetaminas.
Elvis é diagnosticado, ainda em março de 1971, com glaucoma. Lentamente durante a decada de setenta, vai surgindo a figura de um artista decadente, gordo, parado no palco, lembrado praticamente apenas pelas baladas românticas e tendo abandonado seu estilo inicial. Porém durante todos estes anos, Elvis está seguidamente recebendo troféus e placas em homenagem aos seus feitos e sua importância para a indústria fonográfica e indústria de entretenimento em geral. Suas temporadas em Las Vegas atraem mais público para a cidade e quebram seguidos recordes de audiência com shows constantemente lotados.
Depois de uma terceira excursão visitando doze cidades em final de 1971, Priscilla Presley deixa Graceland com sua filha Lisa Maria. A separação será publicamente conhecida a partir de julho de 1972, no entanto o divórcio só será assinado em outubro de 1973. Elvis e Priscilla continuarão se comunicando como amigos e Lisa Maria terá contato com o seu pai sempre que ele deseja. Elvis passa a morar com Linda Thompson em julho de 1972. Durante o ano de 1972, Elvis excursiona por praticamente todo o seu país e emplaca um hit com “Burning Love” que chega a No.2 nas paradas americanas.
Ele encerra o ano se apresentando em Honolulu onde em janeiro ele volta a se apresentar, desta vez em um show com transmissão via satélite, ao vivo, para todo o Havai, Austrália, Coréia do Sul, Vietnã do Sul, Japão, Tailândia e Filipinas. Um vídeo do show mais tarde seria apresentado em diversos países da Europa, assim como também, dentro dos demais estados dos Estados Unidos. Este, para muitos é o último grande momento de Elvis, ainda em boa forma.
Em março de 1973, Elvis e o Coronel vendem suas partes dos direitos autorais sobre todo o seu catálogo para a RCA, antes de seguir para uma outra seqüência de mini excursões pela América, agrupados em oito cidades, cada. No meio do ano, Elvis é hospitalizado com problemas na pleura, colo, hepatite e pneumonia. Sua dependência por medicamentos aumenta em proporções perigosas. Sua rotina passa a ser excursões, temporadas em Las Vegas, sessões de gravações em Nashville e passagens pelo hospital por problemas relativos a abusos com medicação.
Em novembro de 1976, infeliz com a maneira que ele anda levando sua vida, Linda Thompson deixa Elvis Presley, segundo ela porque não queria estar por perto quando ele morresse. No mesmo mês, Elvis a substitui com a jovem Ginger Alden. Elvis passa o restante do mês de novembro excursionando. O ano de 1977 inicia no mesmo ritmo de sempre, com pausa entre excursões para temporadas no hospital. Três apresentações em junho serão gravadas pela RCA e filmados pela CBS visando álbum e especial televisivo que irá ao ar apenas em outubro.
Em Graceland, véspera de retornar para a estrada com show marcado em Maine para o dia seguinte, Elvis Presley morre dia 16 de agosto em 1977 de um ataque cardíaco no banheiro de sua casa. A necrópsia revelou a ingestão de oito ou mais drogas (entre outras morfina, valium e valmid), responsáveis por sua morte. Ao redor do mundo as manchetes principais em praticamente todos os jornais de importância registravam o fato que “o Rei Morreu”.

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Bizarre Records apresenta: Frank Zappa

2006-03-30T13:54:00.000-03:00

Frank Zappa - Sheik Yerbouti
01. I Have Been In You
02. Flakes
03. Broken Hearts Are For Assholes
04. I’m So Cute
05. Jones Crusher
06. What Ever Happened To All The Fun In The World
07. Rat Tomago
08. Wait A Minute
09. Bobby Brown Goes Down
10. Rubber Shirt
11. Sheik Yerbouti Tango, The
12. Baby Snakes
13. Tryin’ To Grow A Chin
14. City Of Tiny Lites
15. Dancin’ Fool
16. Jewish Princess

Enquanto no âmbito do rock 'n' roll a maioria dos artistas creditam a inspiração para se tornar um músico a artistas como Elvis Presley, Chuck Berry ou Little Richard, Frank Zappa confessava que embora adorasse r&b e fizesse parte desta geração, sua curiosidade e interesse por ser compositor e músico nasceu ao ouvir o disco Ionization do compositor erudito Edgar Varese. Sempre um menino atirado, chegou a pedir aos pais, como presente de aniversário, a permissão para fazer uma ligação interurbana para Nova York para poder conversar com o mestre. Zappa era ainda um adolescente no científico quando falou com a senhora Varese, Edgar estando em viagem pela Europa. Frank Zappa acabaria nunca conhecendo pessoalmente o mestre, mas faria constantes referências a sua música durante a carreira, tornando celebre a frase "O compositor moderno se recusa a morrer." pronunciada por Varese em 1921.
Nascido Frank (e não Francis) Vincent Zappa, em Baltimore, no dia 21 de dezembro de 1940, mas crescendo e vivendo toda sua vida na California, nos arredores de Los Angeles, Frank Zappa, ainda adolescente, conhece e faz amizade com Don Vliet. Juntos formam algumas bandas como the Omens e the Soots, tocando o material r&b de costume. Tocou também em bandas multirraciais, coisa difícil e inaceitável para a época. Durante a faculdade, atuou como tocador de bumbo na banda oficial do time de futebol americano da universidade, até ser expulso por ser pego fumando com o uniforme da banda. Cigarros e café, por toda sua vida, se mostraram ser seus dois maiores vícios depois da música.
Após a faculdade, no final da década de 50, casou e investiu seus talentos em uma firma de cartões para todas as ocasiões, escrevendo seus dizeres. A frustração do seu meio de vida, acoplado ao relacionamento insosso dentro do casamento, o leva ao divorcio. Abandonando as duas frentes, conseguiu através do contato de um ex-professor, um contrato para compor a trilha sonora para um filme B. Algumas músicas desta trilha reapareceriam em discos futuros de sua carreira, como por exemplo, a canção "Duke Of Prunes." Com o dinheiro de "Run Home Slow", titulo do filme, Zappa compra uma guitarra e um pequeno estúdio de gravação à beira da falência em Cucamonga, que batiza de Studio Z. Nele Zappa passaria a morar e trabalhar exclusivamente com música. Para se sustentar tocava em diversas bandas de fim de semana, como também gravava e compunha material para diversos artistas da região, de menor ou nenhuma expressão. A sua banda mais constante, mesmo que com uma formação em constante mutação, é The Blackouts, com quem toca por quase quatro anos.
Um dia ele recebe a incumbência de fazer uma gravação "picante" com insinuações sexuais, supostamente para alegrar uma festa.Com a ajuda de uma amiga, que ele apelidou de Suzy Creamcheese, eles fizeram alguns barulhinhos com um colchão de mola e soltaram gemidos e risadas e no dia seguinte, entregou a fita para o seu cliente esperando a recompensa financeira combinada. Acontece que o cliente era um policial disfarçado e Zappa foi preso em flagrante por confeccionar material pornográfico. Passou alguns dias na cadeia antes de seu pai chegar de Baltimore para pagar sua fiança e poder liberá-lo. De positivo, como ex-detento, Frank Zappa não poderá mais, segundo a lei, ser convocado as forças armadas, perdendo assim a oportunidade de lutar no Vietnã.
Nesta fase entre 61/62, Zappa começa a compor uma opera rock chamada "I Was A Teenage Malt Shop", projeto que permaneceria inacabado. Nesta mesma época, Zappa compra de um estúdio de cinema diversos cenários futuristas, que montou no Studio Z. Resolveu então escrever um roteiro para uma ficção cientifica, que depois tentaria filmar com a ajuda dos amigos. Assim Frank Zappa cria para Don Vliet o personagem Captain Beefheart, personagem central do filme intitulado "Captain Beefheart vs. The Grunt People". O termo Beefheart sendo inspirado no tio de Vliet que curiosamente usava esta expressão para designar seu próprio membro. Don Vliet assumiria a partir de então o nome Captain Beefheart para o resto de sua carreira artística. Ainda em 1962, Zappa recebe um segundo convite para fazer uma trilha sonora para outro filme, "The World's Greatest Sinner", hoje relegado à controvertida glória de filme cult. Zappa, morando no estúdio, passa a ser um maníaco por gravações, se tornando um ás na arte de corte (com o uso de uma gilete) e edição. Com a ajuda de um técnico, ele transforma o estúdio em três, e depois cinco canais, se especializando também na técnica de overdub. Isto, quando a industria sequer tinha ainda instalado a máquina de quatro canais e a gravação estéreo como padrão de mercado. Conhece, se apaixona, e quase de imediato, casa com Gail Zappa, sua companheira para o resto da vida. Logo ela estaria dando luz à primeira filha do casal, Moon Unit Zappa. Sempre tendo grande interesse voltado para som percussivo, arranja uma apresentação musical utilizando uma bicicleta como instrumento, conseguindo com a curiosidade, uma aparição no programa de televisão "The Steve Allen Show" em 1963.
No ano seguinte foi convidado pelo amigo Ray Collins a substituir o antigo guitarrista de sua banda The Soul Giants. A formação incluía Dave Coronado no sax, o mexicano Roy Estrada no baixo e Jimmy Carl Black, um autêntico índio Cheyenne, na bateria. Coronado acabaria preferindo sair da banda uma vez que Zappa convencera todos a tocar suas composições. Zappa assumiria o controle da banda e mudaria o nome para the Muthers e depois Mothers. Como golpe publicitário, realizam um show de inauguração oficial da banda no dia das mães.
Durante sua pior fase financeira, a banda juntava cascos de garrafas, levantando assim dinheiro para comprar pão e mortadela para ter o que comer nos ensaios. Justamente nesta fase é que Tom Wilson, produtor da MGM Records foi convencido a sair do bar Whiskey Au-Go-Go onde estava, e atravessar a rua para outro bar, ouvir the Mothers, que naquele exato momento estava tocando uma versão de um número de r&b, totalmente irrelevante ao material normalmente tocado pela banda. Wilson, com pressa, ouviu dois minutos e mandou contratar, em um dos maiores golpes de sorte de uma banda na historias do rock.
A gravadora exige que the Mothers mude de nome pois em inglês, um Mother (mãe) se referindo a alguém do sexo masculino, é implicitamente associado ao palavrão Motherfucker. A banda então aceita a sugestão da gravadora e passa a usar o adendo The Mothers of Invention (As Mães da Invenção). Gravado no estúdio da MGM e lançado em 1966 pela sua subsidiaria, a Verve Records, o álbum duplo "Freak Out!", dá inicio a uma carreira extremamente produtiva, embora na época poucos especulariam sobre o tempo de duração da banda ou sua demanda comercial.
O disco une material de doo-wop com música eletroacústica, distribuindo igualmente sátira e crítica às composições, além de uma complexidade estrutural, apesar de algumas limitações de sua banda. Canções como "Go Cry On Somebody Else's Shoulder" e "You're Probably Wondering Why I'm Here", demonstram bem este aspecto satírico/analítico enquanto apresentado em formato de rock simples e doo-wop. Outras peças como "Help! I'm A Rock", "Who Are The Brain Police" e "Return Of The Son Of Monster Magnet", exigem uma maior aceitação de, como diria o próprio Frank Zappa, "coisas que não são normais." O disco passa a ser respeitado como cult na Europa, embora com pouca ou nenhuma repercussão positiva nos Estados Unidos. Para muitos, Freak Out! é o primeiro disco conceitual do rock e por pouco não é o primeiro álbum duplo do rock também. Seu próximo disco, "Absolutely Free", faria outro marco importante para sua imagem na Europa como artista intelectual sério. O disco oferece novamente seu humor ácido e crítico direcionados a América e sua mentalidade industrial onde rege a quantidade sobre a qualidade, criticando também o americano comum por aceitar e encorajar esta postura. Assim, na Europa, tornam-se clássicos do underground canções como "Plastic People", "Call Any Vegetable", "Brown Shoes Don't Make It" e "America Drinks And Goes Home."
Seus shows são divertidos e o grosso de seu público passa a ser formado cada vez mais por uma minoria estudantil americana. Sua persona de "Mestre de Cerimonias" é bem ao estilo dos anos 50, uma arte ao seu ver em extinção. Trata sua audiência paternalmente, "Good night boys and girls", ao mesmo tempo que deixa acesso livre para a plateia participar do show, subindo no palco e interagindo com a banda em mini peças teatrais, que compõe boa parte de sua apresentação ao vivo. Sua capacidade de dominar uma audiência e manter este controle sobre eles, é impar. Sua música flutua entre doo-wop, free jazz, r&b, música de câmara e eletroacústica. Suas composições, principalmente suas partituras percussivas, tem em si grandes doses da influência de Varese. Aos poucos, além de engraçados e divertidos para o público assistir, seus shows começam a atrair outros músicos a quererem se afiliar a banda. Vão entrando e compondo as diversas formações dos Mothers of Invention músicos desconhecidos como Elliot Ingber, Billy Mundi, os irmãos Bunk e Buzz Gardner, Don Preston e possivelmente o mais talentoso destes, Ian Underwood, bacharel em piano e exímio saxofonista.
Em 1967, aproveitando uma temporada da banda em Nova York, Zappa assina um contrato com a Columbia Records, gravando uma serie de composições com a orquestra da gravadora. Zappa alegaria depois que ele acreditava que seu contrato com a MGM como membro dos Mothers of Invention, não o impediria de ter outro contrato com outra gravadora sob seu nome pessoal. Evidentemente que a MGM travou a fita e uma vez o equívoco fosse resolvido entre as duas gravadoras e o artista, Zappa usaria este material mixando também material experimental que inclui conversações, lançando tudo com o curioso nome de "Lumpy Gravy".
Outro disco marco de sua carreira seria o álbum "We're Only In It For The Money", um disco analítico da América, mormente da costa oeste, no ano de 1967. O disco questiona o movimento Flower Power, como também satiriza o hippie de ocasião e todo o movimento de San Francisco, então no seu auge. Acusa a tradicional usurpação de idéias "alternativas" pela industria tornando-as em produtos para consumo de massa. Esta observação fica clara quando Zappa utiliza o layout do disco Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band dos Beatles para fazer uma paródia.
O disco é proibido de ser lançado com a capa original, por estar infringindo direitos de criação e o processo atrasa em quase um ano o lançamento. Zappa inverte as capas, utilizando então a capa de dentro como capa externa e vice versa, conseguindo assim driblar a acusação, e o disco chega às lojas em 1968. O ano de 1968 foi em si um ano marcado pela política e lutas estudantis ao redor do mundo. Na Tchecoslováquia, jovens usariam a canção "Plastic People", do álbum Absolutely Free, como hino de protesto durante as manifestações em Praga. Atitudes similares aconteceriam na Polônia. Na América, a controvérsia da capa de We're Only In It For The Money como também sua crescente popularidade na Europa, chama a atenção da crítica americana para a banda; muitos ainda não entendendo o material. Zappa continua sendo completamente ignorado pela mídia e grande público, mas respeitado entre ouvidos mais treinados e exigentes.
Grava então sua ode para o doo-wop, estilo muito popular antes da Beatlemania, que é o disco "Cruising with Ruben & the Jets". Paralelamente, posa sentado de calça arreada, sobre uma privada, para um poster publicitário. Com isto, Frank Zappa passa a ser um nome que todo mundo ouviu falar mais quase ninguém realmente ouviu. Por conseguinte, muitas coisas ditas a seu respeito são falsas. Entre as mentiras mais famosas, existe um de que Frank Zappa havia comida cocô no palco em um dos seus shows. Ele passaria boa parte de sua vida negando tal feito. Durante o período entre 1967 e 1969, Zappa tem aproveitado cada oportunidade para escrever uma vasta gama de material de música de câmara. Diferente da maioria dos músicos que conhecemos, Zappa não compõe utilizando um piano ou violão. Ele compõe música usando apenas a caneta e o papel. Elas nascem em forma de partituras para depois algum dia serem efetivamente executadas por músicos. Zappa organiza então este material mais recente, arranjando-o para uma trilha sonora, e aproveita para escrever o roteiro para um filme de monstro, tipicamente B (tão comum após a Segunda Guerra) que ele batiza de "Uncle Meat". Sem conseguir os devidos fundos, apenas parte do material musical seria lançado em seu álbum duplo, "Uncle Meat" de 1969. Levaria outros dois anos para conseguir colocar a maior parte da trilha, desta vez em outro filme escrito por ele, já com outro roteiro e concepção, agora chamado, "200 Motels" (1971).
Entre 1968 e 1969, a MGM/Verve andava mal das pernas, e Zappa funda sua própria gravadora, a Bizarre Records. Paralelamente vários membros dos Mothers of Invention são substituídos. Zappa e Ian Underwood gravam então um dos discos mais queridos de sua discografia: "Hot Rats". Nele há a participação de um jovem violonista francês chamado Jean Luc Ponty. Frank Zappa, ainda viria a produzir o primeiro disco de Ponty, intitulado "King Kong", com Ponty interpretando composições do próprio Zappa, várias ainda inéditas até então.
"Hot Rats" também oferece a colaboração de Captain Beefheart e traz à tona o violonista Sugar Cane Harris, tocando violino elétrico pela primeira vez. Harris voltaria a participar de seu próximo e ultimo disco com os Mothers of Invention, "Burnt Weeny Sandwich".
Zappa também contrata para a Bizzare Records uma banda com um nome único, Alice Cooper, os aconselhando apenas a mudar de visual, então excessivamente normal. Entre outras bandas a fazerem parte do novo selo, sendo gravados, produzidos ou orientados por Frank Zappa, estão Tim Buckley, Captain Beefheart & His Magic Band, a dupla Judy Henske & Jerry Yester (ex- Lovin' Spoonful), Tim Dawn, Wild Man Fisher e The GTO's. Nem todos marcaram a indústria.
Em 1970, a banda Mothers of Invention seria desfeita para retornar alguns meses depois com outra formação, agora sendo tratados apenas como the Mothers. Neste período de transição Zappa lança "Weasels Ripped My Flesh", uma coletânea de material ainda inédito de várias fases da banda. Da ultima formação dos Mothers, permanecem Ian Underwood e Don Preston. Zappa encontra e contrata Jeff Simmons para o baixo, e um pianista achado em um barzinho de Los Angeles, chamado George Duke. Duke iria depois seguir uma carreira de muito sucesso na década de setenta, mormente seus trabalhos com Stanley Clark. Soma-se então ao grupo a dupla de vocalista da banda the Turtles, Mark Volman e Howard Kaylan, como também o ex-baterista do John Mayall's Bluesbreakers, Ansley Dunbar.
Por limitações financeiras Zappa é obrigado a vender a Bizarre Records e todo o seu catalogo para a Warner Brothers, que mantém o selo da Bizarre apenas para os discos dos Mothers, agora Bizarre/Reprise. Os demais artistas que permaneceram com a Warner foram repassados para sua subsidiaria Reprise Records. Musicalmente, o período entre 1970 e 1972 encontraria Zappa fazendo um maior uso de piadas picantes e contando longas histórias com intervenções musicais e trilha sonora, aproveitando bem a força de locução da dupla Volman e Kaylan, que passam a ser apelidados de Flo & Eddie. Sua intenção é de tentar fazer suas composições mais complexas, um pouco mais acessíveis para um público jovem e pouco intelectualizado. Deste período, Zappa lança "Mothers Live Fillmore East: June 1971", "200 Motels" (The Mothers + A Orquestra Filarmônica de Londres) e "Just Another Band From L.A.".
Durante a sua excursão Européia no final do ano, a má sorte lhe causa inúmeros prejuízos. Primeiro, em Montreux, um incêndio causado por alguém da plateia soltando um rojão, queima o teatro onde a banda estava tocando, causando a perda de todo o teatro e, evidentemente, do equipamento da banda que lá estava. Este incidente ficaria famoso nos versos da música "Smoke On The Water" da banda Deep Purple. Tiveram que alugar equipamentos para o restante da excursão. Pouco depois, durante outra apresentação, alguém cismado que a namorada estava mais interessada em Zappa, consegue subir no palco. O rapaz se aproxima de Zappa enquanto este estava concentrado em meio a um solo de guitarra, e empurra o músico para dentro do fosso da orquestra. Pego de surpresa, Zappa cai de mau jeito, sobre o pescoço (o que mudaria sua voz para uma região mais grave) e quebra a perna, tendo que ser hospitalizado. O restante da excursão foi cancelada e a banda desintegrou. Zappa então passa a escrever incessantemente material orquestral. Monta uma banda com um naipe colossal de sopros, reunindo os melhores músicos de estúdio de Los Angeles, e faz uma pequena série de apresentações pelos Estados Unidos. Apesar do prazer profissional, o capricho estava saindo demasiadamente caro para manter e a banda teve que ser desfeita. Apenas um número menor de músicos foram mantidos. Deste período, Zappa grava e lança os discos "Waka Jawaka" e "The Grand Wazoo".
A partir de 1973, Zappa já não é mais visto pela critica especializada como um aloprado e sim como um músico sério, mesmo que excêntrico. Sua fama de carrasco se espalha, obrigando seus músicos a estudar e estudar e estudar, para conseguir executar material de alto nível de dificuldade. Para isto, antes de levar uma banda para a estrada, Zappa passa dois meses ensaiando seis dias por semana, com um mínimo de seis horas, chegando as vezes a dez horas por dia. Quem não se enquadra é despedido. Outra curiosidade em relação a sua fama de organizador é que nenhum músico pode subir no palco intoxicado. Zappa é claro quando diz que não se interessa pelo comportamento de ninguém na vida particular, mas a sua música já é difícil o suficiente estando sóbrio. Quem for pego "doidão" antes de entrar em cena é sumariamente despedido, seja ensaio ou show. Ele enterra de vez seu selo Bizarre e lança seus discos agora sob o selo DiscReet/Straight Records, sua filial dentro da Warner Brothers. Reúne o melhor de suas bandas anteriores como o casal Ian e Ruth Underwood, George Duke, Jean-Luc Ponty e Sal Marquez. Também traz novos membros: Ralph Humphrey e os irmãos Bruce e Tom Fowler. O resultado é um dos seus discos mais populares entre o público jovem de 1973, chamado apropriadamente de "Over Nite Sensation". Canções como "Dinah-Moe Hum", "Montana" e "Camarillo Brillo" serão preferidas entre as rádios universitárias e rádios FM da época.
Zappa segue compondo material cada vez mais jazzista e que desafia cada vez mais os músicos de sua banda. Entre 1973 e 1975 além dos já mencionados, ele tocaria com Jack Bruce, Jim Gordon, Jeff Simmons, Napolean Murphey Brock, Chester Thompson, Don Preston, Tony Duran, Sugar Cane Harris, Walt Fowler, Denny Walley e o velho bluseiro, Johnny 'Guitar' Watson. Os discos "Aposterphe(')", "Roxy And Elsewhere" e "One Size Fits All" lhe rendem respeito igualmente dentro da comunidade jazzista e roqueira.
Em 1976, Zappa, desanimado com seu contrato com a Warner, é informado que está devendo seis álbuns antes de poder considerar seus compromissos com a gravadora como concluídos. Ele desmonta sua banda, nunca mais usando o nome Mothers. Passa praticamente o ano no estúdio e quando excursiona, o faz com um pequeno quarteto, que inclui Terry Bozzio, Napoleon Murphey Brock, Roy Estrada e André Lewis.
No estúdio, grava e produz uma serie de composições que engloba desde o âmbito mais jazzista até o puro orquestral. Entre estas gravações, também monta rapidamente um disco onde toca praticamente todos os instrumentos. O disco, chamado "Zoot Allures", teria na capa, a formação de sua próxima banda.
Com Terry Bozzio na bateria, Patrick O'Hearn no baixo e Eddie Jobson nos teclados, somados ao cantor Ray White, a percussionista Ruth Underwood, e mais o naipe de sopros do SNL, Zappa passa a semana de Natal e Ano Novo tocando em Nova York, rendendo inclusive uma passagem no prestigioso programa Saturday Night Live. Zappa monta então para 1977 uma caixa de cinco discos chamado "Läther" e o entrega para a Warner, considerando assim, seu contrato com a gravadora devidamente encerrado. Ele pede então a devolução de todos os rolos de fita masters de todos o seu catalogo de discos. A Warner porém recusa-se a lançar a caixa, considerando o formato excessivamente anti-comercial. A gravadora também informa ao artista que todo seu catalogo pertence à gravadora e não a ele. Dá-se inicio a uma disputa judicial entre Frank Zappa e a Warner Brothers que só seria vencido pelo artista em 1979. Neste interim a Warner lança aos pingos boa parte do material contido em Läther em quatro álbuns separados. São eles, "Zappa In New York" (2LP), "Sleep Dirt", "Studio Tan" e "Orchestral Favorites".
Zappa excursiona durante os anos de 1977 e 1978 com o que muitos consideram sua banda mais pesada. Além dos já citados Terry Bozzio e Patrick O'Hearn, estão Ed Mann nas percussões; uma dupla de tecladistas, o austríaco Peter Wolf e o nicaragüense Tommy Mars; Roy Estrada nos vocais e por último, um guitarrista que Zappa encontrou em um barzinho de quinta categoria perdido no Texas. O rapaz é ninguém menos do que Adrian Belew.
Enquanto seu processo com a Warner corre, ele monta sua própria gravadora, a Zappa Records. Sua gravadora fecha contrato de distribuição com a CBS Records e tem como seu primeiro produto no mercado o álbum "Sheik Yerbouti", seguido pelos dois LP's "Joe's Garage - Act I" e "Joe's Garage Act II & III", com um elenco que inclui o guitarrista novato Warren Cucurullo, o baterista Vinnie Colaiuta, o baixista Arthur Barrow e o vocalista Ike Willis. Zappa, em dezembro, terminaria o ano lançando o filme "Baby Snakes", que mostra os melhores momentos de sua já tradicional temporada de Halloween em Nova York do ano anterior.
Uma vez ganha a disputa judicial com a Warner Brothers, Zappa retoma posse de todas as fitas mestres do seus discos anteriores. Investe seu dinheiro em um pequeno complexo de estúdios batizado curiosamente de The Utility Muffin Research Kitchen e seu estúdio No.1 de Joe's Garage. O complexo inclui também um escritório que cuida de mercadoria a ser vendida para o público via correspondência. Este setor de sua empresa é, em si, uma empresa à parte, chamada Barfko Swill, dirigida e comandada por Gail Zappa, sua esposa. Zappa encosta a Zappa Records e seu contrato deficitário com a CBS e cria outro selo, o Barking Pumkin Records.
Lança então três LP's só de solos de guitarras, pensando em um público específico de guitarristas, e possivelmente outros estudantes de música. FZ não crê, a princípio, que vá ter uma grande procura. Engano seu. Estes discos não são encontrados em lojas, sendo adquiridos nos Estados Unidos apenas através de correspondência. São eles "Shut Up N' Play Yer Guitar", "Shut Up N' Play Yer Guitar Some More" e "The Return Of The Son Of Shut Up N' Play Yer Guitar". Para a Europa, ele permite o lançamento em lojas dos três discos em formato de caixa tripla. Este formato se mostra extremamente popular e começaria a ser importado para os Estados Unidos.
Assim sendo, em 1981 Zappa lança a caixa tripla também na América no mesmo dia que seu mais novo álbum duplo, "Tinseltown Rebellion" de gravações ao vivo realizadas no inicio do ano. A banda basicamente é a mesma, porém com duas modificações e duas adições. A soma de mais um tecladista, Bob Harris que já tocara com Zappa em 1971 e 1972, além da volta do cantor Ray White; na bateria, o estreante David Logemann e na guitarra, um rapaz recém saído da faculdade chamado Steve Vai que continuaria com Zappa até 1984 seguindo então para fama mundial como um dos mais hábeis guitarristas vivos. Ainda em 1981, Zappa lançaria outro álbum duplo de material de estúdio chamado "You Are What You Is". A temática do disco seguiria com pesadas críticas à proliferação de programas televisivos regidos por pastores evangelistas. Zappa questiona abertamente as fortunas que estas igrejas repentinas levantam, sem precisarem pagar impostos. Canções que abrangem estes temas são "The Meek Shall Inherit Nothing" (O Humilde Não Herdará Nada) e "Heavenly Bank Account" (Sagrada Conta Bancaria).
Outro assunto que passaria a freqüentar este e os próximos discos do Zappa é o uso excessivo de cocaína pela sociedade moderna. A canção "You Are What You Is" teria seu video clip banido pela MTV por mostrar um sósia do então presidente Ronald Reagan sentando na cadeira elétrica e sendo executado por um negro. Reagan, como alguns já devem ter esquecido, enquanto governador da California no final da década de sessenta, foi acusado de ter pertencido quando jovem, ao grupo racista conhecido como Klu Klux Klan.
Em 1982, Zappa conheceria seu primeiro Top 10 hit com a canção "Valley Girl". A canção basicamente consiste em uma bateria (Chad Wackerman), um baixo (Scott Thunes) e a voz de sua filha Moon Unit Zappa recitando uma história sobre uma adolescente da região do San Fernando Valley. A intonação típica da região é na voz de Moon ironizada, ela criando no processo, alguns termos que se tornarão gíria em todo o país, graças ao sucesso da canção. O estilo "Geração Valley" seria tão popular, que até hoje é imitada por personagens adolescentes como no filme "As Patricinhas" ou o desenho "South Park". A imprensa começa a tratá-lo como gênio incompreendido. Sua vitória contra a poderosa gravadora Warner Brothers em 1979 lhe dá mais respeito entre uma maior gama de artistas. Com o seu vasto catálogo de discos, suas bandas, um celeiro de talentos, e agora dono de sua própria empresa, o termo sucesso é constantemente aplicado para definí-lo. Nunca Frank Zappa esteve tão respeitado pela critica especializada, e, assim sendo, passa a freqüentar as capas das melhores revistas sobre música do mundo.
Zappa segue o restante da primeira metade da década de 1980 excursionando e produzindo discos de complexidade musical e relativa variedade temática. Destes, possivelmente o melhor seja o "Them Or Us", primeiro a conter uma participação de seu filho, Dweezil Zappa.
Em destaque fica também o disco "LSO Vol.1", disco lançado pelo selo Zappa Records que contém a Orquestra Sinfônica de Londres tocando material inédito do compositor. O Vol.2 sairia em 1987. Agora com um contrato de distribuição com a EMI, o selo arranja para que Zappa trabalhe com Pierre Boulez, resultando no LP "A Perfect Stranger". Zappa também investe no ramo de vídeos, abrindo sua firma Honker Videos, o logo sendo o formato de seu nariz protuberante. Com a Honker, Zappa passa a controlar lançamentos de suas apresentações, como também relançamentos de seus primeiros filmes. Entram assim no mercado sete títulos diferentes, de material antigo embora inédito, como "Uncle Meat", até coisas mais recentes como "Does Humour Belong In Music?" que contém uma parte da apresentação de sua banda em Nova York em 1984.
Para aumentar ainda mais a variedade de gêneros e estilos na sua discografia, Frank Zappa descobre a existência de um músico italiano barroco chamado Francesco Zappa. Sua pesquisa o leva a encontrar uma série de partituras deste obscuro músico e a coincidência do nome o leva a gravar este material, utilizando um instrumento recém lançado no mercado, o Synclavier.
Com uma ação levantada por um grupo de senhoras, esposas de senadores, que vão ao congresso pedir que se estude uma maneira eficaz de censura para músicas consideradas obscenas, Frank Zappa é um dos primeiros a gritar contra. Ele faz campanha defendendo a primeira emenda da constituição que declara a liberdade de expressão. O processo segue durante o curso do ano de 1986 e acaba com uma legislação que não censura o material artístico a ser lançado, mas cria a obrigação por parte das gravadoras, a terem que colocar um adesivo avisando que o material contido na obra pode ter linguagem considerada agressiva para o consumidor. Em meio a este debate público na América, Zappa lança o disco "Frank Zappa Meets The Mothers Of Prevention", que explora o assunto com o tema "Porn Wars". O material mistura composições no Synclavier com algumas com banda "viva". Ciente do nível de dificuldade de suas composições e a dedicação exigida para músicos poderem executá-las corretamente, Zappa vê no Synclavier sua chance para conquistar uma liberdade como compositor. Agora ele não é mais limitado a escrever música que seja humanamente possível tocar. A máquina pode executar a canção em tempos humanamente impossíveis se ele puder escrever para isso. Zappa então declara para o espanto de muitos, sua intenção de abandonar a guitarra e não mais excursionar com banda, se dedicando exclusivamente a composições com o Synclavier. O primeiro de tais trabalhos é o disco "Jazz From Hell" que receberia seu primeiro e único Grammy.
O ano de 1987 é dedicado ao relançamento em vinil de todo seu antigo catalogo da Verve e Bizarre, agora pelo selo Barking Pumpkin, no que foi chamado de "The Old Masters Box 1, 2 e 3". Ele aproveita para lançar uma fita cassete para uma edição especial da revista Guitar World recheada de solos ainda inéditos, chamada "The Guitar World According To Frank Zappa".
Curiosamente em 1988 ele volta atrás e resolve excursionar novamente. Monta uma banda contendo uma grande quantidade de sopros, recurso ausente em suas bandas desde 1976 e excursiona Europa. Durante a metade da excursão americana dores obrigam ao cancelamento do tour. Levaria outros quatro anos até ele se pronunciar publicamente como tendo câncer na próstata. Um dos primeiros a defender a mudança do mercado para gravação digital, fecharia negócios com a Rycodisc que passaria a lançar todo o seu catalogo em CD. Zappa passaria então a se dedicar a editar e mixar um vasto material guardado em seu cofre. Este material seria periodicamente lançado como a série "You Can't Do That On Stage Anymore", tendo o volume 6 sua última edição. Ainda em 1988 lançaria o álbum duplo chamado simplesmente de "Guitars", novamente como no projeto "Shut Up N' Play Yer Guitar", contendo somente solos. Tira o ano para se candidatar à presidência dos Estados Unidos. Em seu discurso oficial para candidatura ele declara, "Não conseguiria ser pior do que os que já passaram por lá". Seu último lançamento em vinil foi o álbum duplo ao vivo, "Broadway The Hard Way", onde a temática continua a debochar das relações de interesse mútuo entre políticos e pastores evangélicos.
Em 1989 lança sua biografia, "The Reel Frank Zappa Book", como também fecha contrato com a Rhino Records para lançar oficialmente todo material incluídos nos seus piratas mais populares. Tática sem precedente, a intenção é obviamente vencer o mercado da pirataria lançando o mesmo material oficialmente e assim, passar a lucrar com estes discos que há anos circulam no mercado. Assim nasce a serie "Beat The Boot! Vol. 1 & 2".
Na década de noventa, Zappa lança o material da sua última excursão em dois CD's duplos, chamados The Best Band You Never Heard In Your Life e Make A Jazz Noise Here. Outros CD's, todos duplos, exploram fases mais antigas de sua carreira, como Playground Psychotic, contendo a fase com a dupla Mark Volman e Howard Kaylan, como também Ahead Of Their Time, oferecendo uma apresentação do Mothers of Invention no Albert Hall em 1968.
Seu último disco vivo foi o CD de música de câmara, The Yellow Shark, realizado graças ao grupo alemão chamado The Ensemble Modern. Zappa que já tinha praticamente desistido de gravar um trabalho mais erudito, dado a dificuldade em conseguir uma grande quantidade de músicos a estudar obsessivamente as partituras e os fundos que estes ensaios, nem sempre produtivos custam, teve com o Ensemble Modern, a grata surpresa e prazer de encontrar um grupo de músicos totalmente dedicados a sua música.
O material estreou em 1992, durante uma feira cultural em Berlim, na Alemanha, onde Frank Zappa assistiu a primeira de uma serie de apresentações. Se sentindo mal, voltou imediatamente para California. Lá, ele editou, mixou e lançou o disco.
Frank Zappa veio a falecer pouco depois, no dia 4 de dezembro de 1993 em sua residência em Canoga Park, Califórnia. Ele deixa uma viuva, Gail Zappa e quatro filhos, Moon Unit, Dweezil, Ahmit e Diva Zappa. Deixa também quase prontos dois álbuns. O primeiro foi lançado no primeiro aniversário de morte, chamando-se Civilization - Phase III, uma espécie de seqüência de Lumpy Gravy, utilizando gravações de falas e temas tocado no Synclavier. Depois, seria lançado pela família Lost Episodes, oferecendo material gravados entre 1962 e 1969.
A família Zappa funda The Zappa Family Trust que cuida de todo o espólio do artista e periodicamente lança um CD novo. Geralmente o material consiste em coletâneas ocasionalmente oferecendo algumas faixas com versões alternativas para poder também atrair o interesse do fã fervoroso. Para estes, as opções mais interessantes são os CD's Mystery Disc e Cucamonga, totalmente dedicados a oferecer gravações obscuras do artista.
Em 11 de Maio de 1980, foi descoberto pelo astrônomo tcheco, L. Brozek, um pequeno planeta entre Marte e Jupiter. O planeta tem um curso elíptico que dura aproximadamente quatro anos e oito meses, em tempo terreno, para dar uma volta completa pelo sol. A ele foi dado o número oficial de 3834. Surgiu então a idéia de um professor italianos a batizar a pedra sideral com um nome que homenageia Frank Zappa. Depois de um ano de campanha, e esforços combinados, que incluiram correspondência maciça pela internet por parte de fãs, como também uma carta de bons votos do Diretor de Política Externa da Tchecoslováquia Dr. Pavel Seifter, escrito em nome do chefe de estado daquela nação, Presidente Vaclav Havel, e do oportuno apoio de Dr. Brain Marsden do Minor Planet Center (Centro de Planetas Menores), uma ramificação do Smithsonian Astrophysical Observatory (Observatório Smithsonian de Astrofísica), que levou a proposta para a instituição competente, a International Astronomical Union (União Astronômica Internacional). Foi oficialmente homologado o nome do planeta para (3834) Zappafrank no dia 22 de Julho de 1994.
Com a noticia de que Frank Zappa havia se tornado nome de um pequeno planeta dentro do nosso sistema solar, outro professor, Dr. Bob Belas, assistente no Sensory Transduction Center of Marine Biotechnology, que faz parte do Instituto de Biotecnologia da Universidade de Maryland, situado em Baltimore, cidade onde Frank Zappa havia nascido, identificou um gen dentro de uma bacteria Proteus que libera uma enzima "IgA Protease." Esta enzima está sendo extra oficialmente batizada de zapA. Faltam ainda os trâmites legais para o nome ser oficial. Tendo agora um planeta homenageando Frank Zappa, conhecendo o seu senso de humor tão especial, podemos procurar um novo significado em seus dois títulos, "Cosmic Debris" (74) e "Help!, I'm A Rock" (66). "Biografia por Márcio Ribeiro".

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Blues, Hard Rock e muitas drogas...

2006-03-24T09:27:00.000-03:00

Thin Lizzy - Live And Dangerous

01. Jailbreak
02. Emerald
03. Southbound
04. Rosalie/Cowgirl's Song
05. Dancing In The Moonlight
06. Massacre
07. Still In Love With You
08. Johnny The Fox Meets Jimmy The Weed
09. Cowboy Song
10. The Boys Are Back In Town
11. Don't Believe A Word
12. Warrior
13. Are You Ready
14. Suicide
15. Sha-la-la
16. Baby Drives Me Crazy
17. The Rocker

Formado em 1969 pelos irlandeses Phil Lynnot (baixo e vocal), Brian Downey (bateria) e Eric Bell (guitarra), o Thin Lizzy iniciou as suas atividades em Dublin, Irlanda, tocando em pequenos clubes e bares. O repertório variava entre covers e algumas composiçoes de Phil.
Em 1970 assinam com o selo Decca, onde lançam tres albuns e uma serie de compactos. Nos dois primeiros albuns, "Thin Lizzy" e "Shades of Blue Orphanage", o estilo ainda era centrado em uma mistura de Folk e Blues. No terceiro album, "Vagabonds of Western World", eles optaram por um som mais pesado. Conseguiram colocar nas paradas de sucesso os singles "Whiskey in the Jar" e "The Rocker". A banda começava, enfim, a ter sucesso.
Pulamos para 1973. Neste ano, Eric Bell deixa a banda e é substituido temporariamente por Gary Moore, amigo de muitos anos de Phil Lynnot. Trocam o selo Decca pelo Vertigo. O escoces Brian Robbertson e o americano Scott Gorhan assumem as guitarras. O Thin Lizzy esta pronto para decolar.
Gravam "Nigh Life" (1974), "Fighting" (1975) e estouram para o mundo com o album "Jailbreak", em 1976. Seguem-se os albuns "Johnny the Fox" e "Bad Reputation", ambos de 1977. O Thin Lizzy ja era reconhecido como um super-grupo.
Em 1978 veio a consagraçao definitiva: foi lançado o album "Live and Dangerous", considerado ate hoje um dos melhores "ao vivo" de todos os tempos. Brian Robbertson deixa o grupo. Mais uma vez Gary Moore é chamado. Com esta formaçao gravam o album "Black Rose", em 1979. O sucesso continua.
O ano de 1980 chega e a banda começa a ter problemas. Phil Lynnot começa a se afundar nas drogas. Gary Moore deixa a banda e é substituido por Snowy White, ex-sideman do Pink Floyd. Phil lança o album solo "Solo in Soho". O Thin Lizzy grava o album "Chinatown".
Lançam em 1981 o album "Renegade". Darren Wharton, que tocou como convidado no disco anterior, assume os teclados como efetivo. Snowy White deixa a banda.
Estamos em 1982. Phil Lynnot lança mais um album solo, "The Phil Lynnot Album". John Sykes, ex-Tyger of Pan Tang, assume uma das guitarras. Gravam o último album de estudio "Thunder and Lightning". Phil esta perdendo a luta para as drogas...
Em 1983 o Thin Lizzy faz a sua turnê de despedida com a participaçao dos membros anteriores, menos Snowy White. A turnê foi registrada no album "Live Life". O Thin Lizzy nao existe mais.
Phil Lynnot ainda tenta continuar na ativa. Monta a banda Grand Slam, com o ex-baterista do Thin Lizzy, Brian Downey. O projeto não vai adiante. Em 1985, Phil e Gary Moore excursionam juntos. Phil está doente.
Em 04 de Janeiro de 1986, Philip Parris Lynnot, negro, filho de pai brasileiro e mãe irlandesa, morre de complicaçães de saúde derivadas do uso contínuo de drogas pesadas. Para homenagear Phil Lynnot, sua música e sua poesia, existe na Irlanda a Fundação Roisin Dubh (Black Rose, em gaélico), mantida por sua mãe Philomena Lynnot. Anualmente, no dia da morte de Phil, 04 de Janeiro, acontece um espetáculo em sua homenagem, o "Vibe For Philo", com a presença de antigos membros do Thin Lizzy, bandas covers e convidados.

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Atendendo a Pedidos, o mestre Alvin Lee

2006-03-14T16:18:00.000-03:00

Ten Years After - Cricklewood Green

01. Sugar The Road
02. Working On The Road
03. 50,000 Miles Beneath My Brain
04. Year 3,000 Blues
05. Me And My Baby
06. Love Like A Man
07. Circles
08. As The Sun Still Burns Away
09. Warm Sun
10. To No One

Formado por Alvin Lee, Leo Lyons, Chick Churchill e Ric Lee, em 1967, o Ten Years After iniciou sua entrada no hall da fama do rock no lendário Club Marquee de Londres. Uma apresentação apoteótica num domingo à noite no clube foi suficiente para torná-los revelação de 1967. O grupo foi convidado a participar do Windsor Jazz and Blues Festival, em 1967, onde roubou a cena do festival e, com isto, marcou sua entrada no show business.
No outono de 1967, a banda assinou contrato com a gravadora Decca e gravou seu primeiro álbum. Com lançamento simultâneo nos Estados Unidos, o impacto foi suficiente para o promotor de eventos Bill Graham levá-los para fazerem o show no lendário Fillmore West, famoso reduto de rock dos anos 60/70. Através desta primeira tour nos Estados Unidos a banda ganhou notoriedade e chamou atenção pelo virtuosismo de seu jovem guitarrista, Alvin Lee. Tocando de uma forma singular Alvin cativava a platéia com seus solos e sua rapidez no instrumento, o que o levou várias vezes a ser indicado como o melhor guitarrista dos festivais por onde se apresentavam.
Rapidamente o grupo fez grande sucesso, sendo sempre considerado a atração principal por todos os locais por onde se apresentava. Em 1969 tocaram no festival Woodstock, onde estavam os maiores nomes do rock da época, entre eles, Jimi Hendrix, The Who e muitos outros. Mesmo com uma quantidade enorme de grupos consagrados no festival, o Ten Years After foi convidado para o encerramento de uma das noites, parte nobre dos eventos. Junto com Jimi Hendrix, Alvin Lee foi considerado o melhor guitarrista do festival. levando o Ten Years After a colocar um de seus singles no Top 10 das paradas americanas.
Entre 1968 e 1975 o grupo realizou 28 tours pelos Estados Unidos, e um número ainda superior na Europa e Asia. Durante este período, os maiores sucessos foram “Love Like a Man” (Top 10 nos USA e Inglaterra), “I´d Love to Change the World” (Top 10 na Inglaterra e Top 20 nos USA) e o grande hit de Woodstock, “I´m going Home”, que chegou a obter o primeiro lugar de execução nas rádios americanas por 18 semanas entre 1969 e 1970.
Em 1975, cansados das tours e devido a um desgaste natural de relacionamento, o grupo resolveu se desfazer. Seus integrantes buscariam seus próprios caminhos. Inevitavelmente, Alvin Lee usou toda sua popularidade para desenvolver sua carreira solo. Em 1983, ano em que o Marquee Club completou 25 anos, a banda foi convidada a realizar uma série de shows comemorativos. Novamente os resultados e a aclamação do público foram surpreendentes, porém nem isto foi suficiente para reintegrá-los como grupo novamente.
Em 1988 uma proposta milionária dos produtores de festivais alemães, convenceu os músicos a se unirem para se apresentarem em 4 festivais. Novamente os resultados foram surpreendentes e o grupo resolveu gravar um disco pela Columbia Records/Chrysalis, “About Time”. O sucesso do disco levou-os a realizar uma tour pelos USA e Europa para uma série limitada de shows.
Em 1994, a banda novamente reuniu-se para as comemorações dos 25 anos do Festival Woodstock , onde gravaram sua apresentação ao vivo para a coletânea do festival. Em 1997, comemorando seus 30 anos de carreira, a banda lança pela Chrysalis um CD comemorativo chamado “Solid rock”, que será lançado durante sua tour pelo Brasil pela EMI/CRYSALIS. O disco possui uma seleção dos melhores momentos da carreira do grupo além de três faixas inéditas.

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Muito além de "Born To Be Wild"

2006-03-09T17:21:00.000-03:00

Steppenwolf - The Second

01. Faster Than the Speed of Life
02. Tighten up Your Wig
03. None of Your Doing
04. Spiritual Fantasy
05. Don't Step on the Grass, Sam
06. 28
07. Magic Carpet Ride
08. Disappointment Number (Unknown)
09. Lost and Found by Trial and Error
10. Hodge, Podge, Strained Through a Leslie
11. Resurrection
12. Reflections

John Kay ainda era uma criança, quando foi para o Canadá fugindo da perigosa Alemanha Oriental pós-guerra. Foi acolhido pelas Forças Armadas e lá começou a trabalhar numa rádio amadora. Bastante influenciado por Little Richard e Chuck Berry resolveu fazer do Rock ‘n Roll a sua vida.
Sempre rebelde, aos 14 anos de idade, Kay de repente se viu do outro lado do Atlântico, em Toronto, Canadá, com um violão na mão. Aprendeu inglês com uma rapidez incrível e começou a executar, na rádio em que trabalhava, as músicas de sua preferencia.
Após sair do colegial, Kay começou a tocar blues acústico em cafeterias e bares da região. Não demorou muito para que conhecesse e se unisse à banda canadense The Sparrow, em 1965, enquanto tocava na Toronto Yorkville Village.
O grupo viajou de Toronto para Nova Iorque e depois para São Francisco fazendo um show atrás do outro, tendo como conseqüência uma integração completa no cenário musical da região.
Em 1967 a banda se separa depois de várias tentativas fracassadas de lançar um disco pela Columbia Records. Dois meses depois, John Kay forma a banda Steppenwolf em Los Angeles com os americanos Michael Monarch na guitarra, Goldy McJohn nos teclados e os canadenses Rushton Moreve no baixo e Jerry Edmonton na bateria.
Conquistam um público nunca esperado com o lançamento do single "Born To Be Wild" em 1968 escrito pelo guitarrista do The Sparrow, Dennis Edmonton, e seu irmão baterista Jerry. Canção essa que se tornaria mais tarde um dos maiores clássicos do Rock se imortalizando no clássico filme de Dennis Hopper, "Easy Rider".
Antes de gravar o primeiro disco, John Morgan substitui Moreve no comando do baixo, e lançam então o esperado álbum com o mesmo nome do single de sucesso anterior, "Born To Be Wild". Empurrado pelos outros hits "Magic Carpet Ride", "The Pusher" e "Rock me", o debute alcança o segundo lugar na lista dos mais vendidos em poucas semanas.
Decididos a se aproveitar do sucesso instantâneo, a banda começa a compor sobre assuntos contemporâneos como política, drogas e preconceito racial, e com mais uma mudança de formação, desta vez com Larry Byrom assumindo a guitarra e o alemão Nick St. Nicholas no baixo (ex-membros da Time), lançam o disco "Monster", outro álbum de sucesso nos Estados Unidos. As constantes mudanças de seus integrantes, entretanto, minaram a estabilidade do grupo.
Em meio aos anos 70, Kay decide terminar com o grupo e embarca em carreira solo lançando discos como "Forgotten Songs", "Unsung Heroes", "My Sportin' Life And All In Good Time". No fim dos anos setenta, porém, Kay percebeu vários falsos grupos usando o nome Steppenwolf que estavam fazendo turnês e denegrindo a reputação da banda original criada por ele. Em 1980 decidiu agir, e rapidamente a John Kay Band se tornou John Kay e Steppenwolf. Vários anos de turnês intensivas se seguiram e resultaram na reconstrução do nome. Para restabelecer esse nome, John Kay e Steppenwolf lançaram cinco álbuns e viajaram durante todos os anos pelo mundo, mas não com a mesma força de antes.
Na metade dos anos 80, Kay deixa a banda novamente e passa a produzir e compor para os sócios Michael Wilk (teclados, baixo, vocais) e Ron Hurst (baterista e vocalista). A banda passou a ser conduzida então pelo guitarrista Danny Johnson.
Em 1994 Kay retorna triunfalmente com o Steppenwolf para tocar em concertos na antiga Alemanha Oriental onde ele se reencontrou com os amigos e parentes que não via desde os 4 anos de idade, e nessa oportunidade aproveita para lançar a sua autobiografia intitulada de "Magic Carpet Ride"
Com vendas globais de mais de 20 milhões de discos por todo o mundo (e aumentando anualmente), suas canções entram cada vez mais para uso em cinema e televisão, e o grupo continua gravando e fazendo shows. Lançam então uma coletânea com 25 sucessos ao vivo, incluindo 2 inéditas gravadas durante a The Silver Anniversary Tour Recordings.
Em 1996 eles lançaram um dos mais pesados discos da banda, o "Feed The Fire" pela Winter Harvest Records. Com o mesmo nome desse último álbum sai o único vídeo da banda.
Kay foi introduzido pela Academia Canadense de Artes Gravadoras e Ciências (CARAS) no Hall Of Fame em março de 1996. Com um fã-clube ativo e realizando anualmente o Wolf Festival, a banda continua tocando e se apresentando esporadicamente, porém não mais com a magia do final da década de 60.

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Peter Vive!!

2006-03-08T14:15:00.000-03:00

Peter Frampton - Frampton Comes Alive

01. Something's Happening
02. Show Me The Way
03. Wind Of Change
04. Baby, I Love Your Way
05. I Wanna Go To The Sun
06. Lines On My Face
07. Do You Feel Like We Do
08. (I'll Give) You Money
09. Shine On
10. Jumping Jack Flash

Em 1976, o inglês Peter Frampton se tornou a maior sensação do ano, vendendo 13 milhões de copias de um disco, em um ano, um récorde sem precedentes até então. Cantor e guitarrista de incrível talento, seu momento de ápice sumiu quase tão rápido quanto apareceu. Mesmo assim, é difícil encontrar alguém que não conheça seu nome.
Peter Frampton nasceu em 22 de Abril de 1950 na cidade de Beckenham, em Kent, na Inglaterra. Aos sete anos, ouvindo um recital de piano pelo rádio com seus pais, ele seguidamente se queixa de que “algo está errado com este piano.” Seus pais não compreendem a sua reclamação até que ao final da apresentação, o locutor da estação se desculpa, pois, como ele passou a informar, durante a execução, uma folha de partitura caiu e repousou sobre as cordas do piano. A partir daí, seus pais perceberam que seu filho tinha um ouvido especialmente sensível para música.
Aos oito anos, Peter ganhou de presente um ukulele, espécie de cavaquinho havaiano, e sozinho aprendeu uma série de músicas infantis, todas de três acordes. Seu gosto musical incluía Cliff Richards, cujas músicas fariam parte de seu repertório em uma apresentação escolar que também incluiria sua primeira composição própria, um instrumental. Aos nove anos ganhou seu primeiro violão, passando a ter aulas de violão clássico, que embora não fosse a música que ele queria tocar, lhe deu a disciplina e moldou a técnica que, mais tarde, Peter iria desenvolver.
Paralelamente ao material clássico, Frampton ouvia e executava material de B. B. King e Buddy Holly. Os resultados desta mistura de influências e técnica mostraram-se frutíferas quando, ainda aos dez, Peter foi aceito como guitarrista convidado na obscura banda The Little Ravens, composta por colegas bem mais velhos de sua escola. Quem passou a cantar com ele foi o então desconhecido David Jones, mas tarde rebatizado David Bowie, que admirava o menino que já tocava bem melhor do que o guitarrista fixo de sua outra banda, George & the Dragons. O pai de Peter era professor de Bowie, então no 2º Grau.
Aos onze Peter formou sua primeira banda, the Truebeats, compondo então uma serie de instrumentais que formaria o grosso do repertório. Frampton e Bowie tocariam juntos ocasionalmente durante todo o período de ginásio e 2º Grau, até Bowie sair da escola. Ainda conhecido como Davie Jones, Bowie seguiria sua carreira entrando e saindo de bandas até que com os King Bee's, assina com a Vocalion Records. Frampton, três anos mais novo e ainda na escola, igualmente teria ainda em 1964, o inicio de sua carreira profissional.
Perto de completar quatorze anos, o pequeno fenômeno teve moral para ser aceito em uma outra banda, The Preachers, que tocava uma mistura de material entre funk, soul, blues e rock ‘n’ roll. Seu baterista era Tony Chapman que tocara com os Rolling Stones em uma de suas primeiras formações e era amigo antigo de Bill Wyman. Chapman ao apresentar the Preachers a Wyman, é imediatamente contratado para a sua produtora, a Freeway Music. Wyman acaba produzindo o primeiro compacto dos Preachers, como também contratando Chapman e Frampton como músicos de estúdio para outras produções.
Em 1966, Frampton, então com dezesseis anos, deixaria a escola e entraria no the Herd, obtendo no ano seguinte um contrato com uma gravadora, a Fontana Records. O primeiro compacto do the Herd seria "From the Underworld", um hit que atrai a atenção das revistas teens, que passam a explorar os dotes físicos do guitarrista. O disco de estreia da banda, "From the Underworld" foi seguido em 1968 com "Paradise Lost" e "Lookin' Thru You". Os hits "Paradise Lost" e "I Don't Want Our Loving to Die" garantem mais idolatria teen onde Peter Frampton é declarado "o rosto" (the Face) de 1968.
Peter não demora a se cansar da atenção excessiva da mídia para sua boa aparência e pouco reconhecimento quanto a seu trabalho como músico. Embora ele e o tecladista Andy Bown compusessem a maior parte do material da banda, o som do the Herd tinha que primeiro satisfazer o gosto e aspirações comerciais de seus empresários, que cada vez mais, obrigam gravações de baladas com arranjos orquestrais. Frampton, insatisfeito, deixa the Herd no final do ano.
No Ano Novo de 1969, Steve Marriot se apresenta pela última vez com sua banda Small Faces. Pouco depois, ele e Frampton se reúnem, com mais Greg Ridley (baixo) e Jerry Shirley (bateria), para formar o Humble Pie na primavera de 1969. A banda, que toca uma mistura de blues, folk e rock, acaba se tornando uma das primeiras “guitar bands” da nova era do rock a abrir a década de setenta. Marriot, ainda sob contrato com a Immediate Records, lança pelo selo o álbum de estreia de sua nova banda, "As Safe As Yesterday Is". Com a Immediate Records indo à falência, seguida de uma mudança de empresário, Humble Pie assina com a A&M Records em 1970.
Excursionando pelos Estados Unidos, a banda se torna a primeira a se apresentar no Shea Stadium desde os Beatles, abrindo para o Grand Funk. Seu novo empresário, Dee Anthony, usa como estratégia de marketing, a de botar a banda excursionando continuamente, abrindo shows de diversas bandas, até conseguir um publico cativo.
É no Humble Pie que Peter Frampton desenvolve muito do que seria o som e estilo que marcaria sua carreira. Pode-se dizer que no início Peter Frampton era um aprendiz de Steve Marriot, que lhe ensinou muito sobre como se comunicar com o publico ao vivo. Mas no que se refere ao repertório, Peter como co-fundador, tinha voz ativa em peso de igualdade dentro da unidade. O empresário Antony passa a aconselhar Marriot a puxar a banda mais para o heavy rock e blues, direção oposta do repertório mais melódico que Frampton gostava de dar à banda. Com "I Don't Need No Doctor", Humble Pie consegue seu primeiro hit nos Estados Unidos, ganhando maior aceitação no mercado americano. Porém três anos e cinco álbuns depois, Peter tinha sido transformado em apenas o guitarrista, toda a criatividade musical estando efetivamente nas mãos de Mariott. Percebendo que suas composições melódicas estão servindo cada vez menos para a banda, Frampton prontamente deixa o grupo. Menos de dois meses depois, sai o lançamento do disco ao vivo "Performance - Rockin' The Filmore", que venderia horrores e transformaria o grupo em um mega sucesso.
Tarde demais para voltar atras, Peter se casa com sua namorada desde os tempos de escola, Mary Loveitt, e se muda para Nova York, onde trabalha como músico de estúdio para diversos artistas, entre eles George Harrison e Harry Nilsson. Seu contrato com a A&M Records continuava válido e a gravadora ainda tinha interesse nele, o que facilitou muito o lançamento em 1972 de seu primeiro disco solo "Wind of Change". O disco apresenta uma coleção de rocks e baladas que em reflexão, mostra um artista em busca de seu som. Peter volta a excursionar e viver na estrada, o que efetivamente se torna um peso em seu casamento. Sua banda, batizada Frampton's Camel, é também o nome de seu segundo disco, lançado em 1973. Membros incluem o ex-Spooky Tooth Mick Kellie na bateria, além de Mickey Gallagher e Rick Wills, tecladista e baixista respectivamente.
Peter acabaria se divorciando e pouco depois passa a testar um novo aparelho, o talk box, que lhe permite fazer sua guitarra falar ou se preferir, ele falar com som de guitarra. Deprimido com a esterilidade de sua carreira solo, ele desmonta Frampton's Camel e tira alguns dias de férias indo para as Bahamas, onde compra uma casa. Estando lá, com sua atual namorada Peggy McCall, em um mesmo dia, acaba por compor duas canções que iriam mudar sua carreira. De manhã ele compos a música para "Show Me The Way" e à tarde, enquanto assistia o sol se por, compôs letra e música de "Baby I Love Your Way".
Ao voltar das ferias, grava praticamente sozinho o álbum "Frampton", tocando órgão, baixo, guitarra, piano, teclados, talk box, e vocais. Seu velho parceiro do the Herd, Andy Bown se responsabiliza pela maior parte dos teclados e do baixo e John Siomos fica com a bateria e percussões. Frampton também assina a produção do disco. Seu empresário Dee Anthony, percebendo que a falta de hits em sua carreira poderia limitar as possibilidades do selo continuar com o artista, revive a mesma estratégia que executou com o Humble Pie em seu inicio; excursionar incansavelmente e depois gravar um disco ao vivo.
Embora não sendo um hit, o álbum "Frampton" chegaria em 1975 a disco de ouro, muito graças a disposição de Peter de levar o trabalho para uma longa temporada na estrada. Peter Frampton abre shows para toda banda possível e imaginável nos Estados Unidos, desde ZZ Top, Black Sabbath, Rod Stewart e J. Giels Band. Em San Francisco, resolvem gravar a apresentação que seria realizada em Winterland, famoso reduto roqueiro desde os tempos da psicodelia.
Depois de selecionado e mixado, uma audição para Jerry Moss, dono do selo, foi marcada para que ele possa ouvir e aprovar o material. Ao final, Moss pediu para ouvir mais e com isso o disco "Frampton Comes Alive" se tornou um album duplo. Ao ser lançado, se tornou a coqueluche do momento, vendendo a incrível soma de um milhão de cópias na primeira semana. Frampton, que estava ainda em meio a uma excursão, abrindo para outros artistas, passa, da noite para o dia, a ser atração principal. O álbum se tornaria o disco mais vendido na historia do rock até então. "Frampton Comes Alive" continua sendo até o presente, o disco ao vivo sem material inédito mais vendido na história, com cerca de 13 milhões de cópias vendidas, só nos Estados Unidos. Ao final de 1976, Peter Frampton terá levantado entre vendas de discos e ingressos para seus concertos, cerca de 70 milhões de dólares, se tornando o artista de maior sucesso do ano.
Não querendo nem podendo parar e prestar atenção para detalhes financeiros, Frampton autoriza seu empresário a contratar uma verdadeira equipe de conselheiros financeiros e contadores enquanto Peter, aproveitando ao máximo o sucesso, continua excursionando. Cansado e querendo férias, ele é forçado pela gravadora depois da excursão a entrar direto para o estúdio e gravar às pressas seu proximo disco. Em função do sucesso absurdo de "Frampton Comes Alive", a A&M já tinha contabilizado pedidos de três milhões de cópias para o próximo álbum. Assim, 1977 trouxe o LP "I’m In You", um disco razoável, e que vendeu bem, embora pouco em contraste com seu predecessor.
No mesmo ano, Peter é convidado a participar junto com os Bee Gees em um filme cuja historia seria baseado nas músicas dos Beatles, chamado Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band. Frampton recusa a oferta até receber uma ligação de Robert Stigwood confirmando a participação de Paul McCartney no filme. Frampton, acreditando que a participação de Paul daria autenticidade à película, assina o contrato concordando em atuar. Somente durante as filmagens ele descobre que o mais perto que ele chegará a um Beatle, será Billy Preston.
Depois das filmagens, Peter resolve aproveitar o verão e descansar, indo para sua casa de praia em Nassau, nas Bahamas, onde encontraria com sua namorada Peggy McCall. Ele então descobre que enquanto ele estava trabalhando, ela, vivendo às suas custas, estava dando inúmeras festas, regadas a whiskey e cocaína, e morando com outro rapaz em sua casa. Peter, abalado emocionalmente, pega o seu carro e começa a correr pelas estradas estreitas da ilha. Pelo caminho, ele acerta um muro, cruza a pista e encontra uma arvore do outro lado.
Do hospital em Nassau ele foi transferido para um hospital em Nova York. Desacordado o tempo todo, Peter Frampton em estado grave, havia quebrado quase todas as costelas, as mãos e os pés; exibia uma fratura exposta no braço direito, com o osso perfurando a pele na altura perto do ombro; tinha um corte profundo que ia da testa do músico até quase o centro da cabeça, e perdeu alguns dentes da frente. Ainda se recuperando no hospital, o filme Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band é lançado e se torna criticamente aclamado como o pior filme de todos os tempos. As carreiras dos Bee Gees como também de Peter Frampton sofreriam imensamente com a publicidade ruim deste filme. Seu empresário tentou manter Frampton nos olhos do publico, tendo sua foto seguidamente aparecendo em artigos de revistas diversas porém a tática acabou não funcionando como planejado. O publico ficou cansado de vê-lo.
Depois que saiu do hospital, se recuperando em casa, na companhia dos pais, Frampton, agora estando com tempo de sobra, descobre que tem perto de $800 mil dólares a receber que nunca chegaram às suas mãos. Aos poucos, quanto mais ele vai escavando, mais vai descobrindo que apesar de ter contratado uma equipe para cuidar devidamente de suas finanças, ele fora traído. A revelação acabou com o ótimo relacionamento entre Peter e Dee Anthony. Peter contempla processar seu antigo empresário e amigo, mas desiste, em parte por reconhecimento de que dificilmente ele teria chegado ao sucesso sem sua ajuda. Peter também percebe que Anthony estava ainda mais quebrado do que ele. Anthony foi inteligente e correto em praticamente tudo relacionado à carreira do guitarrista, mas foi incompetente em assuntos financeiros.
Agora, cuidando pessoalmente de suas finanças, o dinheiro que Frampton conseguiu levantar, ele resolveu aplicar na bolsa de valores. Depois de passar um período deprimido, parte para tentar recuperar sua carreira em 1982 com o disco "The Art of Control". Aceitando o conselho da gravadora, grava um disco puxando para new wave, o que parecia ser o caminho da música moderna. O resultado final foi um disco ruim e despersonalizado que só ajuda a sepultar ainda mais o seu nome no mercado. Pouco depois a gravadora dispensa o artista.
Sem gravadora pela primeira vez em sua vida desde a década passada, Frampton aceita seu destino com relativa serenidade. Sai de cena, casando com sua nova namorada Barbara Goldburg, em '83, que logo daria a luz a sua primeira filha, Jade. O casal se muda para o campo relativamente perto de Los Angeles e vivem uma vida bem modesta. Com a chegada da criança, a vida noturna de Peter acaba e ele passa a viver uma vida mais diurna de acordo com os horários de sua filha.
Em 1986 Frampton consegue negociar um contrato com a Virgin Records, onde grava e lança o disco "Premonition". Monta uma banda e um show para ajudar a divulgar o disco, excursionando os Estados Unidos abrindo para Steve Nicks. No dia 19 de Outubro de 1987, a Bolsa de Valores tem queda recorde e o dia é lembrado como "Segunda-feira Negra". Peter Frampton perde tudo. Suas diversas residências, seus carros, até algumas peças de seu equipamento, incluindo algumas de suas guitarras, tiveram que ser vendidas. Peter passa então a buscar trabalho em Los Angeles como sessionman, trabalhando para outros artistas.
Certa noite David Bowie o procura para parabenizá-lo pelo seu disco. Na conversa com o velho amigo, Bowie pergunta a Frampton se ele pode reservar um tempo para gravar e fazer parte de sua banda. Frampton sabe o significado deste convite e tem seguidamente agradecido publicamente a David Bowie por esta tremenda e necessária oportunidade. Assim, em final de 1987, Bowie lança o disco Never Let Me Down com Frampton como seu guitarrista, passando o proximo ano participando do Glass Spider Tour. Frampton neste período está feliz, de volta a sua posição preferida, a de guitarrista principal, se apresentando novamente para um grande publico. E pela primeira vez em muito tempo, passa a ser reconhecido pela critica como um guitarrista talentoso.
Depois deste trabalho, em 1990, Frampton e Steve Marriot se juntam novamente e começam a trabalhar em um material que deixa os dois artistas bastante empolgados. Infelizmente antes das gravações serem encerradas, em Abril de 1991, Steve Marriot morre durante um incêndio em sua residência. O material continua inédito até o momento. Frampton novamente entra em uma fase de depressão que culmina com a separação e divorcio de Barbara, sua segunda mulher.
Em 1992, Frampton acaba por montar uma banda nova e leva o grupo para a estrada. Durante a excursão, reencontra com uma velha amiga, Tina Elfers, com quem cassaria em janeiro de 1996, e com quem teria outra filha, Mia. Lança esporadicamente alguns Lp's, entre eles o "Frampton Comes Alive II" que passou quase despercebido e agora o mais recente, "Live in Detroit" tirado do seu show ao vivo no Pine Knob Music Theatre em Detroit, 17 de Julho, 1999. A banda nova é na verdade um conglomerado de velhos amigos. Bob Mayo nos teclados, Chad Cromwell na bateria, e John Regan no baixo, todos tendo tocado com Frampton em algum ponto de sua já extensa carreira.
Com a virada do milênio, a fábrica de guitarras Gibson, lançou o modelo Frampton de guitarras, com ajuda e especificações vindas do próprio Peter Frampton. O modelo não foi ainda produzido em série e trata-se de um item para colecionador. Seu valor no mercado está no momento calculado em $6 mil dólares.
Peter é hoje pai de quatro crianças, e aparentemente aprendeu a dizer não quando precisa, colocando seus filhos em primeiro lugar na sua vida, antes mesmo de sua carreira. Continua gravando e ocasionalmente levando uma banda para a estrada, mas seu repertório está claramente mais para baladas do que um rock visceral. Mas ele será sempre lembrado como o primeiro guitarrista a vender mais de 13 milhões de cópias de seu álbum em um ano e, no processo, mudado a indústria fonográfica.

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Um pouco do mestre Blues Boy King

2006-03-03T07:53:00.000-03:00

B. B. King - Live in Japan
1. Every Day I Have The Blues
2. How Blue Can You Get?
3. Eyesight To The Blind
4. Niji Baby
5. You're Still My Woman
6. Chains And Things
7. Sweet Sixteen
8. Hummingbird
9. Darlin' You Know I Love You
10. Japanese Boogie
11. Jamming At Sankei Hall
12. The Thrill Is Gone
13. Hikari #88

O guitarrista de blues-rock que entraria para a história como B. B. King nasceu Riley B. King, em Itta Bena, vilarejo localizado às margens do delta do rio Mississipi. Nascido no berço do Blues não era de se estranhar que o jovem King se interessasse por música, carreira que era muito mais proveitosa à época do que colher algodão, única alternativa restante. Desde a infância se interessou por blues, country, gospel e jazz.
O responsável por introduzir King no mundo artístico foi seu primo Bukka White, guitarrista de blues profissional em Memphis em meados da década de 40. Em pouco tempo B. B. King se mudaria definitivamente para Memphis, passando a se apresentar nas rádios locais e conquistando uma boa audiência entre os ouvintes negros. Nessas apresentações em rádio (na realidade shows ao vivo transmitidos) ganhou o apelido de Beale Street Blues Boy, mais tarde abreviado para Blues Boy King e finalmente B. B. King.
Em 1949 gravou suas primeiras faixas em vinil. Durante o início dos anos 50 foi produzido por ninguém menos que Sam Philips, até então um produtor medíocre. Em 1951 conseguiu pela primeira vez sucesso nacional nas paradas de r&b com a música Three O'Clock Blues. Aproveitando a boa repercussão montou a banda Beale Streeters (com o vocalista Bobby Bland, o pianista Johnny Ace e o baterista Earl Forest).
Conta a lenda que nesta turnê a sua lendária guitarra Lucille foi batizada. Após arriscar a vida para salvar a guitarra de um incêndio em um bar em Arkansas, King chegou à conclusão que algo tão importante para ele não podia ficar sem um nome. Ao contrário do que se pensa, porém, Lucille não é apenas uma guitarra, mas várias, que ele trata como uma só.
Durante as últimas décadas o estilo de King praticamente não mudou. Foi um dos poucos artistas de blues (senão o único) a conseguir manter-se em evidência durante tantos anos sem tornar seu som comercial. Continua tocando para platéias pequenas, com a mesma paixão de sempre, simpático com os fãs e respeitado por qualquer guitarrista de blues ou rock que se preze.
No início da década de 90 gravou dezenas de músicas em parcerias com músicos (principalmente guitarristas) de sua época ou influenciados por ele. Entre outros U2 (com a impagável When Love Comes to Town), Gary Moore, Vernon Reid, John Lee Hooker. O resultado foi o excelente disco "Lucille & Friends".

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Atendendo a (muitos) pedidos

2006-03-03T06:46:00.000-03:00

The Doors - Strange Days

Quando postei esse álbum a primeira vez, ele veio protegido com senha... e como o site em que eu o peguei saiu do ar, não havia como eu pegar a senha. Agora posto ele novamente com o link para um arquivo sem senha. Abraços, Stormbringer.

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Flauta mágica

2006-02-17T15:49:00.000-02:00

Jethro Tull - Tales From The Crystal Flute

01. Strange Avenues
02. Steel Monkey
03. Big Riff & Mando
04. Thick As A Brick
05. Rock Island
06. Requiem
07. Cheap Day Return
08. Mother Goose
09. Jack-A-Lynn
10. Another Christmas Song
11. My God
12. Bouree
13. The Whaler's Dues
14. Budapest
15. Farm On The Freeway
16. Kissing Willie
17. Nothing Is Easy
18. Aqualung

Foi um fenômeno único na história da música popular, dentro da corrente conhecida como rock progressivo. A banda britânica Jethro Tull, com sua mistura de hard rock, folk, toques de blues e jazz, e letras profundas (meio surrealistas, mas densas) desafiou qualquer tipo de análise superficial, e conseguiu uma legião de fãs que lhe deram 11 discos de ouro e 5 de platina. Ao mesmo tempo que sua popularidade crescia nos anos 70, conseguia o reconhecimento da crítica.
O Tull foi criado e liderado pelo genial guitarrista flautista vocalista compositor Ian Anderson (nascido em 1947 na Escócia), e teve vários nomes (Blades, John Evan Band, Navy Blue, etc.) antes de chegar ao nome de um fazendeiro (Jethro Tull) que inventou uma técnica agrícola nova no século XVIII. O nome "pegou" e o grupo conseguiu chegar a tocar no Marqueé londrino, ficando bastante popular por lá.
O primeiro álbum, This Was (1968), tinha na formação Ian Anderson, Mick Abrahams na guitarra, Clive Bunker na bateria e Glen Cornick no baixo. Abrahams também participou da composição desse disco, mas Anderson já era o membro dominante do grupo, e semanas depois do lançamento Mick saiu, tendo dois substitutos logo depois, um deles sendo Tony Iommi, que depois faria sucesso no Black Sabbath. Iommi ficou uma semana no Jethro Tull, chegando a aparecer no show "Rock ‘n Roll Circus" dos Rolling Stones, tocando "A Song for Jeffrey" com o Tull. O outro foi Davy O’List. Depois desse, veio finalmente Martin Barre, que é até hoje o guitarrista líder.
Seguiram-se os álbuns Stand Up (1969) e Benefit (1970), que proporcionaram aumento da popularidade do Tull. Stand Up marca a primeira participação do maestro David Palmer em um disco do Jethro Tull, proporcionando arranjos orquestrados. Palmer iria aparecer em todos os álbuns seguintes, até juntar-se oficialmente à banda em 1977. Em 1971, sendo a formação Ian Anderson, Martin Barre, Clive Bunker, John Evans nos teclados e Jeffrey Hammond-Hammond no baixo, foi lançada a obra-prima do Tull: Aqualung.
Desde o segundo álbum as letras de Ian Anderson vinham ficando mais sérias, mas em Aqualung suas letras chegaram ao ponto que ele queria. O álbum trata da distinção entre Deus e a religião, a relação do homem com Deus, e como a religião interfere nessa relação. Musicalmente eles se distanciaram do blues de suas origens e fizeram um som mais próximo ao hard rock e heavy metal (com magníficos riffs de Barre) mas recheado de influências folk. O grande público se identificou com o tema da alienação que permeia esse trabalho conceitual. Aqualung foi um dos maiores sucessos do rock "cerebral", tendo várias faixas (Hymn 43, My God, Cross-eyed Mary, Locomotive Breath, Wind-up e a faixa título) tocando constantemente no rádio.
Depois do lançamento do álbum e da turnê, Bunker saiu e foi substituído por Barriemore Barlow, e essa formação durou por um bom tempo. Em 1972, saiu Thick as a Brick, considerado por muitos o melhor disco do Tull. A banda entrou de cabeça no rock progressivo dos anos 70, sendo Thick as a Brick uma obra complexamente estruturada, consistindo de uma única música (dividida em duas partes) que seria o poema de garoto-prodígio de oito anos sobre a sociedade, com várias imagens surrealistas e comentários ferinos. Foi o primeiro #1 do Tull nos Estados Unidos.
A aceitação entre o público e a crítica continuou grande ao longo da grande carreira do Jethto Tull, que com o seu estilo extremamente peculiar (caracterizado pela flauta de Ian Anderson) tem uma legião de fãs cativos. O melhor período do grupo foi a década de 70, com excelentes álbuns (como Songs From the Wood e A Passion Play), mas o grupo manteve a sua consistência criativa durante os anos 80 e 90, sempre liderado por Ian Anderson, que além de gênio visionário e compositor de tarimba, é também milionário - o maior exportador de salmão da Europa!

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Creedence Platinado

2006-02-17T09:25:00.001-02:00

Creedence Clearwater Revival - Platinum

Disc: 1
01. Green River
02. Fortunate Son
03. Up Around the Bend
04. Bad Moon Rising
05. Porterville
06. Penthouse Pauper
07. Someday Never Comes
08. Long As I Can See the Light
09. Hey Tonight
10. Ramble Tamble
11. I Put a Spell On You
12. It Came Out of the Sky
13. Who'll Stop the Rain
14. Wrote a Song for Everyone
15. I Heard It Through the Grapevine
16. Feelin' Blue
17. Don't Look Now
18. Molina
19. Sweet Hitch-Hiker
20. Proud Mary

Disc: 2
01. Run Through the Jungle
02. Commotion
03. Travelin' Band
04. Walk On the Water
05. Pagan Baby
06. Good Golly Miss Molly
07. Have You Ever Seen the Rain?
08. Susie Q
09. Lodi
10. Down on the Corner
11. (Wish I Could) Hideaway
12. Born On the Bayou
13. Before You Accuse Me
14. Cross-Tie Walker
15. Cotton Fields
16. Lookin' for a Reason
17. Working Man
18. Lookin' Out My Back Door
19. Midnight Special
20. Night Time Is the Right Time

O embrião da banda Creedence Clearwater Revival foi fundado em 1959, chamava-se Blue Velvets e era formada pelos irmãos John Fogerty (vocalista e guitarrista), e Tom Fogerty (guitarrista), Stuart Cook (baixo) e Douglas Clifford (bateria). Em 1966 conseguiram seu primeiro contrato com uma gravadora, a Fantasy, e com o nome de The Golliwogs gravaram dois singles. Embora não tivessem grandes pretensões o single foi bem aceito. Em 1967 mudaram o nome da banda para Creedence Clearwater Revival e a boa aceitação dos primeiros singles levou-os a deixar de ser apenas uma banda de covers dos anos 50 para se arriscar em suas próprias composições.
Em 1968 lançaram o seu primeiro álbum, auto-intitulado. Em meio ainda ao fenômeno das bandas inglesas o Creedence foi uma das primeiras bandas americanas a se firmar no topo das paradas (entre outros com os singles "Susie Q" e "I Put a Spell on You").
Em 1971, após mais três álbuns de sucesso, o Creedence Clearwater Revival se tornou a primeira banda a superar os Beatles como grupo de rock mais popular. Seu maior hit de todos os tempos, "Have You Ever Seen The Rain", do álbum Pendulum, trata-se de uma das músicas mais coverizadas até hoje. Suas músicas de pouco mais de três minutos, com refrões fáceis e cativantes pavimentaram caminho para as bandas de Hard Rock que se seguiriam.
Contrastando com o sucesso crescente surgiu a notícia de que Tom Fogerty havia abandonado a banda para seguir carreira solo. O Creedence (como um trio) ainda lançou um álbum decepcionante, "Mardi Gras", antes de ser declarada extinta em 1972. Desde então reuniram-se eventualmente para aparições em festivais diversos. Stu Cook e Doug Clifford chegaram a montar uma banda chamada Creedence Clearwater Revisited e se apresentaram tocando músicas de seu grupo antigo.
Todos os membros da banda participaram das gravações do álbum solo de Tom Fogerty lançado em 1974, "Zephyr National". Tom Fogerty morreu em 1990 vítima de problemas respiratórios.

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Drenando o Cérebro

2006-02-01T17:48:00.000-02:00

Ramones - Brain Drain

1. I Believe In Miracles
2. Zero Zero UFO
3. Don't Bust My Chops
4. Punishment Fits The Crime
5. All Screwed Up
6. Palisades Park
7. Pet Sematary
8. Learn To Listen
9. Can't Get You Outta My Mind
10. Ignorance Is Bliss
11. Come Back, Baby
12. Merry Christmas (i Don't Want To Fight Tonight)

"Quatro garotos, ex-delinqüentes juvenis de Queens, New York, uniformizados com calças jeans rasgadas e jaquetas de couro, tocando músicas de dois ou três minutos, falando sobre danos cerebrais e insanidade, como se a sua vida dependesse disto. Garantia de excelente diversão". (Revista Rolling Stones, 1983)
Engana-se quem pensa que o Punk Rock e o visual marcado por jeans rasgados foi criado pela banda inglesa Sex Pistols. Já em 1974, muito antes de Malcom McLarem ter a idéia de formar os Sex Pistols, uma banda de adolescentes tocava no famoso clube CBGB (Country Bluegrass and Blues) de Manhatan, entre outras músicas, uma chamada "Judy Is a Punk". A banda definiria nestes primeiros shows a atitude musical e visual que viria a ser conhecida como Punk Rock.
Numa época em que o rock and roll institivo divertido e curto dos primeiros tempos havia sido substituído por músicos de técnica apurada, solos imensos, letras profundas e discos duplos, os Ramones foram alguns dos principais responsáveis por freiar os exageros do rock progressivo que se tornava cada vez mais chato. Afinal de contas, sendo encarado como arte, o rock havia perdido toda a sua expontaneidade e energia.
Fãs de bandas descartáveis como os Beatles (primeira fase) e Beach Boys, três garotos de New York resolveram nadar contra a correnteza e fazer música simples, rápida e acima de tudo divertida. Seus nomes eram Jeffrey Hyman (bateria), John Cummings (guitarra) e Douglas Colvin (baixo e vocal). Resolveram assumir os nomes artísticos de Joey Ramone, Johnny Ramone e Dee Dee Ramone. Conta a lenda que o sobrenome foi tomado emprestado do Beatle Paul McCartney, que costumava viajar disfarçado e se hospedava em hoteis com o nome falso de Phill Ramone. Após algumas apresentações se uniu à banda o baterista Tommy Ramone (Tony Erdely), ficando Joey Ramone nos vocais, Johnny na guitarra, e Dee Dee no baixo. Com esta formação conseguiram heroicamente, sem saber tocar pouco mais do que três acordes, um contrato com uma gravadora.
Sai assim, em 1976, o primeiro disco, auto intitulado. Se faltava à banda técnica, sobrava energia. O disco foi muito bem aceito e se tornou um dos mais influentes da história do rock. Afinal, se os Ramones haviam conseguido chegar a um disco sem saber tocar, nada impedia que outras bandas tentassem. O disco Ramones desencadeou um pouco mais tarde na Inglaterra o movimento punk que viria a ficar conhecido mundialmente com bandas como Sex Pistols, The Clash, Damned, etc. Embora os Ramones não tenham tido a princípio o mesmo reconhecimento das bandas inglesas, foram eles, sem sombra de dúvida, os pioneiros do do-it-yourself. Finalmente um disco de mais de 12 músicas e menos de 30 minutos voltava às paradas.
Durante a carreira obviamente houveram muitas mudanças de formação. Em 1977 Tommy deixou a banda e foi substituído por Marky Ramone (Marc Bell). Marky por sua vez viria a ser substituído por algum tempo por Richie Ramone (Richard Beau), voltando depois à banda. A perda mais sentida pelos fãs, porém, foi a saída do fundador Dee Dee Ramone, por diferenças musicais. Dee Dee se tornou um músico de rap e foi substituído por CJ Ramone (Christopher Ward).
No ano de 1979, um produtor de filmes "B", Roger Corman, convida a banda para estrelar uma de suas últimas produções, chamada de Rock'n'Roll HighSchool. A trama se desenvolve baseada nos próprios músicos e numa fã que queria entregar suas composições para serem tocadas pelos Ramones. É deles também boa parte da trilha sonora.
Sem dúvidas nenhuma, o maior público num show da banda foi em 1981, o US Festival, na Califórnia, com cerca de 500 mil pessoas assistindo aos já não tão garotos de Nova York.
Em 1991 foi lançado o tributo à banda, chamado de Gabba Gabba Hey!, que conta com a participação de D.I., Buglamp, Chemical People, Bad Religion, Groovie Ghoulies, entre muitos outros.
Após vinte anos de carreira e 15 discos de estúdio, o Ramones é uma das poucas bandas que pode ser elogiada (ou criticada) por praticamente não ter mudado seu estilo. Incrivelmente, apenas na década de 90 vieram a ser conhecidos do grande público e seus discos passaram a vender mais do que na época de seu lançamento.
Em 1995 a banda decidiu encerrar suas atividades, pegando de surpresa a legião de fãs, afinal estavam no auge de sua carreira, nunca havia feito tanto sucesso e seus dois últimos álbuns, Mondo Bizarro e Acid Eaters, eram considerados dos melhores de sua longa carreira. Em meio a boatos de brigas e desentendimentos gravam seu canto-dos-cisnes adequadamente intitulado Adios Amigos. O fim? Pouco provável.
1996 foi o derradeiro ano. Foi lançada uma coletânea ao vivo intitulada de The Greatest Hits, com duas faixas em estúdio, a R.A.M.O.N.E.S, do Motörhead e uma versão para SpiderMan, que entrou numa coletânea de temas de desenhos animados. Esta música inclusive está presente em uma tiragem da versão americana do Cd Adios Amigos. O grupo também foi a atração principal do festival itinerante Lollapalooza, que acontecia anualmente nos EUA.
Porém, os rumores foram se concretizando. A banda faz seu último show em 6 de Agosto desse mesmo ano, o 2263º de sua carreira. Um show que contou com participações mais do que especiais. Dee Dee Ramones, Lemmy, os músicos do Rancid e do SoundGarden, Eddie Vedder, entre outros cantaram e tocaram músicas com os mestres, numa apresentação que está imortalizada no disco ao vivo We're Outta Here!.
CJ Ramone continua se apresentando na sua banda Los Gusanos enquanto Marky toca em seu projeto solo Marky Ramone and The Intruders. De Johnny, que largou por definitivo a música (alguns até o acusam por ter causado o fim da banda), está vivendo com os louros de seu trabalho. Já a notícia mais triste fica por conta de Joey: está com leucemia, o que deixou sua já debilitada saúde num estado bem delicado.
Em 1999, o grupo fez uma apresentação beneficente em Nova York para juntar fundos para uma casa que cuida de crianças com leucemia. A grande esperança dos fãs veio através das palavras do guitarrista Johnny: "Se Joey se recuperar da sua doença, faremos uma turnê mundial". Esperanças que infelizmente não se concretizaram. Joey faleceu em abril de 2001, aos 49 anos.
Em 2002, pouco após a banda Ramone ser admitida no Rock And Roll Hall Of Fame, um reconhecimento tardio à sua importância, Dee Dee Ramone, baixista original da banda, morreu aos 50 anos de idade em sua casa, em Hollywood. Dee Dee foi encontrado pela esposa, sem dar sinais de vida. O serviço de emergência do corpo de bombeiros de Los Angeles, chamado imediatamente para o local, confirmou o óbito. A causa da morte foi uma overdose. Seringas e equipamentos usados para consumo de drogas injetáveis foram encontrados no apartamento. No passado, por várias vezes Dee Dee havia tido problemas com vício em heroína.
Em 2004 foi a vez de Johnny Ramone, morto aos 55 anos em New York, após lutar durante cinco anos contra um câncer de próstata. Marky Ramone se tornou então o último remanescente da formação mais clássica da banda.

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Mestre dos Anéis

2006-01-31T09:52:00.000-02:00

Helloween- Master Of The Rings
1. Irritation
2. Sole Survivor
3. Where The Rain Grows
4. Why?
5. Mr Ego (Take Me Down)
6. Perfect Gentleman
7. The Game Is On
8. Secret Alibi
9. Take Me Home
10. In The Middle Of A Heartbeat
11. Still We Go

O Helloween foi formado na Alemanha em 1984. Sua primeira formação contava com Kai Hansen (vocalista e guitarrista), Michael Weikath (guitarrista), Markus Grosskopf (baixista) e Ingo Schwichenberg (baterista). Sua estréia no mundo do metal, se deu com o EP auto- intitulado, Helloween, de 1985- com apenas 5 músicas. O segundo LP- tido como a grande e verdadeira estréia da banda-, Walls Of Jericho, de 1986, rapidamente se tornou um sucesso entre os headbangers europeus.
Em 1987 o seu segundo álbum, Keeper Of The Seven Keys se tornou um dos clássicos de todos os tempos do heavy metal. Para assumir os vocais (já que Kai Hansen realmente estava sobrecarregado com os vocais, guitarra e composições) foi chamado o jovem (então com 18 anos) Michael Kiske (a excelente performance de Kiske mais tarde o levaria a ser um dos indicados para substituir Bruce Dickinson no Iron Maiden, embora isso não tenha se concretizado)e Kai Hansen fica então somente na guitarra e composições. Logo após as gravações do álbum, porém, o guitarrista Michael Weikath passou a apresentar problemas freqüente de relacionamento com os outros membros, principalmente Kai Hansen (Weikath não estava satisfeito com o pouco espaço dado a suas composições, pois apenas duas das músicas do álbum não haviam sido compostas por Hansen).
Em 1988 foi lançado Keeper Of The Seven Keys Part II (nome escolhido pela gravadora) que elevou o Helloween ao nível das maiores bandas de heavy metal da Europa, gerando grandes turnês que desagradaram Kai Hansen (o qual preferia se dedicar a composições ao invés de se apresentar ao vivo noite após noite). Kai abandonou o Helloween após alguns shows da nova turnê e passou a preparar juntamente com Ralf Scheepers o projeto que viria a se tornar na banda Gamma Ray. Assumiu seu lugar no Helloween, Roland Grapow. A liderança da banda, bem como boa parte das composições passou a ser responsabilidade de Michael Weikath.
Sem seu principal compositor e músico obviamente os trabalhos que se seguiram não foram tão bem aceitos. Os dois primeiros álbuns com a nova formação, Pink Bubbles Go Ape e Chameleon traziam uma banda em busca de uma identidade musical perdida e sem o peso que a caracterizava. A turnê de Chameleon foi interrompida pelo meio em virtude de problemas internos na banda e falta de público. Somado a isso, junta-se a morte de Ingo Schwichtenberg, o ex- baterista da banda; Ingo sofria de esquizofrenia hereditária e era usuário de cocaína, o que piorava seu estado físico e mental. Em um show no Japão, antes de se iniciar o show, mas já no palco, o ex- baterista se jogou no chão em posição fetal e chorou compulsivamente. As tours eram marcadas por grandes momentos de depressão e outros em que Ingo apresentava euforia histérica. Diante deste quadro, para a desgraça total, o mesmo Ingo se suicidou. Segundo Michael Weikath, mesmo o Helloween tratando Ingo e o levando a médicos, a banda foi acusada de não se importar com o ex- baterista. Isto não foi tudo, pois as guerras de gravadoras continuaram; a Noise Records não os havia pagado , a EMI os mandou embora e tiveram alguns problemas sérios, no início, com a Castle.
Em 1994 um novo rumo na história da banda é marcado com o lançamento de Master Of The Rings. Com novo vocalista (Andi Deris) e novo baterista (Uli Kusch, que havia tocado com o Gamma Ray) o novo disco foi excelentemente aceito por crítica e público. A boa fase seria confirmada com o próximo e excelente álbum, The Time Of The Oath- com dedicação especial ao falecido ex- baterista Ingo Schwichtenberg- e com o registro ao vivo High Live.

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O céu está chorando

2006-01-30T09:25:00.000-02:00

Stevie Ray Vaughan - The Sky is Crying
1. Boot Hill
2. The Sky Is Crying
3. Empty Arms
4. Little Wing
5. Wham!
6. May I Have A Talk With You
7. Close To You
8. Chitlins Con Carne
9. So Excited
10. Life By The Drop

Stevie Ray Vaughan nasceu em Dallas, Texas, começando a tocar guitarra desde cedo inspirado pelo irmão mais velho Jimmie Vaughan. Aos 17 anos abandonou a escola para se dedicar exclusivamente a música, com a banda Cobras. Em 1975 formaria a banda Triple Threat com o vocalista Lou Ann Barton, o baixista Jackie Newhouse e o baterista Chris Layton. Com Stevie Ray Vaughan assumindo os vocais a banda assumiu o nome Double Trouble, inspirado em uma canção de Otis Rush.
Em 1982 a banda Double Trouble tocou em no Jazz Festival de Montreaux, onde também se apresentava David Bowie, quem logo os convidou a participar do seu próximo álbum (Let's Dance) e ganhando em troca acesso ao estúdio para gravação de algumas músicas da banda que virariam o seu primeiro álbum, Texas Flood, lançado em 1983. O álbum foi aclamado por críticos de blues e rock. Os álbuns que se seguiriam, Couldn't Stand the Weather (de 1984) e Soul to Soul (de 1985) seriam sucessos absolutos de público e crítica.
Em meio a problemas do guitarrista com álcool e cocaína foi lançado o seu álbum de maior sucesso, o duplo ao vivo Live Alive em outubro de 1986. Após a turnê subsequente Vaughan passou por clínicas de reabilitação, voltando à ativa em 1988 com o álbum In Step que lhe valeu um prêmio Grammy.
Em 1990 gravou o álbum Family Style com o irmão Jimmie Vaughan. Em agosto de 1990, em meio à turnê com o irmão e tendo acabado de tocar um show em que se apresentaram como convidados, entre outros, Eric Clapton, Robert Cray e Buddy Guy, Stevie Ray Vaughan tomou um helicóptero rumo a Chicago, que caiu logo após a decolagem. O álbum foi lançado apenas alguns meses após a sua morte.
Em 1991 foi lançado seu álbum póstumo The Sky is Crying, contendo sobras de estúdio escolhidas por Jimmie Vaughan. Mais tarde foi lançado o álbum ao vivo In the Beginning, contendo uma gravação ao vivo da banda Double Trouble em 1980.

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A união dos extremos

2006-01-27T08:55:00.000-02:00

Virgin Steele - The Marriage of Heaven & Hell
01 - I will come for you
02 - Weeping of the Spirit
03 - Blood and Gasoline
04 - Self Crucifixion
05 - Last Supper
06 - Warrior's Lament
07 - Trail of Tears
08 - The Raven Song
09 - Forever Will I Roam
10 - I Wake Up Screaming
11 - House of Dust
12 - Blood of the Saints
13 - Life Among the Ruins
14 - The Marriage of Heaven and Hell

Virgin Steele pode ser classificada como uma das melhores bandas de metal vinda dos EUA nos anos 80. A banda foi fundada no início dos anos 80 por Jack Starr, guitarrista de origens francesas, que estava à procura de elementos certos para formar uma banda de heavy metal. O primeiro a responder seu chamado foi o baterista Joey Ayvazian, e logo em seguida o vocalista David De Feis, que foi apresentado à Jack por Joey. David trouxe junto com ele o baixista Joe O'Reilly. E assim estava formado o Virgin Steele.
Estrearam em 1982, com "Children of the Storm". Um pouco mais tarde lançaram o primeiro álbum auto-intitulado e a banda se tornou uma das grandes promessas do metal americano. Seu estilo era bastante original, um misto de heavy metal americano com uma atmosfera épica. David, que era também excelente tecladista, entrou com os particulares arranjos melódicos da banda, enquanto Jack mandava um som pesado e muito mais direto. Este "duelo" entre os estilos musicais de ambos criou um estilo diferente de metal épico que pode ser observado na própria "Children of the Storm" e no resto do álbum. No ano seguinte, "Guardians of the Flame" veio para confirmar o supremo valor da banda, com os contrastes entre as duas fortes personalidades dos líderes. Depois do disco chamado "Wait For The Night", ("A Cry In The Night" na versão inglesa), Jack Starr resolveu largar a banda pois não agüentava mais as brigas por causa das idéias de De Feis, que imediatamente chamou Rhett Forrester do Riot e lançou um álbum chamado "Out Of Darkness". Jack tentou ficar com o nome "Virgin Steele" para ele, mas em uma apresentação em Paris que foi um desastre total acabou deixando de vez o nome da banda com David De Feis e o restante dos músicos agora contando ainda com o guitarrista Edward Pursino.
O álbum seguinte chama-se "Noble Savage", outro álbum pomposo que mistura metal clássico e épico, mostrando um lado da banda muito mais refinado. Porém, mais uma vez o álbum não vendeu como esperado. Em 1987 rumores diziam que o Virgin Steele tinha lançado um álbum de thrash metal chamado Exorcist seguindo o sucesso do gênero, De Feis porém negou os boatos que realmente, nunca foram confirmados. A banda finalmente chegou na Europa abrindo para o Manowar e ganhou grande apoio devido à perfromance ao vivo da banda. Quando as coisas começam a caminhar bem, é lançado o álbum "Age Of Consent" caracterizado como sendo um típico álbum de hard rock americano, e é claro, deixando os fãs de metal muito decepcionados. Virgin Steele entrou então no seu período "negro". O selo da banda faliu, Joe O'Reilly decidiu sair e a banda resolveu dar um tempo. David finalmente se formou em piano e composição, e tocou com uma banda improvisada chamada "Smoke Stark Lightning"que contava com alguns músicos famosos como o já conhecido Jack Starr e o baterista Bobby Rondinelli.
Em 1993 Rob De Martino foi escolhido como o novo baixista e a banda assinou com a Shark, finalmente o Virgin Steele estava de volta com "Life Among The Ruins" um álbum com influências de hard rock à lá Whitesnake. Um ano depois o som de "Noble Savage" se repete em "The Marriage Of Heaven And Hell part I "para a alegria dos fãs de metal. Um álbum de metal épico recheado de passagens melódicas e influências sinfônicas, com tendências progressivas bastante marcadas. Virgin Steele voltou a tocar na Europa abrindo para Manowar e Uriah Heep. No final de 1995 a segunda parte do disco foi lançada, seguindo a mesma linha da primeira parte. Em 1998 é lançado o álbum "Invictus" bastante elogiado pela crítica e pelos fãs.

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Joe na Jamaica

2006-01-17T13:36:00.001-02:00

Joe Cocker - Stingray
01. The Jealous King
02. I Broke Down
03. You Came Along
04. Catfish
05. Mood Dew
06. The Man In Me
07. She Is My Lady
08. Worrier (with E.Clapton)
09. Born Thru Indifference
10. A Song For You

Joe Cocker (nascido em 20 de maio de 1944) é um cantor de música popinfluenciado pela soul music no início da carreira. Ele começou sua carreira musical em sua cidade natal de Sheffield, na Inglaterra, aos 15 anos de idade: sua primeira banda foi os Avengers (sob o nome artístico de Vance Arnold), depois Big Blues (1963) e então a Grease Band (a partir de 1966). Em 1969 ele foi o astro convidado do programa The Ed Sullivan Show.
Seu primeiro grande sucesso foi com "With a Little Help from My Friends", uma versão de uma música dos Beatles gravada com o guitarrista Jimmy Page. No mesmo ano ele apareceu no Festival de Woodstock. Coker ainda conseguiu mais alguns hits com "She Came Through the Bathroom" (outra versão de uma música dos Beatles), Cry Me a River" e "Feelin Alright". Em 1970 sua versão ao vivo do sucesso "The Letter" dos Box Tops, lançado na compilação Mad Dogs & Englishmen tornou-se sua primeira canção a entrar no Top Ten americano.
Nos shows Cocker exibia uma intensidade física incrível enquanto cantava, e sua presença no palco era frequentemente parodiada por John Belushi (houve até mesmo um dueto improvável quando Joe foi convidado especial do Saturday Night Live.)
No começo dos anos 70 ele teve problemas com drogas e álcool que acabaram atrapalhando sua carreira. Ele conseguiu, entratanto, se livrar e retornar nos anos 80, conseguindo grande sucesso até os anos 90 com as canções "Up Where We Belong", "You Are So Beatiful", "When The Night Comes" e "Unchain My Heart".

Download :: Senha: PapaStalin

O creme do blues

2006-01-06T10:33:00.000-02:00

Cream - Disraeli Gears
01. Strange Brew
02. Sunshine Of Your Love
03. World Of Pain
04. Dance The Night Away
05. Blue Condition
06. Tales Of Brave Ulysses
07. Swlabr
08. We're Going Wrong
09. Outside Woman Blues
10. Take It Back
11. Mother's Lament

Em uma curta carreira de menos de três anos e apenas quatro álbuns (apenas dois completamente de estúdio) o Cream foi um dos maiores responsáveis pela evolução (senão invenção) do hard-rock. Sua formação consistia de Eric Clapton (guitarrista que já havia tocado com os Yardbirds e Bluesbreakers), Jack Bruce (baixista e vocalista que também havia participado dos Bluesbreakers) e Ginger Baker (baterista que havia tocado com Bruce em uma pequena banda chamada Graham Bond). A banda Cream se formou em 1966 e o nome foi sugerido por Eric Clapton, que afirmava sobre sua banda: "we are the cream!" (nós somos o máximo). A formação power trio não era comum entre músicos de rock da época e também neste sentido o Cream foi uma banda pioneira.
Na época de sua formação foram a banda mais elétrica que já havia aparecido, influenciando entre outros a formação do Jimi Hendrix Experience (que veio a tocar com os ídolos e curiosamente também os influenciou) e Led Zeppelin. Na sonoridade do Cream letras e vocais eram de segunda importância, sendo mais valorizados as improvisações, solos e contribuições individuais de cada um dos instrumentistas, o que gerava shows imprevisíveis e longos.
A início apresentaram-se para pequenas platéias como uma banda cover de clássicos do Blues, aproveitando algumas composições de suas bandas antigas. A tarefa de compor material inédito ficou ao encargo de Jack Bruce, que buscou a ajuda do letrista Pete Brown. Em 1966, após a excelente repercussão de alguns singles, lançaram seu primeiro álbum, "Fresh Cream", pela major Polydor. As influências de blues de raiz eram claras mas não faziam com que o som da banda fosse menos original e excitante.
Em 1967, após uma bem sucedida turnê na América gravaram "Disraeli Gears". A banda assumiu neste LP uma postura mais experimentalista musicalmente, fazendo deste um dos precursores do psicodelismo. Foram acrescentados instrumentos inusitados como sinos e órgãos. A gravação dos shows da sua primeira grande turnê americana gerariam o maior sucesso do Cream, o álbum "Wheels of Fire", de 1968, primeiro da história a ganhar um disco de platina por suas vendagens.
Com o fim da banda anunciado devido a constantes conflitos de personalidade fizeram uma turnê de despedida e lançaram o LP "Goodbye" em 1969 (metade das faixas era inédita e metade de gravações ao vivo). A música Badge foi a primeira parceria de Eric Clapton com George Harrison, que assina a música com o pseudônimo L'Angelo Misterioso.
Após a dissolução do Cream Eric Clapton formou as bandas Blind Faith (que também teve a participação de Ginger Baker) e Derek and The Dominoes. Jack Bruce seguiria carreira como músico de jazz e produtor.

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Montem a banda, eios o vocalista

2006-01-03T08:03:00.000-02:00

Dio - Holy Diver (1983)
1. Stand up and Shout
2. Holy Diver
3. Gypsy
4. Caught in the Middle
5. Don't Talk to Strangers
6. Straight Through the Heart
7. Invisible
8. Rainbow in the Dark
9. Shame on the Night

Ronnie James Dio é americano e seu verdadeiro nome é Ronald Padavona, assumiu o nome de "DIO" em homenagem a seus familiares italianos. Cantou e tocou baixo na sua primeira banda mais importante, ELF (onde gravou 2 álbuns). Outras bandas no seu início de carreira foram: Vegas Kings (formado por colegas da sua escola) que mais tarde mudou o seu nome para Ronnie and the Rumbles e depois deste, para Ronnie and the Redcaps. Tocavam em bailes universitários etc. Mais uma vez mudam o nome da banda para Ronnie Dio and the Prophets. Mudaram o nome mais vezes, The Eletric Elves, depois para The Elves e finalmente ELF.
Foi chamado para cantar no Rainbow de Ritchie Blackmore (ex-Deep-Purple), onde gravou quatro álbuns. Após deixar o Rainbow, foi convidado pelo guitarrista Tony Iommy para integrar o posto de vocalista no Black Sabbath. Gravou ao todo três álbuns e mais um após sua volta à banda em 1992. Saiu do Black Sabbath em 1983 devido a problemas de ego e uma "suposta" sabotagem na mixagem final de Live Evil (ao vivo do Sabbath).
No mesmo ano após sua saída do Black Sabbath, ou seja, 1983, lança aquele que para muitos é um dos melhores discos de heavy metal de todos os tempos, Holy Diver. Nele estão Vinny Appice que também tinha saído do Sabbath e acompanhou Dio, seu antigo companheiro de Rainbow Jimmy Bain e o excelente guitarrista Vivian Campbell. Holy Diver foi aceito em grandes proporções e deixou clássicos como a faixa-título, Stand Up and Shout, Don’t Talk to Strangers e a mais famosa Rainbow in the Dark.
Embalado com o sucesso atingido logo de cara, Dio solta mais um em 1984 chamado The Las in Line. Simplesmente maravilhoso, trazia a mesma fórmula de Holy Diver. Foi este álbum que levou a banda à uma enorme turnê mundial seguido do seu primeiro vídeo oficial. Os músicos são os mesmos mas no álbum ainda há um tecladista chamado Claude Schenell, e com isso lançam clássicos como a faixa-título, We Rock (um dos maiores sucessos), Breathless, Evil Eyes etc.
E para provar que Dio era mesmo um fanático em duendes, dragões, magos, reis, rainhas e arco-íris, lança Secread Heart em 1985. Um belíssimo trabalho que continuava a sustentar a banda como uma das melhores dentro do gênero, na época. A formação e a fórmula permanecem as mesmas desde 1983 e nisso podemos reparar a versatilidade do guitarrista Vivain Campbell com toda sua harmonia. De cara notamos que seus grandes sucessos foram King of Rock and Roll(a única do disco que ainda é tocada atualmente), faixa-título, Rock and Roll Children, Just Another Day e Fallen Angells. Desta turnê também sai um vídeo chamado Secread Heart Live.
Em 1986 sai um ao vivo chamado Intermission com apenas seis músicas onde as que se destacam são King of Rock and Roll, We rock e Rainbow in the Dark.
Agora vamos a 1987, quando Vivian Campbell (guitarrista), deixa a banda e é substituído por Craig Goldie. É lançado então, Dream Evil, que é conhecido como um álbum problemático pelo próprio Dio. Apesar de ter havido alguns problemas, as músicas continuam sendo delirantes. Night People, Dream Evil(uma das melhores), Sunset Superman e Faces in the Window se destacam.
Depois de um sucesso contínuo e dos problemas em 1987, Dio sumiu do mapa e voltou a aparecer em 1990 com Lock up the Wolves. Sua formação é totalmente diferente das passadas. Os músicos são Rowan Robertson, um garoto inglês de apenas 18 anos de idade e que segundo o próprio Dio, foi selecionado após um teste com (diz a lenda) milhares de guitarristas. Mas independente disso, Rowan mostra uma incrível versatilidade e rapidez em seus solos, mostrando que não estava para brincadeira. Para a bateria foi chamado ninguém menos que Simon Wright (ex-AC/DC), um novaiorquino chamado Teddy Cook para o baixo e um dos maiores tecladistas do metal, o sueco Jens Johansson (ex-Malmsteen e atual Stratovarius). As músicas ganham novos elementos mas o Heavy Metal permanece intacto (além da linda e sinistra capa). Não foi seu melhor disco mas com certeza destacam-se a porrada Wild One, Hey Angel, a bela faixa-título, Walk on Water, Born to the Sun e My Eyes.
Em 1992 Dio volta ao Black Sabbath e grava mais um álbum chamado Dehumanizer, mas infelizmente alguns problemas acabaram com a reunião da banda. Neste mesmo ano sai uma coletânea intitulada Diamonds com vários clássicos da banda Dio.
Após isso o "nanico" volta com Strange Highways em 1993, que seguia a mesma linha de Dehumanizer. Não foi um de seus melhores álbuns, e os problemas com a separação do Black Sabbath o deixaram meio desanimado. Mesmo assim podemos destacar algumas músicas bem legais como Jesus, Mary & The Holy Ghost, Firehead e Give Her The Gun. A formação era Dio nos vocais, Tracy G(guitarra), Jeff Pilson(baixo) e Vinny Appice (bateria). Também foi nesse ano que a banda veio a São Paulo tocar.
Em 1996 sai Angry Machines, e mais uma vez Dio mostra o quanto gostou de ter feito junto ao Black Sabbath, Dehumanizer (1992). Chegou a declarar que não falava mais de reis e rainhas por que preferia tratar da realidade. Algumas músicas de Angry Machines que marcaram foram a porrada sonora de Don’t Tell the Kids (onde Vinny Appice simplemente detona sua bateria!), Institutional Man, Hunter of the Heart(a única que foi tocada nos shows aqui no Brasil) e Dying in America. A banda estava composta por Dio nos vocais, Tracy G (guitarra), Jeff Pilson (baixo) e Vinny Appice (bateria). Vieram ao Brasil para tocar junto com Bruce Dickinson, Jason Bonham Band e Scorpions no final de 1997. Os fãs o aclamaram más criticaram duramente o desempenho do guitarrista Tracy G. Neste mesmo ano saiu uma coletânea chamada Anthology. Em 1998 sai um CD duplo ao vivo chamado Dio’s Inferno - The Last in Live, que traz clássicos como, Holy Diver, Don’t Talk to Strangers, The Last in Line, e The Mob Rules (do black sabbath), Mistreated (do deep-purple) e Catch the Rinbow (do rainbow) entre outras. Sem dúvidas foi um sucesso bem vendido no país. Algo relativo à volta do Rainbow tinha sido mencionado mas com a morte do baterista Cozy Powell, a notícia permaneceu apenas como boato.
Em 2000 lança "Magica", um álbum conceitual que traz de volta o estilo classico de Dio compor, com letras sobre Magia, Dragões e Bruxas. Sons como "Fever Dreams" (bem ao estilo Holy Diver...), "Turn to Stone", "Challis" (arrasadora!), Losing my Insanity, e a balada "As long as it's Not About Love", conquistaram em cheio o público.
Sua banda contou com a volta do magnífico Craig Goldie (guitarra), o seu fiel escudeiro Jimmy Bain (baixo), Simon Wright (bateria), Scott Waren (teclados). No final de 2001 Goldy decide deixar a banda, alegando problemas familiares e para seu lugar é recrutado o guitarrista Doug Aldrich. Com novo line up, Dio entra em estúdio e em 2002 sai "Killing the Dragon" que procurou repetir a mesma forma do anterior, porém com um pouco mais de rapidez e peso. Destaques: "Scream" (bem ao estilao Heaven and Hell!) "Throwaway the Children" e é claro a faixa titulo (candidata a novo classico!).
Em 2003, sai seu primeiro DVD oficial, "Evil Or Divine". E para 30 de agosto de 2004 está previsto o lançamento de seu novo trabalho de estúdio, "Master Of The Moon", que contou com o seguinte line-up: Ronnie James Dio no vocal, Craig Goldy na guitarra, Jeff Pilson no baixo, Simon Wright na bateria e Scott Warren nos teclados; porém, quem ocupará o posto de baixista na turnê será Rudy Sarzo.

Download: Parte 1 - Parte 2
Senha: kru5ty

Cowboys do Inferno

2006-01-02T18:33:00.000-02:00

Pantera - Cowboys From Hell
1. Cowboys From Hell
2. Primal Concrete Sledge
3. Psycho Holiday
4. Heresy
5. Cemetery Gates
6. Domination
7. Shattered
8. Clash With Reality
9. Medicine Man
10. Message In Blood
11. The Sleep
12. The Art Of Shredding

Diamond Darrel Abbott, Rex Rocker Brown e Vinnie Paul Abbott tocaram pela primeira vez juntos em uma banda de jazz. Mais tarde formaram o Pantera convidando para os vocais Terry Glaze. Com visual glam e estilo de rock californiano que caracterizaram sua primeira fase lançaram os álbuns Metal Magic de 1983, Projects in the Jungle de 1984 e I Am the Night de 1985. Felizmente não conseguiram grande repercussão.

A mudança de rumos na banda ocorreu com a saída do vocalista Terry Glaze e sua substituição por David Peacock e posteriormente Phill Anselmo. Com a entrada de Anselmo tudo na banda mudou (com excessão do nome). Um álbum de transição, Power Metal, de 1988, muito mais pesado que os anteriores, se tornou logo no maior sucesso de vendas da banda até então. Abandonaram o visual afeminado e qualquer resquício de rock arena.

Cowboys From Hell de 1990 marcou o início da nova banda, que logo projetou Anselmo como um dos mais potentes vocalistas dos anos 90. O Pantera rapidamente foi elevado ao patamar das grandes bandas de thrash metal com o segundo disco da nova fase, Vulgar Display of Power de 1992. O som ficaria a cada dia mais violento e cru desde então. Após lançar Far Beyond Driven em 1994 chegaram mesmo a se apresentar na versão inglesa do Donington Monsters of Rock Festival e o disco rapidamente chegou a platina.

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Senha: over812

Escorpiões Inquebráveis

2005-12-27T08:44:00.000-02:00

Scorpions - Unbreakable
01 New Generation
02 Love'em Or Leave'em
03 Deep And Dark
04 Borderline
05 Blood Too Hot
06 Maybe I Maybe You
07 Someday Is Now
08 My City My Town
09 Through My Eyes
10 Can You Feel It
11 This Time
12 She Said
13 Remember The Good Times

Não há como negar a importância dos Scorpions, banda que revolucionou o Hard Rock. A banda foi formada na Alemanha em 1966, pelos irmãos Michael e Rudolf Schenker, ambos excelentes guitarristas. Junto a eles estavam Klaus Meine (Vocal), Lothar Heinberg (Baixo) e Wolfgang Dziony (bateria), em 1972, lançaram o album Lonesome Crow, e explodiram na cena Heavy Rock de varias países.
Após o primeiro álbum Heinberg, Dziony e Michael Schenker saíram da banda (este último formaria o UFO). Entraram na banda Francis Buchholz (baixo) e Jurgen Rosenthal (bateria) e o excelente Ulrich Roth (guitarra). Com esta formação gravaram o album Fly To The Rainbow, com destaques para Speddy’s Coming e para a faixa-titulo. Com Rudy Lenners nas baquetas gravaram o album In Trance, com as clássicas In Trance e Robot Man.
Em 1977 gravaram Virgin Killer, com destaque para Pictured Life, Backstage Queen, e Hell Cat, cantada por Uli Roth. O Scorpions já era nessa época uma banda bastante conhecida na Europa, o que rendeu uma longa e exaustiva tour.
O album seguinte, Taken By Force, que conta com Sails Of Charon e o hino Steam Rock Fever, traz Herman Rarebell assumindo o lugar de Lenners. Um album ao vivo foi lançado durante a tour e levou o nome de Tokyo Tapes, excelente album, por sinal.
Uli Roth que já não estava feliz no Scorpions, saiu da banda e formou o Eletric Sun. Mathias Jabs foi recrutado para o seu lugar e a sua a estreia foi no album Lovedrive, que conta também com a participação de Michael Schenker em três musicas. Grandes destaques para as musicas Loving You Sunday Morning, Holiday e a faixa-titulo. Essa formação foi a que a mais durou no Scorpions.
Gravam Animal Magnetism, destaques para Make It Real e a excelente The Zoo. O album que se seguiu foi Blackout, que entrou direto no Top 10 da Billboard, logo seguido por talvez o melhor do Scorpions, Love At First Sting. Os hits desse album foram Rock You Like A Hurricane, Big City Nights e a excelente balada Still Loving You. Segue-se um album ao vivo chamado World Wide Live, que consegue o numero 14 em paradas de sucesso americanas.
A banda fica quatro anos sem gravar, voltando com o mediano Savage Amusement, com destaque para a balada Believe In Love, e no ano seguinte solta a coletânea chamada Best Of Rockers ‘N’ Ballads, com destaque para o cover I Can’t Explain do The Who.
Em 1990 é gravado o album Crazy World, com as belas Tease Me Please Me, Hit Between The Eyes, e o super-ultra-hiper-mega sucesso Wind Of Change. Segue-se o album Face The Heat, com destaque para Alien Nation, Woman e Under The Same Sun. Após este album Buchholz sai da banda, dando lugar para Ralph Rieckermann. Com essa formação (Meine, Schenker, Jabs, Rieckermann e Rabebell), é gravado, em 1996, o bom album Pure Instinct. No mesmo ano Rarebell sai da banda, e James Kottak, assume o banquinho. A estreia de Kottak na banda é aqui no Brasil, no festival Skol Rock.

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Ao vivo no antigo templo do rock

2005-12-21T13:32:00.000-02:00

Queen - Live at Wembley

CD 1
01. One Vision
02. Tie Your Mother Down
03. In The Lap Of The Gods
04. Seven Seas Of Rhye
05. Tear It Up
06. A Kind Of Magic
07. Under Pressure
08. Another One Bites The Dust
09. Who Wants To Live Forever
10. I Want To Break Free
11. Impromptu
12. Brighton Rock Solo
13. Now I'm Here

CD 2
01. Love Of My Life
02. Is This The World We Created
03. (You're So Square) Baby I Don't Care
04. Hello Mary Lou (Goodbye Heart)
05. Tutti Frutti
06. Gimme Some Lovin'
07. Bohemian Rhapsody
08. Hammer To Fall
09. Crazy Little Thing Called Love
10. Big Spender
11. Radio Ga Ga
12. We Will Rock You
13. Friends Will Be Friends
14. We Are The Champions
15. God Save The Queen

O embrião do Queen foi a banda Smile, formada em 1968 por Brian May e Tim Staffell, estudantes do Imperial College em Londres. Através de um anúncio no mural da escola adquiriram o baterista Roger Taylor. Em 1969 embora apenas tendo se apresentado para platéias de amigos, conseguiram apoio da gravadora Mercury Records. No Ealing College of Art Tim Staffell apresentou a banda a Freddie Bulsara (vocalista de uma outra banda, Wreckage, que mais tarde mudaria seu nome para Freddie Mercury).
Em 1970 Stafelll abandonou o Smile. Brian e Roger se juntaram a Freddie e fundaram a banda Queen. Após experimentar alguns baixista a formação se estabilizou com John Deacon. Após ensaios exaustivos e dezenas de apresentações na escola gravaram as primeiras demos, que apesar da pouca repercussão lhes valeram o apoio da pequena gravadora Trident em 1972.
A partir de um acordo entre Trident e EMI foi lançado o álbum Queen em 1973 e iniciaram sua primeira turnê abrindo para a banda Mott The Hoople (rapidamente se tornando mais importante no show que a banda principal). Depois do lançamento de Queen II em 1974 a banda seguiu sua primeira turnê como headliner. Em meio às primeiras apresentações fora da Inglaterra (nos Estados Unidos) tiveram que interromper temporariamente as atividades em virtude de uma crise de hepatite de Brian May (que não participaria do início das gravações do próximo álbum em virtude da doença).
Sheer Heart Atack foi lançado em 1974 e se tornou um sucesso mundial. A turnê mundial que se seguiu teve de ser extendida, chegando a banda a se apresentar em lugares diferentes em um mesmo dia. A pressão dos shows levou Freddie Mercury a contrair uma séria infecção na garganta em meio a turnê que desta vez não chegou a ser interrompida apesar de algumas datas canceladas.
Bohemian Rhapsody foi lançada em 1975. Uma verdadeira ópera rock, no sentido mais literal das palavras. Taxada de experimentalista pela gravadora uma música como aquela dificilmente chegaria a ser um hit. Mais do que isso, porém, Bohemian Rhapsody se tornou no maior clássico da banda e seu primeiro single a chegar ao número 1. O álbum A Night At The Opera (o primeiro a ter o nome de um dos filmes dos irmãos Marx) de 1975 se tornou o seu primeiro álbum a vender mais de 1 milhão de cópias e alavancou as vendas dos álbuns anteriores. Desde os Beatles nenhuma banda inglesa havia conseguido colocar quatro álbuns entre os 20 mais vendidos de uma só vez. O próximo álbum, A Day At The Races, mesmo antes de sair às lojas já havia vendido antecipadamente meio milhão de cópias a mais que o previsto.
A sequência de álbuns e singles de sucesso prosseguiu incansável, News Of The World (1977, com os sucessos We Will Rock You e We Are The Champions), Jazz (1978), Live Killers (gravação ao vivo de 1979), The Game (1980, com a polêmica Another One Bites The Dust, acusada de ter mensagens subliminares de incentivo ao uso da maconha) e a trilha sonora para o filme Flash Gordon (1980). A banda entra na década de 80 com o acréscimo de instrumentos eletrônicos e um começo de flerte com a dance music. The
Works (1984) lança os hits Radio Ga Ga e I Want To Break Free nas rádios e MTV, marcando a fase de maior repercussão da banda. Em 1986 foi lançado A Kind Of Magic, trilha sonora para o filme Highlander, e Live Magic, um novo registro ao vivo. Os membros da banda gravaram ainda, durante os anos 80, vários álbuns solos. O destaque obviamente ficou para Freddie Mercury, com o hit I Was Born To Love You (tema de novela no Brasil) e um ábum de grande repercussão com a cantora clássica Montserrat Caballe (destacando as músicas Barcelona, tema das Olimpíadas e How Can I Go On).
Roger por suas vez chegou a gravar três álbuns com seu projeto solo, The Cross. Tendo sido eleita melhor banda dos anos 80 em dezenas de pesquisas em todo o mundo a banda encerra a década de 80 com o album The Miracle, lançado em maio de 89. Em fevereiro de 91 lanca Innuendo (Insinuaçao), album que marca a despedida do vocalista e líder Freddie Mercury. Com menções depressivas e letras subjetivas, um Freddie Mercury fraco insinua um dificil adeus, com músicas como The Show Must Go On (O show Deve Continuar) e These Are The Days Of Our Lives (Esses São os Dias de Nossas Vidas).
Alguns meses após o lançamento de Innuendo, Fred assumiria oficialmente ser HIV positivo, vindo a falecer de broncopneumonia em sua casa, 24 horas depois. Em entrevista à imprensa britânica o guitarrista Brian May lamenta a morte do companheiro de banda, dizendo ter perdido um irmão.
Ainda em 91 é lançado o album coletânea Greatest Hits II. Em junho de 92, a banda realiza com sucesso um tributo em homenagem a Fred. O show conta com participações de astros e bandas consagradas, tendo toda a sua renda revertida para o combate à AIDS.
No mesmo ano lança o album ao vivo Live At Wembley '86. Só em novembro de 95 é lançado Made In Heaven, um album póstumo com faixas ineditas. Dois anos depois, os integrantes se reencontrariam para o lançamento de Queen Rocks, com a belíssima canção, No One But You homenageando Freddie Mercury.
O último album oficial da 2ª melhor banda do mundo (segundo a a Channel4, HMV e Classic FM), foi lançado em novembro de 99. A coletânea Greatest Hits III conta com a participação de George Michael, David Bowie, entre outros...

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Polícia pra quem precisa de polícia

2005-12-19T16:19:00.000-02:00

The Police - Every Breath You Take: The Classics
01. Roxanne
02. Can’t Stand Losing You
03. Message in a Bottle
04. Walking on the Moon
05. Don’t Stand So Close To Me
06. De Do Do Do, De Da Da Da
07. Every Little Thing She Does Is Magic
08. Invisible Sun
09. Spirits in the Material World
10. Every Breath You Take
11. King of Pain
12. Wrapped Around Your Finger
13. Don’t Stand So Close to Me ‘86
14. Message in a Bottle (Rock mix)

A banda The Police teve início em Londres, 1977, quando Stewart Copeland (baterista, anteriormente na banda Curved Air), Gordon Sumner (baixista de jazz e professor de escola primária, mais tarde conhecido como Sting) e Henry Padovani (guitarrista) se encontraram para alguns ensaios.
Nas suas primeiras apresentações profissionais eram apenas a banda de apoio do vocalista Cherry Vanilla, excursionando como a banda de abertura de Johnny Thunders. Assumindo o nome The Police, o primeiro EP (disco de pequena duração), Fall Out, lançado de forma independente, imediatamente teve sua primeira edição de duas mil cópias esgotada, colocando a banda nas paradas britânicas de bandas alternativas.
Andrew Somers (nome real de Andy Summers) assumiria a segunda guitarra. A banda tocou com dois guitarristas durante alguns meses até que, com a saída de Pandovani, a banda teve sua formação definida como apenas um trio. Em 1977, tingem seus cabelos de louro para participar de um comercial de goma-de-mascar para a tv americana.
Curiosamente os cabelos tingidos se tornariam uma marca registrada da banda, fazendo com que ela fosse constantemente associada ao movimento punk. Na realidade a sonoridade da banda passeava pelo punk, new wave, pop e principalmente reggae.
No início de 1978 assinam contrato com a gravadora A&M e embora o primeiro single, Roxanne, não tenha alcançado nenhuma repercussão, o segundo, Can't Stand Loosing You, conseguiu ficar entre os 50 mais vendidos da parada britânica. Fazem então sua primeira excursão pelo Estados Unidos. O primeiro LP, Outlands Damour atinge o número 6 da parada britânica, o single Roxanne é relançado e vira um hit (número 12 na Inglaterra e 23 nos Estados Unidos). Can't Stand Losing atinge o número 2 na Inglaterra.
A partir de então seguiram-se dezenas de singles de sucesso (entre outros Message in a Bottle e Walking on The Moon) acompanhadas de apresentações para platéias cada vez maiores. Em 1979 o seu segundo LP, Reggata de Blanc atingiria o primeiro lugar da parada britânica levando ao relançamento de seu primeiro EP.
Embora nunca tenha anunciado oficialmente sua separação a banda The Police encerrou suas atividades em 1983 logo após o lançamento do LP Sincronicity. Após isto se reuniram diversas vezes para regravações, participações especiais em shows e aparições em rádio e tv.

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Destruindo tudo...

2005-12-14T13:12:00.000-02:00

Kiss - Destroyer
1. Detroit Rock City
2. King of the Night Time World
3. God of Thunder
4. Great Expectations
5. Flaming Youth
6. Sweet Pain
7. Shout It Out Loud
8. Beth
9. Do You Love Me?

O primeiro disco da série ao vivo “Alive” foi o responsável por fazer o Kiss cair nas graças do público americano e também de todo o mundo. A palavra sucesso já começava a ser algo amplo no vocabulário da banda. Apesar de grandes clássicos lançados nos discos anteriores, o público só viria a começar reconhecer a qualidade da banda a partir do momento que tomassem conhecimento da força que o Kiss tinha sobre o palco com um público na frente. O fato curioso é o recorde de tempo em que a banda lançava discos. Foram quatro num curto período de dois anos. O que tornou o Kiss ainda mais visado pela imprensa em geral. Para aproveitar a excelente fase, nada melhor do que mais um disco. Mas esse, não seria só mais um...
Bob Ezrin, um dos melhores produtores da época tendo trabalhado com artistas como Pink Floyd, Led Zeppelin, Peter Gabriel, Alice Cooper e Jimi Hendrix, foi contratado para a elaboração do quinto álbum pela Casablanca Records. Como resultado dessa parceria, em 15 de março de 1976, saia “Destroyer”, disco que se tornaria um marco não só na carreira da banda, como também na história do Rock.
Destroyer foi o responsável por elevar as músicas do Kiss a um outro patamar. A incrível habilidade de Bob Ezrin aliada a sonoridade e a mística em torno da banda, faz desse álbum uma reunião de grandes clássicos, que assim como o primeiro disco, possui a maioria de suas faixas obrigatórias nos shows até os dias atuais. A capa de Destroyer apresenta paradigmas típicos de revista em quadrinhos, retratando, através de uma ilustração, a imagem da banda como super-heróis que invadem uma cidade após a destruição total.
A faixa de abertura, “Detroit Rock City”, poderia se resumir em uma só palavra: obra-prima. Começa com uma narração jornalística de rádio, feita pelo próprio Gene Simmons, logo após se ouve barulho de chaves e a porta de um carro sendo fechada. O motor é ligado, o rádio começa a tocar “Rock ‘n Roll All Nite” e o motorista acelera cada vez mais na estrada. Pronto, o clima está instalado para uma aula de pouco mais de 4 minutos que mostra como se produz um clássico.
Na letra é contada a aventura desse motorista que sai dirigindo pela estrada à noite e fatalmente encontrará um caminhão em alta velocidade na sua frente. E no final fica pergunta: “Eu começo a rir, sei que vou morrer. Porque?”.
A voz de Paul Stanley é incontestável, transmitindo no timbre toda excitação do petardo musical. O solo de Detroit Rock City é simples, prático, nenhuma virtuosidade, mas quase que de uma forma inexplicável, esse mesmo solo consegue ser estonteante, traduzindo em poucos segundos porque Ace Frehley se tornou um guitarrista cultuado até hoje, mesmo sendo considerado um músico com limitações técnicas.
Talvez o fato de Ace ser extremamente habilidoso e conseguir transpor em solos simples toda a sinergia da banda, fazem com que ele seja um exemplo para guitarristas que viriam a começar a partir daí. O solo de DRC que em certo momento sai de sintonia e deixa espaço para as batidas continuadas da bateria de Peter Criss e logo após retorna numa desfaçatez impagável, serve para elevar a música há um nível jamais ouvido antes.
Sem interrupção, colada na linha sonora deixada por DRC vem “King Of The Night Time World”. Excitante, mais uma vez mostrando solos simples e funcionais, com destaque para o baixo de Simmons.
Terceira faixa “God Of Thunder”. Seria a banda querendo matar os ouvintes de um ataque cardíaco? Um clássico atrás do outro é difícil do coração e os ouvidos digerirem em tão pouco tempo. Totalmente voltada para que Gene desafie seu baixo em 4 minutos e 13 segundos, com uma pegada forte, simples e contagiante. Mas o som do baixo pode ser colocado em segundo plano quando Gene entra com sua voz grave, fazendo uma interpretação fantástica e verdadeira do que seria o Deus do Trovão e do Rock ‘n Roll.
GOT é a música que serve de pretexto para que, nos shows, Gene saia voando, vomite sangue e domine seu baixo com um solo pesado e de clima caótico que abre alas para o início da música em si. A banda explora agora uma nova sonoridade, com pianos e a participação do coral da Orquestra Sinfônica de Nova York na faixa “Great Expectations”. Uma música que soa estranha num primeiro momento, pois difere de tudo o que já se conhecia da banda, mas mesmo assim acaba se encaixando bem na proposta do álbum possuindo uma linda melodia aliada as vozes do coral.
“Flaming Youth” é a quinta faixa, dançante, com um espírito alegre que se traduz na voz de Paul Stanley. Não se tornou um clássico, mas agrada aos fãs da banda. A sexta música é “Sweet Pain” que volta a trazer a energia das primeiras canções do disco. Mais uma vez Gene utiliza os vocais com total liberdade, alternando a atenção com os solos vibrantes da guitarra de Ace.
Ainda faltam duas músicas, mas a sétima faixa “Shout It Out Loud” já é o suficiente para Destroyer ser considerado uma pérola perfeitamente lapidada. Uma sonoridade incrivelmente estarrecedora, dançante, com um refrão inesquecível. É impossível ouvi-la e não sair cantarolando o refrão mesmo que de forma impensada. É o verdadeiro espírito do: “Chame seus amigos para uma festa de Rock ‘n Roll e grite mais alto!”
Mais uma vez a banda experimenta uma sonoridade diferente, incluindo violinos e pianos na primeira balada: “Beth”. Escrita por Peter Criss, ela causou certo desconforto entre os demais integrantes, que não concordavam em incluir uma balada no repertório da banda, por diferir totalmente do trabalho que vinha sendo realizado.
Segundo Paul Stanley, “Beth” foi colocada no lado B para não terem que joga-la fora pois achavam que ela não teria a mínima chance de fazer sucesso. Erraram feio na previsão. “Beth” se tornou um dos maiores sucessos de Destroyer e foi a responsável por incluir o Kiss na programação das diversas rádios FMs.
Possui uma letra um tanto quanto tola, falando de um garoto que não vai atender a namorada agora pois está tocando Rock com os amigos. Mas a linda melodia e a voz suave de Peter Criss fazem de “Beth” uma música que poderia até ser considerada completamente fora da proposta da banda, mas que sem ela o disco não seria o mesmo.
Por ter a necessidade do acompanhamento de uma orquestra, até hoje “Beth” é executada nos shows na forma de playback. Pois os custos para rodar o mundo em uma turnê carregando uma orquestra inteira a tiracolo não seriam muito acessíveis. Algo óbvio de se concluir. Mas que infelizmente serve de pretexto para que pessoas sem o mínimo conhecimento da história da banda, critiquem o Kiss por fazer playback. Na realidade, os fãs se contentam apenas com a interpretação ao vivo de Peter Criss que sempre emociona as platéias.
Para fechar o disco, definitivamente com a certeza de que se ouviu uma obra de arte, “Do You Love Me?” traz mais uma vez um refrão fácil e pegajoso, se tornando uma das que conta com maior participação do público durante os shows. Destaque também para linha de baixo de Gene Simmons. Mais um clássico, sendo coverizada mais tarde até pelo Nirvana.
Segundos após o término de “Do You Love Me?”, existe um som da voz de Paul misturado a gritos de público e ao refrão de Great Expectations. É extremamente curta, não consta sua presença no encarte do disco, mas é chamada pelos fãs de “Rock ‘n Roll Party” pois é uma das frases que Paul diz durante essa misteriosa mistura de sons.
Em apenas algumas semanas após seu lançamento “Destroyer” alcançou 3 discos de platina, e 6 das 10 faixas são executadas em shows até hoje. No final de 1976 a banda já havia vendido mais de 1 milhão de discos e a média de público nos shows começava a aumentar cada vez mais, tornando os tumultos na entrada das apresentações bastante freqüentes. Até então o Kiss era bem popular nos Estados Unidos e a partir daí passa também a ser reconhecido mundialmente, incluindo a Europa e, principalmente, o Japão.
Traduzir em palavras um trabalho musical não é algo muito fácil quando se trata de clássicos seminais como os descritos aqui. Um álbum obrigatório, feito com paixão, básico e necessário a qualquer fã admirador do bom Rock 'n Roll.

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Pedras que rolam...

2005-12-12T12:01:00.000-02:00

Rolling Stones - Exile On Main Street
1. Rocks Off
2. Rip This Joint
3. Shake Your Hips
4. Casino Boogie
5. Tumbling Dice
6. Sweet Virginia
7. Torn And Frayed
8. Sweet Black Angel
9. Loving Cup
10. Happy
11. Turd On The Run
12. Ventilator Blues
13. I Just Want To See His Face
14. Let It Loose
15. All Down The Line
16. Stop Breaking Down
17. Shine A Light
18. Soul Survivor

Depois de uma turnê muito lucrativa (como sempre), os Stones se exilaram na França para fugir dos impostos britânicos e produzir o seu próximo álbum. Foi justamente no estúdio da casa de Keith Richards que a banda criou sua obra prima. A inspiração foi tanta que Exile On Main Street saiu como um disco duplo. No começo Mick Jagger ficou preocupado, pois seria mais caro que um LP simples, mas logo ele viu que “Exile” se tratava de um marco na história da banda. O nome inicial do disco deveria ser Tropical Disease, mas foi mudado no decorrer da produção.
Parecia que os Stones tinham voltado às raízes dos seus primeiros álbuns, mas, por outro lado, apesar de não soar nada novo, as músicas eram brilhantes e a energia da banda foi capturada no estúdio. Um trabalho genial, que soa como um disco de rock, blues, soul e até country.
As duas primeiras músicas, “Rocks Off” e “Rip This Joint”, são de derrubar qualquer vaso em cima da caixa de som. Ao longo do disco aparecem blues de primeira como: “Shake Your Hips”, “Ventilator Blues” e “Stop Breaking Down”.
Exile On Main Street também trouxe clássicos da banda, por exemplo: “Happy”, “Tumbling Dice” e “All Down the Line”. A diversidade musical não pára por aí: “Sweet Virginia” é uma canção folk, “Shine A Light” é gospel e é nesta competente salada de estilos que seguem as 18 faixas do LP.
O grande segredo deste álbum, talvez seja a falta de compromisso da banda com o sucesso, já que em 1972, os Stones tinham inúmeros hits na carreira. Eles literalmente tocaram com muita vontade e garra somente o que estavam a fim, se divertiram e relaxaram. Muito provavelmente fizeram o álbum abastecidos de substâncias proibidas (principalmente Keith Richards), um fato que não tira nem um pouco o mérito e o brilho do trabalho.
Falando nisso, foi justamente nesta época que Keith começou a pegar “muito” pesado com as drogas, principalmente heroína. Foi proibido de entrar em vários países, inclusive na própria França. Por todos estes motivos acima listados, Exile On Main Street é considerado pela maioria dos fãs dos Rolling Stones como a maior obra da banda.

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Paranóia no Sabá Negro

2005-12-06T10:57:00.000-02:00

Black Sabbath - Paranoid
1. War pigs

2. Paranoid
3. Planet caravan
4. Iron man
5. Electric funeral
6. Hand of doom
7. Rat Salad
8. Fairies wear boots

“Paranoid” foi gravado quase que no mesmo esquema de experimentação de seu predecessor, levando quatro dias para ser finalizado. Pode-se dizer, sem medo de errar, que este é o melhor álbum de toda a longa carreira do Black Sabbath, concentrando o maior número de clássicos produzidos pela banda e um marco na história do heavy metal, que começou realmente a chamar a atenção após Paranoid conquistar o mundo. Nunca o quarteto formado por Ozzy, Iommi, Geezer e Ward funcionou ou voltaria a funcionar tão bem quanto neste segundo álbum da banda. “War Pigs” é a faixa de abertura e já mete o dedo na ferida, ao fazer uma crítica à guerra e aos homens que a propagam. É uma crítica especialmente dirigida aos altos escalões das Forças Armadas, generais e demais oficiais que cuidam do planejamento de ações militares, mas não encaram o inimigo. Ao invés disso, enviam jovens soldados e oficiais de graduação inferior para a frente de batalha, ficando eles mesmos distantes e salvos na segurança dos quartéis. A letra chega a comparar os tais generais discursando às tropas com bruxas falando para seus seguidores. A composição em si começa com um dos mais conhecidos e perfeitos riffs de guitarra da carreira de Tony Iommi e tem diversas mudanças de andamento, construídas sobre um ritmo quase marcial, que lembra as marchas dos soldados nos quartéis. Uma das canções mais trabalhadas do Black Sabbath, não é à toa que ela foi escolhida pela banda não só para abrir o seu segundo LP, como também para intitulá-lo. E isso gerou um grande problema com a Vertigo, do qual falarei abaixo. “Paranoid”, a faixa título, acabou se tornando, a contragosto da banda, a canção mais conhecida do Sabbath. Contém um riff de guitarra fantástico, considerado por muitos como o melhor de todos os tempos. “Planet Caravan” vem a seguir e é uma faixa mais cadenciada. Acústica, com alguns efeitos de guitarra bem colocados, é uma canção pra lá de melancólica, na qual a voz de Ozzy tem um papel fundamental. “Iron Man” é outro clássico imortal da carreira do Black Sabbath. Recheada de riffs e solos de guitarra cativantes é o ponto alto da carreira de Tony Iommi. A letra conta a história de um homem que se transforma em algo maldito para desencadear sua vingança contra a humanidade. “Eletric Funeral” é uma das músicas mais macabras da carreira do Sabbath. Seu ritmo é lento, cadenciado e, ao mesmo tempo, pesado e sombrio, com destaque novamente para o vocal de Ozzy e para a letra, que relata a história de um mundo devastado pela radiação atômica. “Hand of Doom” é a faixa mais trabalhada do disco. Com diversas mudanças de ritmo, é outra crítica à guerra, mas, desta vez, o alvo é o conflito no Vietnã, que estava ocorrendo à época. A letra se concentra nos soldados que, na frente de batalha, usavam drogas como uma tentativa de escapar da realidade opressora que os cercava. “Rat salad” é uma música instrumental, que mostra toda a competência da “cozinha” da banda, formada por Iommi, Geezer e Ward. Finalmente, “Fairies wear boots” fecha a obra-prima do Black Sabbath. É a canção mais simples e despretensiosa do álbum e relata um incidente acontecido nos primeiros dias da banda, no qual seu equipamento fora roubado por um bando de skinheads, que seriam as tais fadas do título. Como foi dito lá em cima, a idéia inicial era que o disco se chamasse War Pigs, tanto que a capa com o homem segurando uma espada e um escudo foi bolada em cima disso. Porém, os executivos da Vertigo não gostaram muito da idéia de que uma faixa criticando a guerra fosse o carro-chefe do LP, ainda mais porque a gravadora tinha o objetivo de escancarar as portas do mercado americano para o Black Sabbath. Lembrem-se que naquela época rolava a guerra do Vietnã e o assunto era recheado por polêmicas e tabus. Aí começou o segundo cabo-de-guerra entre Jim Simpson e o Black Sabbath e a Vertigo. Simpson e a banda queriam que o álbum se chamasse War Pigs e que esta fosse a faixa de abertura; os executivos da Vertigo haviam se apaixonado por Paranoid e, por isso, queriam que ela fosse a faixa de abertura, que desse nome ao álbum e que “War Pigs” fosse empurrada pro lado B e ficasse meio que escondida ali ou mesmo nem fosse lançada. Depois de muita discussão, chegou-se a um consenso: o álbum se chamaria Paranoid, mas “War Pigs” seria a faixa de abertura. Pra não sair em desvantagem, a Vertigo fez com que a banda assinasse um contrato no qual era estipulado que, se o álbum não vendesse um número pré-determinado de cópias nos Estados Unidos, a segunda prensagem sairia com as mudanças propostas pela gravadora. Em outubro de 1970, Paranoid desembarca nas lojas e escoa das prateleiras. Alcança as primeiras paradas em diversos países, chegando ao primeiro lugar da parada inglesa. Em dezembro, repete o feito nos Estados Unidos. Alcança nada mais, nada menos, do que quatro milhões de cópias vendidas em terras ianques. Com isso, a banda é agraciada com um disco de platina duplo e agenda cheia para excursionar por toda a América e Europa.

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A pérola branca do Blues

2005-12-02T12:47:00.000-02:00

Janis Joplin - Pearl
01.Move Over

02.Cry Baby

03.A Woman Left Lonely

04.Half Moon

05.Buried Alive In The Blues

06.My Baby

07.Me & Bobby McGee

08.Mercedes Benz

09.Trust Me

10.Get It While You Can

Na música, como em todas as formas de arte, podemos encontrar dois tipos de artistas: aqueles que, inspirados e talentosos em toda a sua existência (talvez por algo divino), criam e inovam, portanto surpreendem e chocam. Outros, que poderíamos chamar de "esforçados", adquirem experiência com o passar do tempo, contudo nunca chegando à genialidade, devido à falta de talento.
Olhando para a história da música podemos destacar esses gênios natos e, não raramente, perceber que seu reconhecimento fôra póstumo - talvez por estarem a frente de seu tempo. Janis Lyn Joplin é um desses casos. Ela, que muitas vezes foi considerada uma lenda extravagante e escandalosa do rock, por outras revelou ser uma mulher sensível e frágil, que recusava comprometer suas convicções, mostrando-se antagonista e genial.
Ironicamente, seu último trabalho - inacabado, editado em 1971, retrata exatamente isso. "Pearl" (apelido da cantora), juntou o talento de Janis "The Full Tilt Boogie Band" - sua melhor, terceira e última banda; resultando no que poderíamos considerar um dos melhores álbuns de sua carreira, digno de qualquer discografia básica.
Em meio a uma de suas melhores fases, a cantora, já com uma considerável "bagagem" de shows e a gravação de um disco alavancado pelo não menos talentoso produtor Paul A. Rothchild (o mesmo do Doors), faleceu. Sua não tão inesperada morte por overdose de heroína e álcool, em 04 de outubro de 1970, privou Janis de saber que a música recém-gravada, "Me and Bobby McGee", dois meses depois se tornaria o maior sucesso de sua carreira (a canção ficou em primeiro lugar na parada norte-americana).
Também são desse disco "Buried Alive In Blues", que acabou se transformando em uma música instrumental, já que os vocais de Janis não puderam ser gravados antes de sua morte, "Cry Baby", "Move Over", "Half Moon", "Woman Left Lonely", "My Baby", "Trust Me", "Get It While You Can" e "Mercedes Benz". Essa última, mesmo 30 anos após sua morte, faz parte da trilha sonora da juventude, muitas vezes repetida em coro, sem nunca esquecer a risada da cantora no final - um momento único.
O símbolo do rock também era a "pérola branca do blues", trazendo sempre influências fortíssimas do estilo para suas interpretações, especialmente nesse álbum. Isso não era de se estranhar, já que Janis, fanática pela cantora de blues Bessie Smith, chegou até a custear sua lápide. Motivo: a original não tinha nem seu nome.
O presidente da Columbia Records escreveu em um dos encartes de um álbum de Janis: "Ela jogou fora, em poucos anos, toda a energia de uma vida". Acrescentaria às palavras dele o fato de que essa energia se tornou imortal através das músicas. E acredite, "Pearl" é a obra que melhor retrata isso!

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A cor mais bonita do Arco-Íris

2005-12-01T17:55:00.000-02:00

Rainbow - Rising
1. Tarot Woman
2. Run With The Wolf
3. Starstruck
4. Do You Close Your Eyes
5. Stargazer
6. A Light In The Black

Misture em um caldeirão o Deep Purple do início da década de 70, o Black Sabbath de 80-81. Adicione um dos maiores bateristas de rock da história e tempere com um baixista e um tecladista de alto nível. O resultado só podia ser um completo banquete de rock and roll e hard rock de primeira. O álbum Rising do Rainbow é o seu clássico definitivo. Também, com um time desses: Ronnie James Dio (Vocal), Ritchie Blackmore (Guitarra), Jimmy Bain (Baixo), Tony Carey (Teclado) e Cozy Powell (Bateria). Esse álbum é um joia escondida entre os álbuns lançados por Blackmore e Dio entre suas fases Deep Purple e Black Sabbath, respectivamente.
O álbum abre com Tarot Woman, que tem uma introdução de teclado que lembra um pouco o Purple, só que um pouco mais progressivo. O riff em "crescendo" vem depois, seguido pelo resto da cozinha ritímica e a poderosa voz de Dio. Blackmore faz uma guitarra base caprichada (como poucas vezes ele fez no Purple, mas lá tinha o Jon Lord, hehehehe). O andamento da música lembra um pouco o que se fazia naquela época no hard rock/heavy metal. Interessante também prestar atenção em Blackmore fazendo base para o próprio solo e o Dio gravando alguns vocais em pista dupla, truque inventado por Ian Gillan. Na sequência, "Run With The Wolf" é uma música mais com a cara do Purple, tanto pela levada como a forma que guitarra e teclado se combinam. Destaque para o excelente trabalho de Cozy Powell na bateria.
Um rock direto e básico, mas com o toque mágico de Blackmore. Em "Starstruck" temos uma levada mais rock' n' roll, tanto no trabalho da guitarra como na performance de Dio. Essa tendência seria seguida pelo Rainbow no próximo álbum "Long Live Rock and Roll". Essa tendência segue em "Do You Close Your Eyes", a não ser pelas mudanças bruscas no ritmo na música, que dá um pouco mais de tempero. O trabalho de teclado também merece destaque, discreto porém competente. Quando você começa a pensar que Blackmore perdeu o peso, vem a porrada "Stargazer". Riff de guitarra magistral, trabalho de teclado sensacional e parte rítmica afiada, essa é disparada a melhor música do álbum. Dio também se destaca. É como uma música de um cruzamento do Purple com o Black Sabbath soaria. Essa música deve ter influenciado um monte de gente que depois viria a tocar heavy metal melódico. O solo destruidor de Blackmore é apenas um dos detalhe dessa música. Todos esses pretensos "guitarristas" de "New Metal" devem morrer de vergonha ao ouvir essa música. É impossível ouvir o refrão e não querer balançar a cabeça. Como se não fosse o bastante, um arranjo de violinos dá uma aura ainda mais épica a música. Enfim, uma porrada de 8 minutos de duração. Após o êxtase, o Rainbow nos lembra que o rock também pode ser mais simples na introdução de "Light In The Black", que com seu riff energético de guitarra e a bateria desembestada como um estouro de cavalos selvagens. Temos aqui também o único solo de teclado do álbum, que mostra toda a competência de Tony Carey. Emendando, um solo como só Ritchie Blackmore faz, com velocidade e virtuosismo. E peso, muito peso.

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Santos e Pecadores

2005-12-01T13:21:00.000-02:00

Whitesnake - Saints and Sinners
1. Young Blood
2. Rough An' Ready
3. Bloody Luxury
4. Victim of Love
5. Crying in The Rain
6. Here I Go Again
7. Love An' Affection
8. Rock An' Roll Angels
9. Dancing Girls
10. Saints An' Sinners

A banda Whitesnake, criada em 1976, trata-se do projeto solo de David Coverdale, ex-vocalista da banda Deep Purple. O nome Whitesnake foi tomado de um de seus álbuns (Coverdale lançou dois álbuns solo após sair do Deep Purple e antes de montar o Whitesnake). Para acompanhá-lo em sua nova tentativa de igualar o sucesso do Deep Purple, Coverdale chamou os guitarristas Bernie Marsden e Micky Moody, o baixista Neil Murray, o baterista Dave Dowle e o tecladista Pete Solley. Com esta formação gravaram em 1978 o seu álbum de estréia, "Snakebite". Com John Lord (que também havia tocado com o Deep Purple) nos teclados, lançaram, no mesmo ano, "Trouble". Quando comparado ao Deep Purple, ficava claro que o caminho escolhido pelo Whitesnake era outro; abandonar a temática e sonoridade de hard-rock-blues tradicionalista e enveredar pelos caminhos do hard-rock moderno americanizado> Isso ficaria cada vez mais claro no decorrer dos lançamentos da banda, "Lovehunter" (1979), "Ready An' Willing" (1980, com Ian Paice na bateria, mais um egresso do Deep Purple), "Live In The Heart Of The City" (1980), "Come and Get It" (1981) e "Saints & Sinners" (1982).
Após um período sem atividades entre 83 e 84 a banda retornou totalmente reformulada, com o guitarrista Mel Galley, o baixista Colin Hodgkinson e o baterista Cozy Powell. Esta formação lançou "Slide It In" em 1984. O período de mudanças, porém havia apenas começado. O guitarrista Micky Moody, foi substituído por John Sykes (ex-Thinn Lizzy). Mel Galley viria a abandonar a banda em virtude de um ferimento na mão (segundo boatos adquirido durante uma briga com John Sykes). O baixista Neil Murray da formação original retornaria para o Whitesnake enquanto Jon Lord voltaria para o Deep Purple, abandonando a banda juntamente com Cozy Powell.
Com a formação relativamente estabilizada durante tempo suficiente para entrarem em estúdio, foi lançado o primeiro grande sucesso de mercado da banda, o álbum intitulado "Whitesnake", de 1987, que confirmava a sua tendência em apresentar um som cada vez mais comercial. Em pouco tempo, com a entrada do excelente guitarrista Vivian Campbell (que mais tarde iria para o Def Leppard), do baixista Rudy Sarzo e do baterista Tommy Aldridge o Whitesnake passaria a contar com apenas um representante inglês. Em 1989 Vivian já havia abandonado a banda e em seu lugar estava Steve Vai. As péssimas vendas do álbum "Slip Of The Tongue" levaram Coverdale a abandonar temporariamente o cenário da música em 1990. Retornaria com o projeto verdale/Page (em parceria com Jimmy Page do Led Zeppelin) em 1994. Após o fim da união entre os dois monstros, Coverdale reformulou a banda Whitesnake, lançando uma coletânea de hits e seguindo para uma turnê e novo disco em 1997. No mesmo ano banda passou pelo Brasil ao lado do Queensryche e Megadeth.
Em 1998 David preparava um álbum inteiramente solo mas a gravadora decidiu "pressionar" o cantor para que o mesmo saísse sob o nome Whitesnake. Coverdale não achou que seria bom mas devido à pressão exercida pela gravadora decidiu chamar o álbum de "David Coverdale and Whitesnake - Restless Heart". As músicas vieram na linha de seus primeiros trabalhos solo, ou seja, mais voltadas para o rock e baladas. Músicas que se destacaram foram "Don’t Fade Away", faixa- título, e "Crying", que nitidamente é uma cópia de "Mistreated".
Em 1999 a banda seria colocada novamente na geladeira por Coverdale, que seguiu com sua pouco produtiva carreira solo, lançando o CD "Into The Light" em 2000. Uma reunião do Whitesnake, seguida de tour pelos Estados Unidos, ocorreu em 2003, ano do aniversário de 25 anos da banda. Nomes como Tommy Aldridge e Reb Beach se juntaram ao vocalista e um novo sexteto foi formado, excursionando pela Europa e Estados Unidos com um show contendo o melhor da carreira da banda. Um "Best Of" foi lançado no mês de agosto do mesmo ano, sendo prometido um novo trabalho de estúdio com a nova formação, e ainda um registro ao vivo da tour em CD e DVD.

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Zepelin de Chumbo

2005-11-29T17:15:00.000-02:00

Led Zeppelin - Eternal Mistery

01 KASHMIR
02 HEARTBREAKER
03 MISTY MOUTAIGNE HOP
04 STAIRWAY TO HEAVEN
05 SOMETHING ELSE
06 THE GIRL I LOVE
07 BRON-Y-AUR-STOMP
08 NO QUARTER
09 MEDLEY - IN MY TIME
10 MOBY DICK

Em meados do ano de 1968 o rock passava por um período de mudanças fundamentais, o descompromisso do início dos anos 60 passava a dar espaço a músicas e letras mais elaboradas. Nesta época James Patrick Page era um guitarrista de sessão que já havia gravado com os Rolling Stones, The Who, Pretty Things, entre outros e foi chamado para substituir Eric Clapton quando este abandonou o Yardbirds. Foi a primeira vez que Page participou de uma banda de renome.
No final de 1968 a banda Yardbirds se desfaz e Page trata de montar um novo grupo. Um amigo o leva a procurar Robert Plant, vocalista da pequena Band of Joy. Da Band of Joy vem também o baterista, John Bonham. Juntamente com Chris Deja. A banda resolve se chamar New Yardbirds. O baixista Chris Deja não se encaixa ao som da banda e é logo substituido por John Paul Jones, também músico de sessão, que já havia gravado entre outros com os Rolling Stones. Jones chegou ao New Yardbirds através de um anúncio em uma revista de música. Obviamente o nome New Yardbirds não agradava. O baterista do the Who, Keith Moon, achou que a banda de Page era pesada e voava, e sugeriu o nome Lead Zeppelin (Zepelin de Chumbo). Mais tarde o nome foi mudado para Led Zeppelin a fim de que os norte-americanos não tivessem problemas com a pronúncia.
Led Zeppelin - Eternal Mistery é um cd pirata italiano, muito raro ( 1000 cópias produzidas e numeradas ), com um apanhado de raridades, sendo que as 4 primeiras músicas são de um show de 40º Aniversário da Atlantic Records em 1988. O grupo se reuniu pela primeira e última vez depois da sua dissolução, após a morte do baterista Boham, que esta representado por seu filho, Jason Boham, tambem baterista. As outras musicas são tiradas de apresentações ao longo da carreira e raridades de estudio.

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Crônicas do Creedence

2005-11-29T13:07:00.000-02:00

Credence Clearwater Revival - Chronicles
1. Susie Q
2. I Put A Spell On You
3. Proud Mary
4. Bad Moon Rising
5. Lodi
6. Green River
7. Commotion
8. Down On The Corner
9. Fortunate Son
10. Travelin' Band
11. Who'll Stop The Rain
12. Up Around The Bend
13. Run Through The Jungle
14. Lookin' Out My Back Door
15. Long As I Can See The Light
16. I Heard It Through The Grapevine
17. Have You Ever Seen The Rain?
18. Hey Tonight
19. Sweet Hitch-Hiker
20. Someday Never Comes

O embrião da banda Creedence Clearwater Revival foi fundado em 1959, chamava-se Blue Velvets e era formada pelos irmãos John Fogerty (vocalista e guitarrista), e Tom Fogerty (guitarrista), Stuart Cook (baixo) e Douglas Clifford (bateria). Em 1966 conseguiram seu primeiro contrato com uma gravadora, a Fantasy, e com o nome de The Golliwogs gravaram dois singles. Embora não tivessem grandes pretensões o single foi bem aceito. Em 1967 mudaram o nome da banda para Creedence Clearwater Revival e a boa aceitação dos primeiros singles levou-os a deixar de ser apenas uma banda de covers dos anos 50 para se arriscar em suas próprias composições.
Em 1968 lançaram o seu primeiro álbum, auto-intitulado. Em meio ainda ao fenômeno das bandas inglesas o Creedence foi uma das primeiras bandas americanas a se firmar no topo das paradas (entre outros com os singles "Susie Q" e "I Put a Spell on You").
Em 1971, após mais três álbuns de sucesso, o Creedence Clearwater Revival se tornou a primeira banda a superar os Beatles como grupo de rock mais popular. Seu maior hit de todos os tempos, "Have You Ever Seen The Rain", do álbum Pendulum, trata-se de uma das músicas mais coverizadas até hoje. Suas músicas de pouco mais de três minutos, com refrões fáceis e cativantes pavimentaram caminho para as bandas de Hard Rock que se seguiriam. Contrastando com o sucesso crescente surgiu a notícia de que Tom Fogerty havia abandonado a banda para seguir carreira solo. O Creedence (como um trio) ainda lançou um álbum decepcionante, "Mardi Gras", antes de ser declarada extinta em 1972. Desde então reuniram-se eventualmente para aparições em festivais diversos. Stu Cook e Doug Clifford chegaram a montar uma banda chamada Creedence Clearwater Revisited e se apresentaram tocando músicas de seu grupo antigo.
Todos os membros da banda participaram das gravações do álbum solo de Tom Fogerty lançado em 1974, "Zephyr National". Tom Fogerty morreu em 1990 vítima de problemas respiratórios.

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O quem... ;-)

2005-11-28T16:07:00.000-02:00

The Who - My Generation: The Very Best Of
1. I Can't Explain
2. Anyway, Anyhow, Anywhere
3. My Generation
4. Substitute
5. I'm A Boy
6. Boris The Spider
7. Happy Jack
8. Pictures Of Lily
9. I Can See For Miles
10. Magic Bus
11. Pinball Wizard
12. The Seeker
13. Baba O'riley
14. Won't Get Fooled Again
15. Let's See Action
16. 5.15
17. Join Together
18. Squeeze Box
19. Who Are You
20. You Better You Bet (Live)

A história do The Who começou quando Pete Townshend e John Entwistle formaram a banda The Confederates. John percebeu que tinha mãos grandes demais para tocar guitarra (ele começou tocando trompa, piano e trompete, sendo o único membro do The Who que lia música e tinha profundos conhecimentos de teoria musical) e passou a tocar baixo. Pete e John tocavam jazz tradicional (Dixieland), sem ganhar muito dinheiro. Diz a lenda que John andava com seu baixo numa mão e o amplificador na outra quando encontrou Roger Daltrey, que perguntou se ele sabia tocar o instrumento que segurava e o convidou a tocar em sua banda. A principio John disse que já tocava em uma (uma das bandas de Jazz/Rythm&Blues de Pete Townshend) mas Roger o convenceu pelo fato de que a banda dele já estava fazendo dinheiro. Pete aceitou e surgiu The Detours, banda de skiffle com Daltrey na guitarra solo e tambem no trombone, Entwistle no trompete e baixo, Pete Townshend tocando banjo e Doug Sandom na bateria. Nessa época era o próprio Roger Daltrey que construia as guitarras da banda em madeira compensada.
Vários bateristas e vocalistas passaram pela banda, mas foi a influência de Johnny Kidd And The Pirates, a banda de rock pre-beatles mais famosa na Inglaterra, que convenceu Daltrey a largar a guitarra e ir para os vocais, e Pete passou a tocar tanto guitarra solo quanto base. Mas a completa reviravolta viria quando Keith Moon entrou para a banda. Keith tinha uma banda de surf music e apareceu dizendo que podia tocar melhor que Doug Sandom. Keith Moon compareceu para o teste munido de alguns metros de corda. Começou a amarrar os bumbos e caixas, ao que Entwistle perguntou qual era a funçao daquilo. Foi convidado a fazer um solo de bateria a título de demosntração e comecou a atacar seus tambores com tanta furia que eles pulavam de um lado para o outro quicando no chao. Estava explicada a função da corda. Com a sugestao de Richard Barnes, colega de Pete, o nome da banda passou a ser The Who.
Comecaram como uma banda mod. Seu empresario renomeou-os para "The High Numbers", compuseram algumas musicas com letras tipicamente mod, mas nao fizeram grande sucesso. Foi como The Who outra vez que entraram para a historia do rock. O primeiro single, "I Can't Explain", tinha Jimmy Page na guitarra solo e atingiu o oitavo lugar. E por toda a carreira da banda ela era executada em praticamente todos os shows. Lancaram vários singles, os albuns My Generation, A Quick One, e The Who Sell Out, mas ainda assim sempre ficavam longe do primeiro lugar. Até que uma vez Pete deixou cair sua guitarra durante um show e, frustrado, transformou-a em pedacos, coisa que o publico nunca havia visto. Isto se tornaria uma de suas marcas registradas. Os shows do The Who eram marcados por Pete Townshend pulando feito um louco, Roger Daltrey girando o microfone como se quisesse lacar um boi, Keith Moon atacando furiosamente a bateria e John Entwistle completamente parado. Eram conhecidos como "a banda que quebrava tudo ao terminar o show".
O sucesso da banda teve início com o lancamento da opera-rock Tommy, em 1968. Passavam por problemas na epoca. Moon so tinha uma bateria e tinha que desmonta-la e remonta-la todo o tempo, pois durante as gravacoes era preciso fazer shows pra conseguir dinheiro. Depois do lançamento de Tommy ficaram milionários em pouco tempo, foram finalmente elogiados pela crítica, e entraram em uma enorme turnê, tocando toda a opera-rock mais de cem vezes. Começava aí a era de ouro do The Who.
Com rocks pesados como Heaven And Hell, Young Man Blues, My Generation, entre outras, eles se tornaram a banda de rock ao vivo mais disputada na época, juntamente com os Stones. Antes abriam shows para os Herman's Hermits. Agora o Led Zeppelin estava entre os que abriam para eles. O The Who percebeu isso e lancou o disco ao vivo Live At Leeds, considerado por muitos como o melhor álbum ao vivo da historia do rock. Depois disso, veio o Who's Next, ao mesmo tempo um sucesso e um fracasso. Um fracasso por que Pete Townshend fez um estardalhaco sobre o disco, que seria uma opera-rock, e ele se mostrou apenas um disco normal. Um sucesso por que foi direto para o primeiro lugar, coisa que o The Who nao tinha conseguido ate entao.
Em 1973 é lancada a opera-rock Quadrophenia, considerada a obra-prima do The Who. Contava a historia de Jimmy, jovem dividido entre os mods e os rockers, as duas gangs rivais na inglaterra nos anos 60. Neste disco se encontram ótimos momentos de John Entwistle, o melhor baixista de sua era. Ele havia sido o primeiro a gravar um solo de baixo, com My Generation, em 65, e a partir daí, passou a usar seu baixo em praticamente todas as músicas ao vivo como um instrumento de solo.
O The Who adotou ao vivo o estilo do Cream, que ja era usado no blues: Começava-se a música com os vocais de Roger Daltrey, os "power chords" de Pete Townshend e riffs de John Entwistle, e quando Daltrey parava, todos os tres solavam ao mesmo tempo, John Entwistle com suas incriveis corridas pelo braco do baixo, Pete Townshend com solos em pentatonica, e o ataque furioso à bateria de Keith Moon (para ele, era como se todo o show do The Who fosse um imenso solo de bateria). No final da musica, voltavam os vocais, os riffs de baixo e os power chords.
Em 1975, foi lançado o músical "Tommy" para o cinema, produzido por Robert Stigwood. O elenco do filme contou com Roger Daltrey, Pete Townshend, Rod Stewart, Elton John e os astros do cinema Jack Nicholson e Ann Margaret. O disco também deu origem ao musical "Tommy" encenado dezenas de vezes, com sucesso, na Broadway.
Lançaram ainda The Who By Numbers e Who Are You, quando, em 1978, Keith Moon morreu de intoxicacao acidental de pilulas contra alcoolismo. Nesse ano foi lançado o filme-biografia "The Kids Are Alright".
Apesar da morte do insubstituível Keith Moon o The Who continuou, com Kenney Jones, (ex-Faces, banda de Rod Stewart) na bateria. Lançaram Face Dances, It's Hard e o álbum ao vivo Who's Last, com essa formação, encerrando suas atividades durante um período de tempo.
Voltaram em 1989 com Simon Phillips na bateria (tecnicamente muito superior a Kenney Jones) em uma turne com o Tommy completo, lançaram uma caixa de 4 CDs com músicas ao vivo dessa turnê, Join Together, um vídeo e a coletânea Who's Better, Who's Best (trocadilho com a música You Better You Bet, do álbum Face Dances). Em 1994 saiu a caixa de 4 CDs Thirty Years Of Maximum R&B e o video Thirty Years Of Maximum R&B Live, com várias raridades, como músicas mod dos High Numbers.
Em 1996, Pete Townshend, John Entwistle, Roger Daltrey e artistas convidados entraram em turnê tocando a ópera-rock Quadrophenia, coisa que não faziam a praticamente 20 anos. Ao mesmo tempo, todos os discos do Who foram relançados depois de devidamente remasterizados, e vêm com inúmeras faixas bônus adicionadas com o objetivo de aproveitar todo o espaço disponível no formato CD, além de livretos com informações completas sobre a história de cada álbum. Ainda no mesmo ano sai o CD duplo "Live At The Isle Of Wight Festival 1970" que traz a memorável apresentação da banda no festival, incluindo um home-vídeo com cerca de metade do show.
Transcorridos quatro anos sem nenhum material inédito, eis que no início de 2000 somos brindados com mais um CD duplo, desta vez enfocando várias sessões ocorridas na rádio BBC de Londres: o "BBC Sessions", que vêm em três versões diferentes: uma dita "normal", editada nos EUA; outra Inglesa, contendo uma faixa à mais que a edição americana e outras de forma mais completa; e uma outra edição também americana vendida pela cadeia de lojas Best Buy, que vêm com um cd bônus contendo uma breve entrevista com Pete e sete (!) faixas a mais...
Logo em seguida, uma bomba: a banda resolveu voltar à ativa, lançando mais um trabalho intitulado "The Blues To The Bush", gravado ao vivo em quatro apresentações ocorridas em 1999, onde contam com Townshend, Daltrey e Entwistle, além do baterista Zak Starkey (filho do ex-Beatle Ringo Starr) e o tecladista John "Rabbit" Bundrick.
O detalhe é que até o momento não há previsão de um lançamento "normal" deste trabalho, que estará disponível apenas em MP3 para download! Felizmente para os fãs, Townshend não levou a sério a frase que imortalizou: "hope I die before I get old" (espero morrer antes de envelhecer).
Em junho de 2002 faleceu, aos 57 anos, John Entwistle, enquanto dormia, em um quarto do Las Vegas Hard Rock Hotel & Casino. O corpo de John foi encontrado por seu roadie e a causa da morte logo foi associada ao consumo de cocaína associada a problemas cardíacos. A banda prosseguiu em turnê a despeito da grande perda. (Biografia: www.whiplash.net).

Download: Parte 1 :: Parte 2 :: Senha: TONYLEVRAI

Atendendo a pedidos II

2005-11-27T21:59:00.000-02:00

1. Come Out And Play
2. Leader Of The Pack
3. You Want What We Got
4. I Believe In Rock ‘N’ Roll
5. The Fire Still Burns
6. Be Chrool To Your Scuel
7. I Believe In You
8. Out On The Streets
9. Lookin’ Out For #1
10. Kill Or Be Killed
11. King Of The Fools (bonus track)

O Twisted Sister foi formado em 1972 em Long Island, Estados Unidos, sendo uma das bandas responsáveis pela definição do termo glam-rock ou glitter-rock em que a aparência e performance de palco das bandas era tão importante quanto sua música. Levaram aos extremos este conceito, se apresentando sempre com um visual de drag queens bizarras, roupas andróginas com maquiagem feminina extremamente pesada e de mau gosto aliadas a músculos e caretas masculinas.A formação da banda contava em 1975 com Dee Snider nos vocais, Eddie Ojeda e Jay French nas guitarras, Mark Mendoza ("The Animal", baixista que havia participado da banda Dictators, uma das pioneiras do punk rock) e o baterista A. J. Pero.Mais do que visual exdrúxulo (o que levou a banda a ser um grande sucesso no surgimento da MTV) porém possuiam grande carisma musical, conseguindo gerar músicas com muita identidade, refrões agressivos gritados em uníssono, e acima de tudo verdadeiros hinos ao rock and roll e à rebeldia. Exemplos claros são seus maiores sucesso... You Can't Stop Rock and Roll, I Wanna Rock e We're Not Gonna Take It.

Download Parte 1 :: Parte 2 :: Parte 3 :: Parte 4

Atendendo a pedidos I

2005-11-26T08:39:00.000-02:00

The Doors - Strange Days

1. Strange Days

2. You're Lost Little Girl

3. Love Me Two Times

4. Unhappy Girl

5. Horse Latitudes

6. Moonlight Drive

7. People Are Strange

8. My Eyes Have Seen You

9. I Can't See Your Face in My Mind

10. When the Music's Over

Difícil não é chegar ao topo, mas, como diriam muitos, se manter lá. E este era o desafio proposto para os Doors – para quem ainda não sabe, o mítico Jim Morrison (vocais, poesias e doideiras), Ray Manzarek (teclados e vocais de apoio), Robbie Krieger (guitarra) e John Densmore (bateria). Lançado no final do primeiro semestre de 1967, Strange Days era a resposta do grupo às especulações de jornalistas intrigados com o próximo passo daqueles filhos da praia de Venice, Los Angeles, típicos garotos hippies californianos que haviam incendiado o país com os hits “Break on through”, o mais perfeito casamento do rock com um ritmo latino até hoje (a bossa nova brasileira), e “Light My Fire”, esta, simplesmente, o hino de toda uma era. Não teve o mesmo êxito do álbum anterior, o soturno The Doors, nas paradas, é certo – mas que assustou um bocado de gente, ah, isso assustou!Em Strange Days, ainda estava lá, intacta, eternizada para toda a posteridade, a filosofia dramática e profunda, repleta de signos da decadência social, do caos, dos limites sensoriais e da loucura que impregnava o bom trabalho dos Doors no auge de sua carreira – e que se perderam um pouco, ao longo de seus anos finais, devido, obviamente, ao desnorteio de que foi vítima a cabeça do grande mentor Jim Morrison de 1968 para frente, envolvido em escândalos, porres e enrascadas maiores do que toda a discografia da banda. O disco abre com a música título, uma brilhante e tribal incursão pela Terra daqueles dias insanos, povoada pelas letras densas de Morrison que encontraram ressonância tanto nas leituras dos jovens americanos perplexos com a guerra fria, com o Vietnam e o rock como instrumento político no Tio Sam, quanto nos olhares furtivos e ocultados dos latino-americanos esmagados pela máquina opressora da ditadura militar por aqui – sim, o tema, figurando um teclado “espacial” pilotado por Manzarek que realmente sugeria uma ida a outro mundo, como nos velhos filmes hollywoodianos de alienígenas comunistas querendo comer criancinhas, era irônico, e era perfeito como uma metáfora do nosso globo, girando em 180 graus de êxtase e perdição, naquela época de grandes mudanças e incertezas. A ironia do grupo permanece, mas com tinturas mais leves e delicadas, na belíssima “You’re Lost Little Girl” – se muitos me perguntarem, direi “ainda a melhor balada dos Doors”. De uma atmosfera climática, sugerindo um suspense terrível e perigoso na introdução em acordes baixos, nos dá toda a dimensão do poder das letras de Morrison – de “ameaçador”, em versos bastante sutis e minimalistas, ele passa a “ameaçado” por uma garota misteriosa, talvez uma Lolita perversa, que usa o jogo da sedução como principal arma (“Você está perdida, garotinha... / Me conte... quem é você?/ Acho que você sabe o que fazer/ Impossível? Mas é verdade...”). Ainda na mesma faixa, um dos mais paradisíacos solos de guitarra de Krieger, especialmente iluminado neste disco.Enquanto músicas como “Love Me Two Times” e “My Eyes Have Seen You” sugerem aquele lado mais vaudeville e aquela batida mais acelerada do grupo, “Unhappy Girl” é a típica viagem psicodélica morrisoniana, liderada pelo teclado ensandecido de Manzarek rumo à neura de uma garota infeliz que representava, na verdade, uma visão bastante peculiar do autor sobre a sua parceira fixa, Pamela Morrison, e de todas as outras mulheres de seu vasto círculo pessoal em seus bodes existenciais (“Garota infeliz/(...) Você foi pega aprisionada pela sua própria artimanha”). A dobradinha “Horse Latitudes” / “Moonlight Drive” traz, para o registro sonoro, dois velhos poemas de Morrison guardados a sete chaves por ele em seu velho caderno de poesias, cultivadas por ele com carinho quando de sua morada em uma choça na praia de Venice, germinando a figura lendária e as palavras que fariam dele o ícone de toda uma geração. Foram escritas em 1965, pouco antes do encontro com Manzarek e o convite para formar uma banda, e como outras poesias desta época, estão embebidas de vinho e mescalina – enquanto a primeira é mais uma viagem conradiana ao Mar Egeu, descrevendo uma trágica cena de cavalos sendo atirados ao mar, a segunda é uma marcha lisérgica em direção a uma lua de sortilégios e devaneios. Um dos carros-chefe do disco é “People are Strange”, que é uma espécie de comentário a “Strange Days”, só que mais intimista. É a cama perfeita para os vocais a la Sinatra de Morrison se esmerarem, e repete o clima vaudeville, de teatro satírico, sugerido pelo som da banda ao longo de todo o disco. Aliás, é interessante comentar a proposta básica do som dos Doors nesta época, que era justamente esta (juntar elementos de música teatral com blues, música barroca, indiana e latina, ainda apelando para os acordes assombrosos e distorcidos de instrumentos amplificados) – este tipo de som influenciou, ao lado das letras de Morrison, a decisão sobre a capa do elepê. O que vemos é uma cena circense, do tipo “Circo do Absurdo”, com artistas mambembes bizarros em uma performance alucinada. A idéia original de Morrison, como ele contou em uma entrevista na época do lançamento do disco, era a de tirarem uma foto dele cercado por um grupo de cães das mais diversas raças e tamanhos – tudo isso pois o contrário da palavra “cão”, em inglês, é “deus” (“dog” – “god”). Doentio!Logo após “I Can’t See Your Face In My Mind”, música antiga, dos tempos das apresentações do grupo no Whiskey A-Go Go e no Matrix Club, de Los Angeles, e que deixa de lado o lado rock do single “Break on Through” para se exercitar só numa batidinha bossa nova que quase chegar a ser um “samba” americano (cortesia do grande fã de jazz e baterista exímio Densmore), vem o fecho do disco: a aterradora “When the Music’s Over”. Paul Rotchild, o produtor deste e dos melhores discos da banda, queria para o final um épico assustador e apocalíptico, da mesma forma que a inesquecível “The End” havia sido para o primeiro disco dos Doors, e discutiu com Krieger e Manzarek a respeito de uma canção que pudesse recriar este conceito de “fim horrível”, “inevitável”, ligando tal imagem com o medo do escuro tão natural aos humanos. Morrison, sempre um entusiasta dos temas mórbidos e obscuros da alma humana, se amarrou de cara e em poucas horas já estava com as letras na mão, pronto a começar a passar o som. Escombros de Nietzche (“O que eles fizeram com o mundo?/O que fizeram à nossa bela irmã?”), e Poe (“A golpearam com facas/ À margem do amanhecer/ E a amarraram com cercas”) são ouvidos por todos os lados. Dessa forma, “When...” segue a mesma estrutura musical da última canção do primeiro disco dos Doors – uma introdução, desta vez, pautada não em uma balada, como era “The End”, mas em uma canção semi-jazzística entremeada de paradas súbitas e intermezzos climáticos de rock pesado, seguida por uma longa divagação de Morrison aos vocais, recitando a letra naquela forma que lhe era tão característica, e retornando ao ritmo do início, para só então terminar Strange Days com um desfecho explosivo e que não deixava nada de pé. As últimas palavras de Morrison na música são, justamente, “The... END!” e, no meio de tudo, um dos mais lancinantes solos de guitarra já gravados na história do rock: o instrumento de Krieger parecia gritar como um animal sendo morto por golpes abissais.Strange Days foi um marco na época – não só por superar o pueril som básico do primeiro registro da banda, havendo sido gravado pelo novo sistema estéreo de 8 canais (um luxo ao qual os Beatles, a maior banda do mundo na época, só se dariam no Álbum Branco, um ano depois!), como também por ter provado a todos que os Doors ainda tinham muita bala no tambor. A banda coesa e revolucionária que haviam se tornado, uma das mais inventivas e originais do rock de todos os tempos, ainda tinha muita coisa a ser mostrada antes dos compassos finais de sua fatídica desintegração, dada após a morte de Morrison, em 1971.

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Van Halen, a banda do mestre Eddie

2005-11-25T18:36:00.000-02:00

Van Halen - 5150
01. Good Enough
02. Why Can't This Be Love
03. Get Up
04. Dreams
05. Summer Nights
06. Best of Both Worlds
07. Love Walks In
08. "5150"
09. Inside

Eddie Van Halen e Alex Van Halen, filhos de músicos nascidos na Holanda, mudaram-se para a Califórnia ainda crianças, em 1967. Em meio a uma família de músicos profissionais (seus pais tocavam em festas de casamentos) desde cedo tomaram aulas de piano clássico. Logo porém Eddie e Alex passariam a tocar bateria e guitarra. Em 1974, com o vocalista David Lee Roth e o baixista Michael Anthony (que havia cantado em uma banda chamada Redball Jet) montaram a banda Mammoth (cujo nome mudaria para Van Halen ao descobrirem que já havia uma outra banda chamada Mammoth).
Com um repertório que misturava covers de pop-rock, hard-rock e algumas composições próprias se tornaram rapidamente a banda mais popular do circuito de clubes de Los Angeles.
Apesar das performances de palco explosivas do vocalista David Lee Roth o destaque da banda era outro. Eddie Van Halen começou a se destacar sobre os outros companheiros com sua técnica própria de tocar a guitarra ferindo as notas no braço martelando as cordas com ambas as mãos e criando técnicas que ficariam conhecidas posteriormente como tapping, hammer-ons e pull-offs. A velocidade e precisão de Van Halen eram algo inédito até então. Eddie Van Halen se tornaria em pouco tempo um dos mais influentes guitarristas modernos.
Tendo chamado a atenção de Gene Simons (baixista do Kiss) a banda conseguiu um contrato com a gravadora Warner, lançando o seu primeiro álbum, auto-intitulado, em 1977. O álbum chegaria a platina. Os álbuns que se seguiram apenas confirmaram a popularidade crescente da banda.
O álbum chamado "1984" seria o divisor de águas na carreira do Van Halen, que passa ao status de uma das maiores do mundo. A música "Jump" tornou-se seu primeiro hit a chegar ao número 1. Dentro da banda, porém havia tensão crescente com Roth não se conformando em ser apenas um coadjuvante na banda do guitarrista Eddie Van Halen. Com Dave se dedicando demais a um disco solo, "Crazy from the Heat" (que trouxe o hit "Just A Gigolo") e deixando em segundo plano as gravações do Van halen, terminou sendo demitido. Para seu lugar foi chamado Sammy Hagar (que havia cantado na banda Montrose e seguido posteriormente uma bem sucedida carreira solo). O álbum "5150" de 1986 foi o primeiro com o novo vocalista, chegando novamente ao número 1 das paradas americanas.

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O Sargento Pimenta e sua banda

2005-11-22T16:20:00.000-02:00

Beatles - Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band
1. Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band
2. With a little help from my friends
3. Lucy in the sky with diamonds
4. Getting better
5. Fixing a hole
6. She´s leaving home
7. Being for the benefit of Mr. Kite
8. Within you, without you
9. When I´m sixty-four
10. Lovely Rita
11. Good morning, good morning
12. Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band (reprise)
13. A day in the life

Apontado como um dos álbuns mais influentes de todos os tempos, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band é um marco na história da música. John Lennon (voz, violão, guitarra e piano), Paul McCartney (voz, baixo, violão, piano e guitarra), George Harrison (guitarra, voz, violão e cítara) e Ringo Starr (bateria, voz e percussão), auxiliados pelo produtor George Martin (ao piano e conduzindo orquestras de música ocidental e música indiana) já estavam a tempo flertando com o experimentalismo e com a psicodelia que imperava nos anos 60. Esse elementos já apareciam nos álbuns anteriores da banda, mas foi só quando os Beach Boys lançaram "Pet Sounds" (outro álbum clássico) que os Fab Fours se sentiram mordidos e resolveram escrever uma obra definitiva, que superasse o clássico idealizado por Brian Wilson. O resultado é um álbum conceitual, criado para parecer um álbum de uma banda imaginária. E essa "banda" tocava ininterruptamente no disco, uma música grudada na outra. Da abertura rock' n' roll ("Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band", "With a little help from my friends"), passando por momentos de psicodelia total ("Lucy in the sky with diamonds", "Fixing a hole") e de sutil delicadeza poética ("She's leaving home", "Getting better") até o final apoteótico ("A day in the life"), este disco é um clássico da primeira até a última música. As orquestrações, o flerte com a música indiana, os experimentalismos de estúdio, enfim, tudo que foi usado na confecção deste álbum foi revolucionário e passou a ser usado desde então. Assim como podemos dizer que Jimi Hendrix reinventou a guitarra elétrica, podemos dizer que os Beatles reinventaram (ou inventaram, pois nada assim havia existido antes) o pop e o rock como o conhecemos hoje.

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Rapidshare

2005-11-18T13:18:00.001-02:00

Recebi alguns e-mails de pessoas com dificuldades para usar o rapidshare para baixar os arquivos. Por isso, segue abaixo um tutorial para ajudar. Espero que resolva o problema:

Em todos os links, role a barra de rolagem ate o fim e clique no botão “FREE”. Uma vez que você fez isso, você deverá ver isso aqui:

Essa parte é onde você, usuário que nao pagou pelo servico, terá que esperar um pouco. Os segundos variam de arquivo para arquivo. Quando acabar essa contagem, você verá no local dos segundos o link:

Dai é so clicar no link (o algo escrito depois do “Download:”) e o seu download irá começar.

Deus é canhoto...

2005-11-17T11:17:00.000-02:00

Jimi Hendrix - Experience Hendrix: The Best Of
01 - Purple Haze
02 - Fire
03 - The Wind Cries Mary
04 - Hey Joe
05 - All Along The Watchtower
06 - Stone Free
07 - Crosstown Traffic
08 - Manic Depression
09 - Little Wing
10 - If 6 Was 9
11 - Foxy Lady
12 - Bold As Love
13 - Castles Made Of Sand
14 - Red House
15 - Voodoo Child (Slight Return)
16 - Freedom
17 - Night Bird Flying
18 - Angel
19 - Dolly Dagger
20 - Star Spangled Banner

Quando resolvi postar esse álbum, fiquei pensando em alguma coisa para definir o artista dele que ainda não foi dito. "Gênio" todo mundo sabe que ele é. Mas a frase que talvez possa definir melhor o que Jimi Hendrix fez pela guitarra elétrica é o título deste post. Ele praticamente criou a guitarra como ela é hoje. O modo de tocar, as técnicas, o uso de efeitos variados, as experimentações... tudo o que Hendrix fez influenciou e continua influenciando a todos os que alguma vez tocaram as seis cordas mágicas de uma guitarra. Selecionar melhores momentos de Hendrix é quase impossível, mas esse álbum dá uma boa demonstração do gênio em ação. Vale o destaque especial para a versão definitiva de "All Along The Watchtower", onde o virtuosismo de Hendrix encontra a poesia de Bob Dylan e a versão ao vivo de "Star Splanged Banner", o hino americano, tocado em Woodstock, onde a guitarra de Hendrix simulava o som das bombas que caíam naquele momento sobre o Vietnã.

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O melhor "analgésico" para dor de cabeça

2005-11-16T13:25:00.000-02:00

Judas Priest - Painkiller
1. Painkiller
2. Hell Patrol
3. All Guns Blazing
4. Leather Rebel
5. Metal Meltdown
6. Night Crawler
7. Between The Hammer & The Anvil
8. A Touch Of Evil
9. Battle Hymn
10. One Shot At Glory

Em seu início de carreira, o Judas Priest mesclava, soberbamente, heavy e rock. Vários anos se passaram e a banda seguia destilando seus poderosos riffs, até início dos anos 80. Após este tempo, seguiram-se álbuns fracos em conteúdo musical, que vieram a diminuir a reputação conseguida após os lançamentos de Sin After Sin, Sad Wings of Destiny, Briths Steel etc; alguns desses são Point of Entry, Turbo e Ram it Down. Porém, logo após esta baixa, o Judas Priest volta para ficar de vez impresso na alma de todo e qualquer headbanger fanático por peso e melodia; o lançamento de Painkiller, em 1990, foi o grande responsável por esta façanha.
Podemos começar citando a arte fenomenal da capa do álbum, já a banda, surpreende a partir da majestosa introdução com a faixa-título, onde a bateria de Scott Travis começa a ditar o tom da destruição metálica existente no álbum; cheia de melodias, fúria, peso e um vocal iradamente agressivo, Painkiller, de cara, é um dos clássicos da banda. Destacam-se, também, as guitarras com seus solos inesquecíveis, compondo a estrutura desta faixa. Hell Patrol é outra música que mescla melodia vocal com peso nas guitarras, de forma genuína, com Gleen Tipton e K.K Dowing no melhor de suas formas. All Guns Blazing e Leather Rebel seguem a dinastia. Outra das faixas que traz um heavy incontrolável, é justamente Metal Meltdown. Um outro grande clássico do álbum, fica por conta da inconfundível Night Crawler, seguida da não menos clássica, mas também dramática, A Touch of Evil; destaca-se pela dramaticidade existente na voz de Rob Halford, junto ao seu altíssimo alcance já antes comprovado, bem como o riff que compõe a base da música e seu solo maravilhoso.

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Eis a banda mais escura, pesada e mística

2005-11-11T16:46:00.000-02:00

The Best Of Black Sabbath
1. Black Sabbath
2. Wizard, The
3. N.I.B.
4. Evil Woman (Don't Play Games With Me)
5. Wicked World
6. War Pigs
7. Paranoid
8. Planet Caravan
9. Iron Man
10. Electric Funeral
11. Fairies Wear Boots
12. Sweet Leaf
13. Embryo
14. Children Of The Grave
15. Lord Of This World
16. Into The Void
17. Tomorrow's Dream
18. Supernaut
19. Snowblind
20. Sabbath Bloody Sabbath
21. Killing Yourself To Live
22. Spiral Architect
23. Hole In The Sky
24. Don't Start (Too Late)
25. Symptom Of The Universe
26. Am I Going Insane (Radio)
27. Dirty Women
28. Never Say Die
29. Hard Road
30. Heaven And Hell
31. Turn Up The Night
32. Dark/Zero The Hero

Formada em Birmingham, Inglaterra, em 1968, a banda Black Sabbath foi a pioneira em lançar as fundações do heavy metal que assaltou a música popular nos anos 70 e 80. A maneira violenta de tocar, as letras sanguinárias, machistas e místicas tornaram-se o modelo para inúmeros grupos que se seguiram. Seu álbum homônimo de 1970 continua sendo um dos mais inovativos e influentes da história do rock.
O quarteto composto por Ozzy Osbourne (vocalista), Tony Iommi (guitarrista), Geezer Butler (baixista) e Bill Ward (baterista), inicialmente se chamou Polka Tulk e mais tarde Earth. Tomaram de assalto o circuito de pubs e clubes de sua cidade natal, com muita energia, blues e rock. Companheiros de escola e vizinhos em Birmingham, o grupo ganhou muitos seguidores na Inglaterra e em 1968 mudaram seu nome para Black Sabbath. O novo nome espelhava a imagem escura, pesada e mística da banda, seu gosto por temas sobrenaturais.

Parte I
Parte II
Parte III
Parte IV

Donzela de Ferro

2005-11-11T14:54:00.000-02:00

Iron Maiden - Soundhouse Tapes
01 - Iron Maiden
02 - Invasion
03 - Prowler
04 - Strange World

Final da década de 70, o heavy metal não estava mais “na moda”. Melodias complexas, solos de guitarra, não faziam mais parte do cenário musical, o punk era o estilo simples e direto que tomou o lugar das paradas de bandas como Led Zeppelin, por exemplo.
É exatamente nesse contexto que surge o Iron Maiden, na chamada NWOBHM ( New Wave Of British Heavy Metal ), uma segunda “leva” de bandas com este estilo pesado.
Antes de se formar o Iron Maiden, Steve Harris, seu fundador, teve uma banda chamada Influence que depois recebeu o nome de Gipsy Kiss, tudo isso no início da década de 70. Foi em 75 que Harris se juntou a Dave Murray (que na época tocava em uma banda chamada Secret) e nasceu o Iron Maiden. Em novembro de 79, o Iron lançou seu famosíssimo e disputado EP The Soundhouse Tapes. As primeiras 5 mil cópias do disquinho, vendidas via correio, esgotaram-se em 3 semanas.

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O lado escuro do Pink Floyd

2005-11-11T12:46:00.000-02:00

Pink Floyd - The Dark Side Of The Moon
01 - Speak to me
02 - Breathe (In the air)
03 - On the run
04 - Time
05 - The great gig in the sky
06 - Money
07 - Us and them
08 - Any color you like
09 - Brain Damage
10 - Eclipse

Este álbum dá uma nova definição para a palavra "clássico". O Pink Floyd já era uma grande banda antes de "The Dark Side Of The Moon". 6 anos de estrada e 7 álbuns depois, tudo o que o Pink Floyd tinha lançado pareceu se tornar uma espécie de ensaio para este disco. Com sua unidade, produção primorosa e a qualidade individual de cada faixa, esse álbum, lançado em março de 1973, se tornou um verdadeiro fenômeno, vendendo 20 milhões de cópias e ficou mais de 15 anos entre os 200 discos mais vendidos nos Estados Unidos. Com isso Roger Waters (Baixo/Vocal), David Gilmour (Guitarra/Vocal), Richard Wright (Teclados/Vocal) e Nick Mason (Bateria) escreveram seus nome no Guiness Book of Records. Uma curiosidade: "The Dark Side Of The Moon" foi o primeiro álbum a ser lançado pela gravador EMI em formato CD. Segundo a lenda entre Floydianos, as cópias não estavam sendo feitas da matriz e David Gilmour teria ordenado que o erro fosse corrigido imediatamente. As excepcionais vendas levaram a EMI - e isto não é lenda - a manter um filial na Alemanha produzindo CD's de "Dark Side Of The Moon" em tempo integral. Outra lenda que circula é se você ouvir esse disco e assistir ao filme "O Mágico de OZ" simultâneamente, as músicas estão perfeitamente sincronizadas com as imagens na tela. Premeditado ou incrível coincidência? Talvez nunca saberemos.

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Eletricidade ao vivo

2005-11-11T10:56:00.000-02:00

AC/DC - Live in Concert 1978
1. Live Wire
2. Problem Child
3. Sin City
4. Gone Shootin'
5. The Jack
6. High Voltage
7. Rocker
8. Dog Eat Dog

Gravado ao vivo durante um show da rádio WBCN em Boston, EUA, este CD não faz parte da discografia oficial do AC/DC. Aqui estão presente o finado Bon Scott (que o Deus Metal o tenha) no vocal, Malcolm e Angus Young (Guitarras), Cliff Williams (Baixo) e Phill Rudd (Bateria). Essa formação gravou alguns dos melhores álbuns do AC/DC, incluindo o também clássico "Highway to Hell" em 1979. Esse registro ao vivo traz as pedradas "Live Wire", "Gone Shottin'" (no encarte consta como "Don't Shoot Me"), "High Voltage" (no encarte consta como "Whole Lotta Rosie") e o bluesão "The Jack". Enfim, um registro autêntico (sem as correções de estúdio) de uma das bandas mais importantes do Hard Rock.
Disco enviado por Asdrubal Rock Man.

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Direto como um soco no estômago

2005-11-10T17:32:00.000-02:00

Motörhead - Ace Of Spades
1. Ace of Spades
2. Love Me like a Reptile
3. Shoot You in the Back
4. Live to Win
5. Fast and Loose
6. (We Are) The Road Crew
7. Fire, Fire
8. Jailbait
9. Dance
10. Bite the Bullet
11. The Chase Is Better than the Catch
12. The Hammer
13. Dirty Love
14. Please Don't Touch
15. Emergency

No mundo do rock pesado, o virtuosismo é sempre elevado a sua enésima potência. Mas algumas vezes, ele se perde da sua essência. O Motörhead é uma banda que sempre se manteve fiel as raízes do rock. Segundo o próprio lider Lemmy Kilmister, "o Motörhead é apenas uma banda de rock' n' roll". Em "Ace of Spades", Lemmy (Baixo/Vocais), "Fast" Eddie Clarke (Guitarra/Vocais) e Phil Taylor (Bateria) nos mostram como fazer um álbum de rock simples e direto. Perto do que chamam hoje em dia de "Rock Pesado" e "New Metal", "Ace of Spades" é praticamente um chute certeiro nos bagos. Esse álbum ainda tem o mérito de ter alavancado o nome da banda de vez, sendo o ponto alto de uma carreira vitoriosa. Poucas bandas soaram tão autênticas com o passar do tempo quanto o Motörhead (talvez os Ramones). Como diz a letra de "Ace Of Spades", a vida não é mais complicada que uma mão de pôquer, algumas vezes você ganha e algumas vezes você perde. O Motörhead completa 30 anos de carreira em 2005 tendo mais vitórias do que derrotas no perigoso carteado do Rock' n' Roll.

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Fumaça sobre a água... fogo no céu...

2005-11-10T14:45:00.000-02:00

Deep Purple - Machine Head
1. Highway Star
2. Maybe I´m a Leo
3. Pictures Of Home
4. Never Before
5. Smoke On The Water
6. Lazy
7. Space Truckin´

O que dizer de um álbum que simplesmente tem "Smoke On The Water", "Space Truckin'", "Lazy" e "Pictures of Home"? Como fã incondicional do Deep Purple, sou suspeito para falar, mas "Machine Head" é um clássico absoluto da história do rock, focalisando uma banda no seu auge criativo e técnico. Contando com grandes instrumentistas, o Deep Purple nesse álbum era: Ian Paice (Bateria), Roger Glover (Baixo), John Lord (Teclados), Ritchie Blackmore (Guitarra) e Ian Gillan (Vocal). Essa formação clássica, conhecida pelos fãs como Mark II foi a mais popular de todas. "Machine Head" foi multiplatinado, e emplacou a primeira canção do Deep Purple no Top Ten da Billboard ("Smoke on the water"). Essa música sózinha, inclusive, tornou-se a marca registrada da banda, contando a história do maluco que com um sinalizador colocou fogo no Cassino onde o grupo assistia a um show de Frank Zappa, em Montreal no Canadá. Vendo a fumaça sobre o lago Geneva, e as chamas altas no céu, a banda batizou o seu maior hit: "Fumaça sobre a água... fogo no céu...".

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O que melhor existe no rock!!

2005-11-10T13:19:00.000-02:00

Bem vindos à uma viagem ao passado. Este blog terá como objetivo disponibilizar pérolas do rock, desde as mais conhecidas até aquelas que estão esquecidas, por suas bandas terem acabado ou por elas não estarem na mídia. O critério? Vou colocar álbuns que eu considero clássicos, por suas vendagens ou seu valor artístico. De um modo ou de outro, só vai ter filé. Os arquivos estarão disponíveis via rapidshare. Junto com o álbum, sempre colocarei uma impressão pessoal sobre o álbum, de modo que vocês poderãm comentar, concordando ou discordando da minha visão. Quem quiser colaborar com links de álbuns clássicos que estiverem já disponíveis para download na net também serão bem vindos e serão devidamente creditados. Um abraço a todos. Long live Rock' n' Roll!!